DOMVS PVCELAE

Lectura dramatizada: EL GRAN INQUISIDOR, 4 y 5 de febrero 2012

2012-01-31T00:05:00.005+01:00

CAPILLA DEL MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA, VALLADOLID

Días 4 y 5 de febrero, 20 h.

Como cierre de la exposición Figuras de la exclusión. Miradas desde la imagen religiosa y como conclusión del Año ESPAÑA-RUSIA, el Museo Nacional de Escultura presenta en primicia una lectura dramatizada de EL GRAN INQUISIDOR, obra del novelista ruso Fedor Dostoievski.

«El Gran Inquisidor» es un relato en el que Iván cuenta a su hermano Aliosha en la novela Los hermanos Karamazov de F. Dostoievski, en el que narra la llegada de Jesús a la tierra, por segunda vez, en el siglo XVI, a Sevilla, siendo allí encarcelado por la Santa Inquisición, acusado de «alteración del orden publico».

Ya en la celda, el Gran Inquisidor culpa a Jesús de instruir sobre la libertad y la dignidad, cuando estos conceptos, según él, no son dignos de alabar o defender; no son valores por los que haya que luchar. Por el contrario, la libertad de elección es un yugo, la sentencia más severa posible, cuyo resultado es situar a la existencia humana en un estado insoportable e insufrible.

Este crudo cuento sirve al escritor ruso para enfrentar a Jesús y a su Iglesia en un drama sobre los valores humanos.

Iván, en esta narración, ilustra con cierta ironía la labor que los Grandes Inquisidores de cualquier época, han realizado para facilitar la existencia del ser humano, arrebatándole su libertad de elección y su dignidad, evitando así la posibilidad de equivocación que éste puede cometer en todas las esferas de su vida, ya sean políticas, económicas, sociales, morales, estéticas, lúdicas, etcétera.

Con esta lectura dramatizada, trato de ser fiel a la frase del autor de Crimen y castigo: «La forma dramática es la más cercana a la realidad de la condición humana».

Ernesto Calvo, director.

El Gran Inquisidor, Fedor Dostoievski

Lectura dramatizada

Intérpretes: Carlos Pinedo y Manuel Pérez

Dramaturgia y Dirección: Ernesto Calvo

Música: Sinfonía de los Salmos, I. Stravinski

ENTRADAS: Precio 8 €; Amigos del Museo: 6 €.

Localidades a la venta en la tienda del Museo, en horario de apertura, calle Cadenas de San Gregorio.

Reserva en el teléfono 983 250 375 ext. 125.

Con el patrocinio de la SECI-AECID

Para más información, contacte con el Departamento de Comunicación del Museo en el teléfono 983 250 375 (ext. 120, 121 y 122) o en la dirección prensa.museoescultura@mcu.es

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Conferencia y visita: PALACIO DE LOS CONDES DE RIBADAVIA, 4 de febrero 2012

2012-01-30T00:08:00.009+01:00

CICLO DE CHARLAS Y VISITAS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO DE ORO DE VALLADOLID.

Coordinación: Daniel Villalobos, Santiago García y Sara Pérez.

Organiza: Domus Pucelae y Dpto. de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos (UVa).

4 de febrero, sábado, 11 horas.

Conferencia 4 y visita.

Lugar: Palacio de los Condes de Ribadavia, actual sede de la Diputación de Valladolid, Plaza de San Pablo esquina con calle de las Angustias.

PALACIO DE LOS CONDES DE RIBADAVIA. EL EDIFICIO COMO ESCENARIO DE LA HISTORIA.

Ponente: LUIS JOSÉ CUADRADO.

Nota: Esta actividad no es pública, sino restringida a los socios de Domus Pucelae y estudiantes de Arquitectura.

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Conferencia y visita: PALACIO DE LOS VIVERO, 3 de febrero 2012

2012-01-30T00:05:00.014+01:00

CICLO DE CHARLAS Y VISITAS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO DE ORO DE VALLADOLID.

Coordinación: Daniel Villalobos, Santiago García y Sara Pérez.

Organiza: Domus Pucelae y Dpto. de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos (UVa).

3 de febrero, viernes, 16,30 horas.

Conferencia 3 y visita.

Lugar: Palacio de los Vivero, actual Archivo Territorial de Valladolid, calle Chancillería esquina con Ramón y Cajal.

EL PALACIO DE LOS VIVERO EN LA CORTE DE LOS REYES CATÓLICOS Y ARQUITECTURA DOMÉSTICA EN LA REAL CHANCILLERÍA.

Ponente: SARA PÉREZ. Participa: ARMANDO AREIZAGA.

Nota: Esta actividad no es pública, sino restringida a los socios de Domus Pucelae y estudiantes de Arquitectura.

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Visita virtual: VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS, el dolor al pie de la cruz

2012-01-27T00:05:00.056+01:00

VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS

Juan de Juni (Joigny, Borgoña 1506 - Valladolid 1577)

Hacia 1561

Madera policromada

Iglesia de las Angustias, Valladolid

Escultura renacentista española

La Virgen de las Angustias es posiblemente el principal referente de la devoción popular mariana en Valladolid, equiparable a la que despiertan la Esperanza Macarena en Sevilla, la Virgen de los Desamparados en Valencia, etc. La imagen, tanto por su significado religioso, que representa el dolor de una madre madura ante el sufrimiento de un hijo, como por su tradicional y solemne exhibición por las calles vallisoletanas, es un icono que infunde un respeto generalizado, tanto a creyentes como a los más descreídos, pues unos y otros son impactados por la expresividad de una obra maestra de la escultura renacentista española.

Su autor es Juan de Juni, un francés procedente de Borgoña que tras un posible periplo por Italia llegó a España e instaló su taller en la ciudad de León, donde permaneció unos años hasta que se asentó definitivamente en Valladolid. Cuando trabajaba junto al Pisuerga, ingresó como hermano de la cofradía penitencial de la Quinta Angustia, fundada el Viernes Santo de 1561, que ese mismo año le encargó la imagen titular que debía presidir las procesiones en las que participaban todos los cofrades. La escultura, realizada en madera policromada, ponía de manifiesto su pericia en el oficio, ajustándose a la iconografía de la Soledad de la Virgen a través de la interpretación rigurosa de los versos que darían lugar a la modalidad de "Stabat Mater". Su protagonismo motivó que mediante una bula expedida en 1614 se cambiara la titulación de la cofradía por la de Nuestra Señora de la Soledad y las Angustias y que desde 1623 la imagen fuera conocida como la Virgen de los Cuchillos, después de haberle incorporado ese año siete puñales entre los dedos de la mano que aprieta contra el pecho, alusivos a los siete dolores recogidos en la profecía de Simeón.

Pero Juan de Juni había concebido la imagen sin este tipo de postizos, como una representación independiente y posterior secuencialmente al tema del Descendimiento. La Virgen aparece derrumbada por el dolor y apoyada sobre una roca al pie de la cruz, en la más estricta soledad y con una disposición helicoidal del cuerpo para realzar su agitación interior en tan patético trance. Tiene una pierna extendida al frente y otra flexionada hacia atrás a la altura de la rodilla, lo que produce un arqueamiento del torso hacía su izquierda y que el hombro izquierdo se coloque en posición avanzada. El esquema de las piernas tiene cierta correspondencia en los brazos, el izquierdo extendido hacia atrás, cubierto por el manto y con la mano apoyada en la roca, y el derecho con la mano hundida sobre el pecho en gesto de desconsuelo. El centro emocional, como es habitual en la obra de Juni, se encuentra en la magistral cabeza, cubierta por una toca y el manto, en posición elevada, con la boca entreabierta en un gesto lastimoso y la mirada suplicante hacia el cielo.

Siguiendo las pautas miguelangelescas sobre la escultura, su composición es compacta y piramidal, con las extremidades replegadas, lo que no impide que al escultor hacer gala de su maestría en cada uno de los detalles.

La Virgen de las Angustias luce un juego de vestiduras superpuestas entre las que destaca una túnica roja con el cuello abierto en dos, siguiendo un modelo muy utilizado por el maestro desde sus primeras obras, que cubre una saya morada que asoma a la altura de los pies. Una toca blanca con el remate fruncido envuelve la cabeza, a su vez cubierta por un manto azul verdoso que se apoya sobre el hombro izquierdo, cayendo por la espalda hasta recogerse al frente entre las piernas. Estas vestiduras describen sobre el cuerpo un torbellino de pliegues sinuosos que dotan a la figura de gran movimiento, dando lugar a infinidad de superficies recurvadas con aristas muy redondeadas que recuerdan el modelado de sus experiencias en barro, con grandes contrastes entre las amplias ondulaciones del manto y el drapeado menudo de la toca, casi descrita pictóricamente, expresando magistralmente los juegos de diferentes texturas. Debido a su destino procesional, el interior de la talla está totalmente ahuecado, recurso que además impide la aparición de grietas.

No faltan otros detalles geniales, como la mano derecha presionando el pecho, haciendo que los dedos se hundan entre el paño mientras los dedos corazón y anular se juntan simbólicamente. Muy original es la mano izquierda, casi oculta bajo el manto que se enreda entre los dedos que asoman, un juego manierista de los paños cubriendo las manos que es reiterado en toda su obra, hasta convertirse en seña de identidad de su taller.

El trabajo de la cabeza representa el nivel de calidad más alto conseguido por la escultura renacentista española, envuelta con habilidad por un juego de paños en el que destaca pliegue de la toca colocado sobre la frente, que enmarca un rostro que tiene belleza clásica, con la nariz muy recta, las mejillas y el mentón acentuados y la boca entreabierta, dejando entrever la dentadura. Su sublime expresión dota a toda la figura de una intensa vitalidad.

La obra se completa con una esmerada policromía que proporciona a la talla una gran belleza plástica, con encarnaciones hechas a pulimento en las que destaca la sutil coloración del rostro, con las mejillas sonrosadas y los ojos enrojecidos por el llanto, con pequeñas lágrimas deslizándose bajo los párpados y la pupila y el iris pintados con aspecto totalmente natural. Tanto la túnica como el manto aparecen ornamentados con motivos florales realizados a punta de pincel, destacando los florones dorados de gran tamaño sobre el fondo oscuro del manto. La talla concentra todas las experiencias manieristas realizadas anteriormente por el escultor en los temas de la Piedad, dando lugar a un escultura en la línea del mejor arte italiano de su tiempo, llegando a ser equiparada por algunos historiadores apasionados con lo mejor del arte de Miguel Ángel.

La estética de la Virgen de las Angustias ha estado condicionada durante varios siglos a los siete cuchillos añadidos al pecho durante la época barroca. Los desperfectos producidos por estos añadidos, así como las aplicaciones posteriores a su policromía original, fueron corregidos durante la restauración realizada en la década de los setenta del siglo XX, momento en que se eliminaron los cuchillos que le dieron tanta celebridad, que de forma testimonial fueron colocados a los pies de la imagen, modo en que también se incorporan al paso procesional. Sin embargo, se mantuvo la característica corona de tipo resplandor.

La popularidad alcanzada por esta imagen en la Semana Santa de Valladolid ha dado lugar a diversas tradiciones y leyendas. La imagen participa cada martes santo en la procesión del Encuentro en la Calle de la Amargura, donde se cruza, en un emotivo acto celebrado en la Plaza de Santa Cruz, con la imagen de Cristo camino del Calvario. También cierra, con su patética soledad, la impresionante Procesión General de la Pasión que cada Viernes Santo se celebra en Valladolid, donde treinta y un pasos narran en sugestivas imágenes toda la secuencia pasional.

Durante mucho tiempo fue popularmente conocida por "La Zapatona" por el enorme tamaño del zapato, tan diferente a los modelos de nuestros días, que es ofrecido en los ritos de besapié organizados por la Cofradía de las Angustias. Una leyenda popular, sin más fundamento que su impactante aspecto dramático, afirma que el gesto de dolor de la Virgen fue captado por el escultor durante la agonía de una de sus hijas. Lo cierto es que su iconografía fue completamente renovadora en su tiempo y objeto de numerosas copias y versiones posteriores distribuidas por Castilla en forma de esculturas, pinturas y grabados.

El 3 de octubre de 2009 la imagen fue coronada canónicamente en la catedral de Valladolid en un acto solemne y multitudinario, estrenando en tan importante momento una nueva corona, sufragada por más de un millar de aportaciones de joyas de sus devotos, que en su taller cordobés el orfebre Manuel Valera convirtió en una nueva corona de tipo resplandor que pesa 2,3 kg. en oro de dieciocho quilates.

Ilustraciones: 1 Vista frontal de la Viegen de las Angustias de Juan de Juni. 2 Detalle frontal de la cabeza. 3 Detalle de la mano al pecho. 4 Detalle lateral de la cabeza. 5 Virgen de las angustias en su camarín. 6 Virgen de las Angustias en su paso procesional y camarín de la iglesia de las Angustias de Valladolid.

Informe: J. M. Travieso.

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Conferencia y visita: PALACIO DEL BANQUERO FABIO NELLI Y PORTADAS DE LOS PALACIOS DE LOS MARQUESES DE VALVERDE, CASTROFUERTE Y FERNÁNDEZ DE MURAS, 28 de enero 2012

2012-01-25T00:08:00.018+01:00

CICLO DE CHARLAS Y VISITAS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO DE ORO DE VALLADOLID.

Coordinación: Daniel Villalobos, Santiago García y Sara Pérez.

Organiza: Domus Pucelae y Dpto. de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos (UVa).

28 de enero, sábado, 11,00 horas.

Conferencia 2 y visitas.

Lugar: Palacio de Fabio Nelli, actual Museo de Valladolid. Plaza de Fabio Nelli.

EL PALACIO DEL BANQUERO FABIO NELLI DE ESPINOSA Y LAS PORTADAS DE LOS PALACIOS DE LOS MARQUESES DE VALVERDE, CASTROFUERTE Y FERNÁNDEZ DE MURAS.

Ponentes: ELOÍSA WATTENBERG y DANIEL VILLALOBOS.

Nota: Esta actividad no es pública, sino restringida a los socios de Domus Pucelae.

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Conferencia y visita: EL PALACIO BUTRÓN Y CASA DE LOS ZÚÑIGA. ESTRATEGIAS DE INTERVENCIÓN, 27 de enero 2012

2012-01-25T00:05:00.022+01:00

CICLO DE CHARLAS Y VISITAS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO DE ORO DE VALLADOLID.
Coordinación: Daniel Villalobos, Santiago García y Sara Pérez.
Organiza: Domus Pucelae y Dpto. de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos (UVa).

27 de enero, viernes, 16,30 horas.
Conferencia 1 y visitas inaugurales:

Lugar: Palacio de Butrón, actual Archivo General de Castilla y León, Plaza de Santa Brígida.

EL PALACIO BUTRÓN Y LA CASA DE LOS ZÚÑIGA. ESTRATEGIAS DE INTERVENCIÓN.

Ponente: JUAN CARLOS ARNUNCIO.

Nota: Esta actividad no es pública, sino restringida a los socios de Domus Pucelae.

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Ciclo de conferencias y visitas: ARQUITECTURA DOMÉSTICA Y PALACIEGA EN LA CIUDAD DE LA CORTE, de enero a marzo 2012

2012-01-24T00:05:00.066+01:00

ATENCIÓN: ESTAS CONFERENCIAS Y VISITAS ESTÁN RESTRINGIDAS A LOS SOCIOS DE DOMUS PUCELAE

CICLO DE CHARLAS Y VISITAS A LA ARQUITECTURA DEL SIGLO DE ORO DE VALLADOLID.

Horario: Tardes de los viernes, 16,30 h. y mañanas de los sábados, 11,00 h. de enero a marzo de 2012.

Coordinación: Daniel Villalobos, Santiago García y Sara Pérez.

Organiza: Domus Pucelae y Dpto. de Teoría de la Arquitectura y Proyectos Arquitectónicos (UVa).

MES DE ENERO

27 de enero, viernes, 16,30 h.

Conferencia 1 y visitas inaugurales:

Lugar: Palacio de Butrón, actual Archivo General de Castilla y León. Plaza de Santa Brígida.

Palacio Butrón y Casa de los Zúñiga. Estrategias de intervención.

Ponente: Juan Carlos Arnuncio.

28 de enero, sábado, 11,00 h.

Conferencia 2 y visitas:

Lugar: Palacio de Fabio Nelli, actual Museo de Valladolid. Plaza de Fabio Nelli.

Palacio del banquero Fabio Nelli de Espinosa y las portadas de los Palacios de los Marqueses de Valverde, Castrofuerte y Fernández de Muras.

Ponentes: Eloísa Wattenberg y Daniel Villalobos.

MES DE FEBRERO

3 de febrero, viernes, 16,30 h.

Conferencia 3 y visitas:

Lugar: Palacio de los Vivero, actual Archivo Territorial de Valladolid, c/. Chancillería cv. c/. Ramón y Cajal.

El Palacio de los Vivero en la corte de los Reyes Católicos y arquitectura doméstica en la Real Chancillería.

Ponente: Sara Pérez. Participa: Armando Areizaga.

4 de febrero, sábado, 11,00 h.

Conferencia 4 y visitas:

Lugar: Palacio de los Condes de Ribadavia (por confirmar), actual sede de la Diputación de Valladolid., Plaza de San Pablo cv. c/. Angustias.

Palacio de los Condes de Ribadavia. El edificio como escenario de la historia.

Ponente: Luís José Cuadrado.

11 de febrero, sábado, 11,00 h.

Conferencia 5 y visitas:

Lugar: Palacio del Marqués de Villena, actual Museo Nacional de Escultura (Exposiciones Temporales), c/. Cadenas de San Gregorio.

Palacio del Marqués de Villena y Portada de la Casa del Sol. Arquitectura y Nobleza.

Ponente: Jesús Urrea.

MES DE MARZO

9 de marzo, viernes, 16,30 h.

Conferencia 6 y visitas:

Lugar: Palacio Real, actual sede de Capitanía General, Plaza de San Pablo.

Palacio Real y Palacio del Conde-Duque de Benavente. La imagen de la realeza en la corte de Valladolid.

Ponente: Javier Pérez.

10 de marzo, sábado, 11,00 h.

Conferencia 7 y visitas:

Lugar: Palacio Real, actual sede de Capitanía General, Plaza de San Pablo.

Casa-taller de Alonso Berruguete. Una casa para un artista.

Se incluye visita al Palacio del Conde-Duque de Benavente.

Ponente: José Miguel Travieso.

16 de marzo, viernes, 16,30 h.

Conferencia 8 y visitas:

Lugar: Palacio de Villasante, (por confirmar), actual sede del Palacio Arzobispal, c/. San Juan de Dios (detrás del Teatro Calderón).

Palacio de Villasante. El tipo arquitectónico palaciego.

Ponente: Iván Rincón.

17 de marzo, sábado, 11,00 h.

Conferencia 9 y visitas:

Lugar: Sala de Conferencias de la Sede del Colegio de Arquitectos, (por confirmar), c/. Santiago, nº 9, (sótano).

Las Portadas palaciegas: de la Casa de Simón de Cervatos, a las Casas de los Miranda, Escudero Herrera, Villagómez. Estrategias de lenguaje.

Ponente: Armando Areizaga. Participa: Daniel Villalobos.

30 de marzo, viernes, 16,30 h.

Conferencia 10 y visitas:

Lugar: Sala adjunta al patio de la Casa de los Carrillo Bernalt, (por confirmar), sala de exposiciones temporales del MUva, Edificio Rector Tejerina, Plaza Santa Cruz, Valladolid.

Comienzo y Final de la arquitectura cortesana en Valladolid. De sus comienzos en la casa de los Carrillo Bernalt (final s. XV) al final en el palacio de los Vitoria (principios s. XVII).

Ponente: Leopoldo Uría.

31 de marzo, sábado, 11,00 h.

Conferencia 11 y visitas:

Lugar: Palacio del Caballo de Troya, (por confirmar), actual Restaurante Caballo de Troya, c/. Viana, (detrás de la Plaza Mayor).

Palacio del Caballo de Troya, la Casa de los Gallo y la tratadística del Renacimiento.

Ponente: Daniel Villalobos.

Tras la charla se clausurará el ciclo de conferencias y visitas con una comida en el antiguo Palacio del Caballo de Troya, (por confirmar), de todos los participantes en el curso. Al final de la misma se distribuirá una publicación que recogerá el contenido del ciclo.

OBSERVACIONES: El orden de algunas de las charlas y visitas puede ser variado en función de las necesidades, así como los diferentes lugares de las conferencias.

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Música: III SEMANA MOZART EN VALLADOLID, del 24 al 28 de enero 2012

2012-01-23T18:29:00.003+01:00

CLEMENCIA Y TOLERANCIA. III SEMANA MOZART EN CASTILLA Y LEÓN
ASOCIACIÓN CULTURAL SALZSBURGO

La Asociación Cultural Salzburgo ha presentado en rueda de prensa la III Semana Mozart de Castilla y León que se celebra, por tercer año consecutivo, en la ciudad de Valladolid.

Sus dos anteriores ediciones tuvieron lugar en el Centro Cultural Miguel Delibes y en el Teatro Calderón, y dedicaron su programación a óperas maestras y de juventud del compositor. En esta ocasión gravitan en torno a las ideas de perdón y generosidad.

La Asociación Cultural Salzsburgo, ha optado por un sugerente y acústico espacio del Museo Nacional de Escultura: la Capilla del Colegio de San Gregorio. Del martes 24 al viernes 28 de enero el público podrá disfrutar de cuatro espléndidas proyecciones del Festival de Salzburgo, la Ópera de Munich o la Filarmónica de Viena: Idomeno, Rey de Creta, El rapto en el serrallo, La Flauta Mágica y La Clemencia de Tito.

Los precios, «simbólicos», han sido fijados en 3 € para el público general y en 2 € para los miembros de la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Escultura.

Más información: Ciclo de Ópera

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VIAJE: KENIA - TANZANIA, del 1 al 9 de mayo 2012

2012-01-23T13:15:00.003+01:00

PROGRAMA

Día 1 de mayo, martes

Salida de Valladolid a la hora que se fijará en la reunión sobre el particular. Llegada embarque en vuelo con destino a Ámsterdam. Llegada y conexión con vuelo a Nairobi. Llegada y traslado al hotel. Alojamiento.

Día 2 de mayo, miércoles

Traslado por carretera a Amboseli (por la tarde se visitará el Kilimanjaro, si el tiempo lo permite y los elefantes. Cena en el lodge y alojamiento.

Día 3 de mayo, jueves

Nairobi/Arusha/ Parque Nacional de Tarangire. Traslado hacia la frontera de Tanzania. Llegada por carretera a Arusha. Almuerzo. Traslado hacia el parque nacional de Tarangire. Safari fotográfico. Cena en Lodge. Alojamiento.

Día 4 de mayo, viernes

P.N. Tarangire / Serengeti. Salida por la mañana temprano hacia las llanuras de Serengeti. Almuerzo de pic nic. Cena en el Lodge. Alojamiento.

Día 5 de mayo, sábado

Safari fotográfico durante todo el día en el parque nacional de Serengeti. Almuerzo y cena en el Lodge.

Día 6 de mayo, domingo

Salida por carretera hacia el cráter del Ngorongoro. Visita a la Garganta del Olduvai. Almuerzo y cena en el Lodge.

Día 7 de mayo, lunes

Cráter del Ngorongoro. Se desciende al interior del cráter. En este lugar es como un arca de Noe, donde mas especies de animales hay del Este Africano. Alojamiento.

Día 8 de mayo, martes

Ngorongoro/Arusha/Nairobi/Ámsterdam. Salida desde Tanzania hacia la frontera con Kenia. Llegada a Nairobi. Embarque en vuelo hacia Ámsterdam (noche a bordo).

Día 9 de mayo, miércoles

Llegada a Ámsterdam. Conexión vuelo con Madrid. Llegada a Madrid. Y traslado en Bus a Valladolid. Llegada a primeras horas de la tarde.

PRECIO SOCIO: 2080 + 380 € tasas + 100 visados en habitaciones dobles.

PRECIO NO SOCIO: 2130 + 380 € tasas + 100 visados en habitaciones dobles.

SUPLEMENTO INDIVIDUAL: 99 € por persona a los precios citados anteriormente.

INCLUYE:

Vuelos regulares clase turista de KLM (MAD-AMS 05,55 – AMS –NBO – 11,15 -20,15) NBO-AMS 22,30 ,AMS-MAD 6,55 -9,30). Transporte en minibuses en Kenia y 4x4 en Tanzania. Alojamiento en Nairobi en Southern Sun. Tarangire Sopa Lodge. Serengeti. Serengeti Sopa Lodge y Ngorongoro Sopa Lodge. P.C. durante el safari y alojamiento y desayuno en Nairobi 2 almuerzos en Arusha. Entradas a parques, seguro y documentación de viaje.

NO INCLUYE: Tasa de aeropuerto y carburante aprox. 380 € . Bebidas en las comidas. Visado Kenya, aprox, 50 $, no admiten €. La misma cantidad para Tanzania. Propinas a camareros, maleteros, en restaurantes y hoteles. Propinas a conductor y guías. Seguro de anulación (36 € por persona) o de Protección Plus (62 € por persona).

VACUNAS: Obligatoria Fiebre Amarilla y muy recomendable la de la Malaria.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir del 22 de enero 2012.

MÁS INFORMACIÓN: Agencia Carlson Wagonlit. C/ Puente Colgante, 42 Tfno. 983 130640. Sta. Natalia.

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VIAJE: BERLIN AL COMPLETO, del 27 de abril al 1 de mayo 2012

2012-01-23T13:14:00.002+01:00

PROGRAMA

27 ABRIL: MADRID-BERLIN

Salida desde Valladolid a las 15.00 horas, desde la Plaza. Colon, para salir con dirección Madrid-Barajas. Tramites facturación vuelo línea regular Madrid-Berlín. MAD-TXL IB 3546 19.45-22.35 Llegada y traslado al hotel. Alojamiento.

28 ABRIL: BERLIN (Panorámica de Berlín + Subida Cúpula Reichstag + Museo Pergamo + Visita Nocturna Berlín)

Desayuno. A las 09.00 horas se iniciará la Visita Panorámica de Berlín Comenzaremos con el Kurfurstendamm, hogar de la impresionante Iglesia Conmemorativa del Emperador Guillermo II. Pasaremos por los archivos de la Bauhaus y después por el Distrito Diplomático, a través del Tiergarten, llegaremos a la Columna de la Victoria y al Palacio de Bellvue, hogar del Presidente Federal de Alemania. Seguiremos nuestro camino a lo largo de la calle 17 de Junio y podremos admirar la Cancillería y el Reichstag (Parlamento Alemán) rodeado de césped y con su fascinante cúpula de cristal. A la vuelta de la esquina llegaremos a la Puerta de Brandemburgo, que marca el comienzo del Paseo más antiguo de Berlín, Unter den Linden. Junto la puerta veremos el Monumento conmemorativo del Holocausto. A las 12.30 horas tendremos la Comida hasta las 14.00 horas, que el grupo se dirigirá a pie al Reichstag (Subida a la Cúpula, incluido pastel con café). A las 16.00 horas, entrada al Museo de Pergamo. Finalizada la visita traslado al hotel. Cena y a las 21.30 horas Visita Nocturna de Berlín Iluminado. Finalizada la visita regreso al Hotel. Alojamiento.

29 ABRIL: BERLIN (Visita Berlín Este + Museo Judío + Visita Barrio Judío + Subida Torre Fernshturm)

Desayuno. A las 09.45 horas se realizara la Visita del Berlín Este, donde descubriremos, East Side Gallery, Kart Marx Allee, Marx-Engels- Forum, Capilla Espíritu Santo, Ayuntamiento Rojo, para terminar en la Fernsehturm (Torre de la TV). Subida a la Torre de la Comunicación hasta las 13.00 horas. El grupo se dirigirá a pie al restaurante. Comida 13.30 horas. Tras el almuerzo traslado en autocar Para Visitar el Barrio y Museo Judío. La visita comienza en el antiguo edificio de correos Postfurhamt, que al igual que la nueva Sinagoga, fue construida al estilo árabe en la segunda mitad del siglo XIX. Las parcelas se han convertido en magníficos patios, los cuales se han trasformado en verdaderos puntos de atracción para los visitantes. Los dos patios más hermosos y sin duda dignos de ver son los Hëckman Höffe, al lado de la nueva Sinagoga, visita punto fronterizo Checkpoint Carlie. A continuación se vista el Museo Judío de Berlín que ha demostrado ser un centro de atracción con más de 650.0000 visitantes anuales, convirtiéndose en uno de los museos más visitados de Alemania. Tras la visita traslado al hotel. Cena en restaurante y Alojamiento.

30 ABRIL: BERLIN (Visita Berlín Oeste + Visita Palacio Charlotenburg + Paseo en Barco)

Desayuno. A las 09.45 horas se realizara la Visita de Berlín Oeste. Pasaremos por el palacio de Charlottenburg, el único palacio de gran tamaño de la casa de los Hohenzollern que se conserva. Recorreremos el centro occidental alrededor de la Avenida Kurfurstendamm con la iglesia a la memoria del emperador Guillermo I y el mayor punto de atracción de esta zona; el centro internacional de congresos; la torre de radiofusión en el recinto ferial y el estadio olímpico. Visita guiada Palacio Charlotenburg. Tras la visita Comida sobre las 13.00 horas en los alrededores del palacio. Por la tarde realizaremos un Crucero por el río Spree; como perfecta toma de contacto con los famosos monumentos y la variada arquitectura de Berlín .Atraviesa la ciudad, pasando por lugares famosos como la plaza Potsdamer Platz, el Reichstag, la Isla de los Museos, la Catedral y muchos más.. Cena en restaurante, traslado al hotel y alojamiento.

*** Suplemento cena típica 30,00 euro

1 MAYO: BERLIN - MADRID (Guerra Fría (Tour Metro + Bunker)

Desayuno. A Las 09.45 horas cargado el equipaje en el autocar. Traslado en bus para comenzar el Tour guiado por el Metro. Visitaremos las llamadas “estaciones fantasmas” Además veremos las llamadas “Reservas del Senado”, el bloqueo de los sistemas de alcantarillado en contra de los intentos de fuga hacia el Oeste y más detalles de la época abordados en profundidad. Posteriormente visitaremos uno de los bunkers, construido gracias a la prolongación de la línea de metro U8 y que podía albergar durante varias semanas a cerca de 3.400 personas en caso de emergencia. Sobre las 13.00 horas se efectuara la Comida. Posteriormente se tendrá tiempo libre hasta las 16.30 horas que nos trasladaremos en el bus al aeropuerto, para realizar los tramites de facturación y embarque del vuelo de línea regular Berlín-Madrid. TXL-MAD IB 3547 19.35-22.50 Llegada a Madrid a las 22.50 horas y traslado hasta Valladolid.

PRECIO SOCIO: 998 €

PRECIO NO SOCIO: 1.048 €

SUPLEMENTO HABITACIÓN INDIVIDUAL: 155 €

INCLUYE:

Traslado Valladolid-Barajas-Valladolid; Vuelos directos línea regular Madrid-Berlín-Madrid; Tasas de embarque; 4 noches de estancia en hotel 4**** PARK INN CITY WEST; Régimen pensión completa; Visita panorámica de Berlín; Visita nocturna de Berlín; Subida Cúpula Reichstag; Café+pastel Reichstag; Entrada al museo de Pergamo; Entrada el Palacio de Charlotenburg; Subida torre fernshturm; Entrada al museo Judío; Paseo en barco por el rio Spree; Visita guerra fría; Entrada guiada Bunker; Tour guiado metro; Visita guiada Berlín del Este; Visita guiada Berlín Occidental; Visita guiada Barrio Judío; coordinador Domus Pucelae; Dossier informativo por persona; Reunión informativa; Seguro de Viaje; Seguro opcional de Anulación

NO INCLUYE:

Todos aquellos servicios no especificados en el itinerario; bebidas en las comidas ni extras en los hoteles.

REQUISITOS: Grupo mínimo 26 y máximo de 30 personas.

NOTA IMPORTANTE:

Cualquier variación en el precio de las tasas, carburante, ó la moneda así como la modificación de los servicios implicaran la revisión de los precios. El orden de las visitas, podrán verse alteradas en el orden, pero siempre cumpliendo con las visitas previstas. Las comidas y cenas se realizaran en restaurantes.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo a domuspucelae@gmail.com o en tel. 608 419228 a partir del 22 de enero hasta el 3 de febrero, debiendo hacer entrega a la reserva de 200 € y el resto antes del 13 de abril del 2012 en Viajes Carrefour Valladolid 1, calle La Merced 3, Valladolid.

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VIAJE: SUECIA Y DINAMARCA, del 6 al 14 de abril 2012

2012-01-23T13:14:00.000+01:00

PROGRAMA

Viernes 6 Abril VALLADOLID - MADRID – ESTOCOLMO

Salida de la Plaza Colón a las 5 h. con destino a Madrid-Barajas. Presentación en el aeropuerto a la hora indicada (2,30 h. antes de la salida del vuelo), para iniciar los trámites de facturación y embarque rumbo a Estocolmo (almuerzo frio). Visita panorámica la ciudad antigua o Gamla Stan, con sus típicas calles de la época medieval, donde se encuentran el Palacio Real, la Catedral, Igl. Riddarholms.Traslado al hotel, cena y alojamiento.

Sábado 7 Abril ESTOCOLMO – UPSALA

Desayuno. Visita artística de Estocolmo, Museo Vasa, donde se encuentra el famoso barco hundido en el siglo XVII, construido por Gustavo Vasa y rescatado tres siglos después. Museo Nacional de Bellas Artes. Por la tarde, visita de la ciudad de Upsala (Gamla Uppsala; Catedral; Palacio Episcopal, Ayuntamiento,...) Regreso a Estocolmo. Cena y alojamiento.

Domingo 8 Abril ESTOCOLMO – GOTEBORG

Desayuno. Visita Ayuntamiento de Estocolmo, donde se entregan los premios Nobel. Salida hacia Jonkoping, situada a orillas del Lago Vattern, donde a la llegada realizaremos el almuerzo. Breve paseo por el centro de la ciudad, donde conoceremos las Iglesias de Sofía y Cristina (incluido el interior). A última hora del día, llegada a Goteborg, la segunda ciudad más importante de Suecia y el puerto más importante de Escandinavia. Traslado al hotel, cena y alojamiento.

Lunes 9 Abril GOTTEBORG – AARHUS

Desayuno. Visita panorámica de la ciudad, donde conoceremos su maravilloso casco histórico, rodeado por un canal artificial, el Mercado del Pescado, la Catedral, la Casa de la Corona, la Ópera). Salida en ferry hacia Frederikshavn desembarque y continuación a Aalborg. Almuerzo y paseo por la ciudad en el que veremos panorámicamente sus castillos, iglesias, torres, edificios construidos durante su gran época del Renacimiento, tiempos en los que Aalborg, se presentaba como uno de los centros de comercio más importantes de los países nórdicos, debido a su estratégica situación. Continuación del viaje a Aarhus, traslado al hotel, cena y alojamiento.

Martes 10 Abril ARHUS – FLENSBURG

Desayuno. Visita panorámica de la ciudad, que cautiva por el esplendor de su centro histórico, perfectamente conservado, la Catedral de San Clemente, la Iglesia de Nuestra Señora, la belleza arquitectónica del Ayuntamiento, el muelle… Salida hacia Esbjerg y almuerzo a la llegada. Por la tarde, visita de la ciudad, en la que conoceremos el puerto de la pesca, la Iglesia de Grundvigs, el Parque Arnbjerg Miniworld,… Salida hacia Flensburg, llegada y traslado al hotel, cena y alojamiento.

Miércoles 11 Abril FLENSBURG – ODENSE

Desayuno. Breve paseo por el centro de la ciudad, donde podremos apreciar sus maravillosas fachadas, y su casco histórico Salida hacia Odense. Llegada y almuerzo. Por la tarde, visita panorámica de la ciudad, donde conoceremos el Ayuntamiento, el Castillo de Odense, la Casa de Andersen. Continuación a Copenhague, traslado al hotel, cena y alojamiento.

Jueves 12 Abril ODENSE-COPENHAGUE

Desayuno y salida hacia Copenhague. Visita panorámica a la capital danesa donde recorreremos sus principales monumentos, como la plaza del Ayuntamiento; la Sirenita, que se ha convertido en un verdadero símbolo de la ciudad; o el palacio de Amalienborg , que está formado por cuatro palacios rococó y que desde el siglo XVIII es residencia real. Almuerzo. A continuación les realizaremos una excursión al castillo de Rosenborg, el castillo de las Rosas. Llegada, cena y alojamiento.

Viernes 13 Abril COPENHAGUE-MALMÖ

Desayuno. Por la mañana, excursión a la ciudad de Malmo. Almuerzo. Regreso, cena y alojamiento.

Sábado 14 Abril COPENHAGUE – MADRID - VALLADOLID

Desayuno. Visita a la fábrica de cerveza Carlsberg. A las 13.00 (almuerzo frio).Salida, traslado al aeropuerto, para iniciar los trámites de facturación y embarque del vuelo de Iberia con salida a las 15,40 rumbo a Madrid. Llegada a las 19,00 y continuación del viaje a Valladolid. Llegada sobre 23,30. Fin de nuestros servicios.

PRECIO SOCIO: 1795 €.

PRECIO NO SOCIO: 1850 €.

RESERVA DE PLAZA: 400 €.

INCLUYE:

* Autocar; Valladolid/Madrid Barajas/Valladolid

* Vuelos: Madrid/Estocomo – Copenhague/Madrid (Vuelos: IB3322 MAD-ARN 1010 / IB3309 CPH-MAD 1540)

* Tasas aeropuerto

* Auto pulman durante todo el recorrido

* Asistencia técnica en destino

* Traslados aeropuerto <-> hotel

* Guía acompañante durante el recorrido

* Pensión completa

* Hoteles categoría 4 estrellas

* Habitaciones dobles con baño o ducha

* Entradas a lugares turísticos mencionados en programa

* Coordinador DOMUS PUCELAE

* Dossier de viaje

* Seguro de viaje: médico y equipajes

Nota: El orden del itinerario puede ser modificado sin previo aviso, así como el orden de las visitas, sin que esto altere el contenido del programa.

En caso de llegadas del primer día posteriores a las 20:00 h. la cena no estará incluida

* Optativo pero recomendable seguro de anulación.

NO INCLUYE:

* Modificación precio carburante, variación en el cambio de moneda

* Extras en hoteles, bebidas en comidas, propinas

* Ningún servicio no especificado en “el precio incluye”

* Suplemento habitación individual: 390 €.

REQUISITOS: Número de plazas: 35

* Penalización por baja y/o anulación reserva, gastos de gestión: 200 €.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio y hasta el 15 de febrero de 2012.

* Datos para la reserva: Nombre y dos apellidos, nº de socio, nº de teléfono fijo y Móvil, dirección de correo electrónico, domicilio postal, código postal.

* INGRESO totalidad viaje: 9 de marzo de 2012. Todos los pagos han de realizarse en Viajes HALCÓN, C/ San Lorenzo, 4 -/- 47001 – Valladolid. Tl.: 983 35 06 60.

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VIAJE: EXTREMADURA EN PRIMAVERA, del 23 al 25 de marzo 2012

2012-01-23T00:08:00.012+01:00

PROGRAMA

Día 23 de marzo, viernes

Salida a las 16 h. desde la Plaza de Colón con dirección a Olivenza (Badajoz). Cena y alojamiento en el hotel Heredero 3*.

Día 24 de marzo, sábado

Salida a las 9 h. para visitar el Monasterio de Tentudia. Traslado a Calera de León y Jerez de los Caballeros, con comida en el hotel Los Templarios. Al finalizar la comida visita a la ciudad. Por la tarde traslado a Zafra con breve visita a la villa. Salida hacia Olivenza. Cena y alojamiento.

Día 25 de marzo, domingo

Visita de Olivenza y salida hacia el Monasterio de Guadalupe. Almuerzo en la Real Hospedería de Guadalupe. Visita al Monasterio. Al finalizar, regreso a Valladolid, donde está previsto llegar a últimas horas de la tarde.

PRECIO SOCIO: 150 €

PRECIO NO SOCIO: 155 €

PRECIO HABITACIÓN INDIVIDUAL: 190 €

INCLUYE: Viaje en autocar; Dossier de viaje; Seguro de Viaje; Cenas días 23 y 24 y los desayunos y almuerzos de los días 24 y 25; Habitación doble, con baño o ducha en hotel Heredero de 3* en Olivenza.

NO INCLUYE: Entradas a monumentos, guías locales, etc. (Precio aprox. 8 €).

REQUISITOS: mínimo 30 y máximo 50 personas.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 horas a partir del 22 de enero de 2012.

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VIAJE: ZAMORA MODERNISTA, 25 de febrero 2012

2012-01-23T00:05:00.008+01:00

PROGRAMA

Salida a las 10 h. desde la Plaza de Colón con dirección a Zamora. Visita a la ciudad modernista del primer tercio del siglo XX (Mercado, Teatro Principal y edificios civiles en la ciudad). Almuerzo en el hotel NH (edificio rehabilitado). Después de la comida, visita al Castillo de la ciudad. Todo el recorrido será realizado por el arquitecto que ha llevado a cabo las intervenciones en los edificios citados. A las 19,30 h. regreso a Valladolid.

PRECIO SOCIO: 45 €

PRECIO NO SOCIO: 50 €

INCLUYE: Viaje en autocar; comida en hotel NH de Zamora; entradas a las visitas; Dossier de viaje y Seguro de Viaje.

REQUISITOS: mínimo 30 y máximo 50 personas.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir del 22 de enero de 2012.

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Museo Nacional de Escultura: Finaliza la exposición temporal FIGURAS DE LA EXCLUSIÓN

2012-01-21T11:40:00.000+01:00

La exposición “Figuras de la Exclusión. Una mirada desde la imagen religiosa”, organizada por el Museo Nacional de Escultura, cierra el próximo domingo 22 de enero sin posibilidad de prórroga debido al calendario del Museo.

El éxito de la muestra no sólo se ha manifestado en las cifras de visitantes, casi 10.000 personas hasta el día de hoy, sino también en la gran acogida (con casi 1000 participantes) de las numerosas actividades organizadas en torno a la exposición: una jornada cultural para microempresas y pymes, dos conferencias con expertos de la Universidad, visitas temáticas todos los domingos de cada mes, un ciclo de cine dedicado a la infancia, un ciclo de proyecciones con lecturas contemporáneas de la exclusión y varias aperturas extraordinarias fuera del horario habitual del centro, además de la colocación de una placa conmemorativa en el Museo en homenaje a Bartolomé de las Casas, que contó con la presencia del Premio Nobel de la Paz, Muhammad Yunus.

Febrero no supone, sin embargo, el cese completo de la temática de la exclusión en el Museo, ya que se ha planteado un itinerario específico dentro de la colección en el Colegio de San Gregorio, con nuevas piezas y nuevos planteamientos, además del estreno teatral de “El Gran Inquisidor” el próximo domingo 5 de febrero, dirigida por Ernesto Calvo y patrocinada por la SECI-AECID.

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Historias de Valladolid: EL ARCO DE LADRILLO, un atípico arco triunfal decimonónico

2012-01-20T00:05:00.003+01:00

El Arco de Ladrillo es un singular "monumento" de Valladolid sin una finalidad pragmática aparente, motivo por el que ha quedado sumido en el más completo abandono. Sin embargo, su presencia ha gozado desde el momento de su construcción de una gran popularidad, siendo el elemento más destacado de cuantos se levantaron en la infranqueable barrera que supuso el trazado de las vías del tren a su paso por la ciudad, a la que llegó a dividir en aras de la modernidad. Una insólita construcción erigida a escasos metros de la que fuera flamante Estación Campo Grande y los inmensos talleres ferroviarios contiguos.

EL LADRILLO COMO MATERIAL CONSTRUCTIVO

El ladrillo es uno de los materiales constructivos usados desde tiempos inmemoriales, elemento básico de la arquitectura en Mesopotamia y Palestina y presente en las culturas sumeria, babilónica, persa y china. El tipo de pieza que hoy conocemos como ladrillo alcanzó un especial desarrollo en la antigua Roma (later coctus), usándose de forma generalizada desde comienzos del siglo I de nuestra era, aunque con formatos de mayor tamaño que adoptaban formas cuadradas (bipedalis, 60 x 60 cm.; sesquipedalis, 45 x 45 cm.; bessalis, 22 x 22 cm.), triangulares (semilater) e incluso circulares para levantar columnas, siendo frecuente que apareciera en las piezas un sello con el nombre del artesano o taller fabricante.

Durante la Edad Media el ladrillo fue un material preferente en la arquitectura de Italia, Alemania, Países Bajos y sobre todo de España, donde la herencia de la cultura islámica fue recogida por alarifes que trabajaron en ladrillo edificios que seguían las pautas de los estilos románico y gótico y que dieron lugar a la aparición de un estilo genuinamente peninsular, el múdejar, en el que el uso del ladrillo alcanzaría cotas de alto virtuosismo en sustitución de la piedra.

Su uso se prolongó en los siglos siguientes, tomando de nuevo un fuerte protagonismo en el siglo XIX, en una época coincidente con la Revolución Industrial y el despegue del uso del hierro en las principales ciudades.

La materia prima es la arcilla, compuesta de sílice, alúmina, óxido de hierro y materiales alcalinos, que mezclada con agua es fácilmente modelada. Después de ser secada y cocida al horno adquiere una textura dura y resistente, solución que tuvo su origen en la fabricación de tejas y que supone un avance sobre los primeros ladrillos cocidos al sol (adobes). Después de un proceso de selección, trituración, homogenización y decantado, en el que la arcilla se madura y purifica, se procede al moldeo y secado, tras lo cual las piezas pasan por el horno a temperaturas que oscilan entre los 700º y los 1000º, adquiriendo su dureza y consistencia.

Las piezas más generalizadas son de forma rectangular, con un formato apropiado para ser manipulado con una sola mano. Su cara mayor se denomina tabla, que puede ser lisa o con una perforación para facilitar el agarre del mortero, mientras que el grueso lo constituye el canto, cara larga, y la testa, cara corta. En su colocación el lado largo se conoce como soga y el corto como tizón, cuyo acabado puede ser liso, rallado, punteado, decorado, etc. Existe también la variedad de ladrillo refractario, indicado para lugares con intensidad de calor, como hornos y chimeneas.

La disposición de arcillas idóneas para la elaboración de ladrillos ha llegado a definir la personalidad de muchas ciudades, sirva como ejemplo el caso de Toledo. A partir del siglo XVIII, como consecuencia del progreso industrial, se inició un proceso que cristaliza en el siglo XIX con la construcción de una nueva tipología arquitectónica orientada a la comunicación de masas. Es el caso de estaciones, puentes, astilleros, exposiciones universales, etc. En ellos se imponen nuevos materiales, como el hierro, el acero, el hormigón armado y el cristal, materiales que conviven con el ladrillo, que en ocasiones se impone en los exteriores bajo la forma del llamado ladrillo caravista, con un cuidado acabado de la soga y tizón, que con carácter estructural recubre el exterior de edificios de grandes dimensiones.

En el Valladolid decimonónico existía abundancia de arcillas apropiadas para ladrillos, siendo preferidas las de Cigales, Fuensaldaña, La Cistérniga y Valladolid. Ello favoreció el desarrollo de una pujante industria que se hizo presente en la ciudad en edificios de todo tipo hasta bien entrado el siglo XX. Es el caso de la Plaza de Toros (1888), las iglesias de Jesús y Siervas de Jesús, el teatro Zorrilla, la Electra Popular Vallisoletana, que sigue la corriente modernista de influencia catalana o, ya en 1927, la Escuela Normal, entre otros muchos edificios diseminados por toda la ciudad. La excelente calidad de aquellos ladrillos podemos apreciarla hoy día comprobando el estado de conservación de todas estas construcciones, lo que justifica la rivalidad que en ese momento se entabló con la industria del hierro.

EL ARCO DE LADRILLO

Al presenciar el Arco de Ladrillo, construcción única e insólita realizada exclusivamente en este material, la primera apreciación es su carencia de utilidad en un entorno ligado al ferrocarril, cuyos espacios son utilitarios por excelencia. Enseguida surge la pregunta: ¿Para qué se levantó?, todo un enigma.

Aunque no se conoce con certeza el hecho que motivó su construcción en 1856, su arquitectura está vinculada sin duda al trazado de la línea del ferrocarril Madrid-Irún, inaugurada en 1864, cuyo paso por Valladolid fue facilitada por el Ayuntamiento mediante la cesión de unos terrenos del llamado Vivero de los Capuchinos para construir la Estación y demás servicios, hecho aprobado en el mismo año en que se construye el arco.

La obra ha sido atribuida por unos al arquitecto Venancio del Valle y por otros a J. Sánchez, aunque parece más consistente la afirmación de Ortega y Rubio de que se trata de una exhibición de las posibilidades y la resistencia del ladrillo realizada por Joaquín Fernández Gamboa, fabricante en Valladolid de este material de construcción, que vino a establecer un espectacular contrapunto a los raíles ferroviarios sobre los que se levantó, en un momento en que comenzaba el éxito del uso del acero en la arquitectura.

El Arco de Ladrillo fue levantado sobre la vía férrea en las proximidades de la Estación, sobre el trazado de los raíles que llegan de Madrid. El hecho de aparecer como una construcción emblemática, con forma de un enorme arco rebajado de 23 metros de luz, planteado como el arco de descarga de un puente ferroviario que fuera de contexto adquiere la forma de un gran arco triunfal de moderno diseño, ha sido puesto en relación con la asistencia de la reina Isabel II a la inauguración de las obras del ferrocarril en Valladolid en 1858. Sin embargo, el arco no tiene un planteamiento efímero, habitual en aquellos casos, sino duradero y permanente, tal y como ha demostrado el paso del tiempo, a pesar de las vibraciones del paso de los trenes durante ciento cincuenta años y de la contaminación producida por el tráfico rodado sobre el cercano paso elevado para automóviles, siempre a la cabeza de los índices de contaminación ambiental de Valladolid.

También se ha interpretado como la muestra de una cimbra que sirviera de modelo para la futura construcción de puentes ferroviarios en la línea Madrid-Irún, poniendo de manifiesto la calidad de los prestigiosos ladrillos fabricados por los industriales vallisoletanos, en definitiva, como una hábil operación de marketing.

En la obra se utiliza un sistema constructivo muy ortodoxo, con escuetos cimientos de piedra en los estribos, ladrillos macizos y prensados colocados a tizón en los frentes de la rosca, formando hiladas transversales, y en los estribos hiladas horizontales, con el extradós del arco con las piezas colocadas a soga y protegidas por una capa de mortero para prevenir de la lluvia, el único material que muestra un acusado deterioro por su estado de absoluto abandono y los efectos de la contaminación.

Hoy el arco se yergue sobre un entorno degradado y abandonado a su suerte, aunque sigue siendo un referente ferroviario de gran calado popular. Sólo cabe esperar que tras la compleja remodelación proyectada en su entorno y en el espacio que ocupa, tras el soñado soterramiento del ferrocarril a su paso por la ciudad, se restaure según el sofisticado y dormido proyecto director, avalado por el Ayuntamiento, para conservar este testimonio de época decimonónica. Y que la organización de las nuevas construcciones levantadas en su entorno lo tomen como modelo de esbeltez y armonía y lo respeten como un testimonio de una época floreciente en Valladolid en que el uso del ladrillo fue una importante solución constructiva.

Ilustraciones: 1 Aspecto actual del Arco de Ladrillo. 2 El ladrillo como material constructivo. 3 Postal con vista antigua del Paseo del Arco de Ladrillo. 4 Fotografía antigua del Arco de Ladrillo, sin edificios colindantes. 5 Estado actual del Arco de Ladrillo. 6 Cimientos de piedra en los estribos. 7 Fotografía callejera antigua.

Informe y fotografías actuales: J. M. Travieso
Registro Propiedad Intelectual - Código: 1201200942803

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Bordado de musas con hilos de oro: EL BURGO DE OSMA, de Dionisio Ridruejo

2012-01-18T00:05:00.000+01:00

EL BURGO DE OSMA

Como la nieve fluye y va sonora

de haber sido silencio, así mi olvido

de las cumbres del ser en que ha dormido

baja al tiempo natal y fluye ahora.

Ya es celeste el hollín en la herrería

y el chirriar de la rueda con estopa

del cordelero y riza la garlopa

una miel inmortal de todavía.

Vuelve la yunta de ganar el valle

con su lanza arrastrada y la campana

vuelve a pasar entre la luz y el puente.

Vuelve el mercado a empavesar la calle

con soportales. Vuelve todo y mana

el para siempre ayer eternamente.

DIONISIO RIDRUEJO

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Un museo diferente: MUSEO DE BURGOS, Burgos

2012-01-16T00:05:00.399+01:00

MUSEO DE BURGOS

Calle Miranda 13, Burgos

El Museo de Burgos, que exclusivamente exhibe piezas de procedencia burgalesa, está instalado en el Palacio de los Miranda, muy próximo al moderno Museo de la Evolución Humana, en la margen izquierda del Arlanzón. Sus colecciones artísticas proceden en gran parte de iglesias y monasterios desamortizados en 1835 en la provincia, fondos que tras recorrer distintas sedes fueron definitivamente ubicados en 1955 en la Casa de los Miranda, junto a un notable conjunto de piezas arqueológicas halladas desde 1930 en yacimientos provinciales, razón por la que en un principio fue denominado Museo Arqueológico Provincial.

La Casa de los Miranda es un excelente marco para la presentación de la colección permanente, pues se trata de un elegante palacio renacentista levantado en 1545 por el canónigo y protonotario D. Francisco de Miranda y Salón, cuyo elemento más destacado es el patio de dos pisos en torno al que se distribuían las dependencias, que cuenta con dieciocho columnas rematadas por capiteles y zapatas, antepechos decorados con amorcillos y motivos heráldicos, frisos con relieves y gárgolas fantásticas.

Desde 1979 este espacio fue ampliado al incorporar el museo los edificios colindantes de la Casa de Íñigo Angulo, también del siglo XVI, y la Casa de los Melgosa.

El museo muestra una importante colección de objetos de todo tipo que abarcan desde la Prehistoria hasta el siglo XX, por lo que se distribuyen siguiendo una serie de apartados temáticos de acuerdo a una secuencia cronológica respecto a culturas y estilos.

PREHISTORIA

En esta sección los tres grandes periodos del Paleolítico (Inferior, Medio y Superior) están representados por útiles hallados en las proximidades del Arlanza y Arlanzón, con una importante colección de triedros, cuchillos y bifaces. Otros fueron hallados en cuevas, mostrando los distintos modos de tallar la piedra.

Un apartado especial está dedicado al yacimiento arqueológico de la Sierra de Atapuerca, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en el año 2000, con restos que abarcan desde el Paleolítico Inferior a la Alta Edad Media, incluyendo una colección de réplicas de los importantes hallazgos que actualmente se conservan en el Museo de la Evolución Humana. Igualmente se muestran distintas piezas procedentes de la cueva-yacimiento de Ojo Guareña.

De la Cultura Megalítica el Museo ofrece ajuares funerarios hallados en distintos dólmenes, con objetos de hueso, cerámica, cuchillos, cuentas de collar, brazaletes y puntas de flecha.

Igualmente está bien representada la Edad del Bronce en que se produce la denominada Cultura de las Cuevas, fenómeno caracterizado por la escasa evolución del utillaje y la poca permeabilidad a las influencias externas. Los testimonios materiales más abundantes son cerámicas de formas globulares y, en general, de superficies lisas.

De los asentamientos en zonas abiertas se exponen restos de los denominados “hoyos de ceniza”, depósitos de diversos tipos y tamaños excavados en el suelo que se rellenan con ceniza y materiales muy diversos, de los que proceden cerámicas, restos de fauna, útiles líticos y metálicos, etc.

La metalurgia del bronce está representada en el Museo de Burgos por un buen conjunto de piezas, como dos puñales de lengüeta y la espada plana aparecida en Santa Olalla de Bureba, para la que se propone una cronología que se aproxima al 1.500 a.C.
Pero el momento de mayor expansión se alcanza en el Bronce Final (1.250-750 a.C.), con hallazgos de hachas, lanzas tubulares, puñales, brazaletes y navajas de afeitar. En cuanto a la orfebrería de esta época, cuenta con el remate de un collar macizo o torques de oro procedente de Castrojeriz.

Los materiales de la Edad del Hierro proceden de los castros en cuyas necrópolis se depositaban urnas funerarias con los huesos calcinados y el ajuar, cubriéndose todo el conjunto con un amontonamiento de tierra y piedras. Destacan los vasos de cerámica elaborados a mano con pastas oscuras, con decoración realizada con los dedos. Otras piezas de los ajuares son diversos objetos metálicos, como cuchillos, placas de cinturón, umbos de escudo, fíbulas, etc.

De la Segunda Edad del Hierro (siglos IV-I a.C.) y sus castros se ofrece el rico ajuar metálico de armas de hierro y adornos personales de bronce de la necrópolis de Miraveche y las placas o broches de cinturón, cinturones para puñales o las grandes placas rectangulares con decoraciones geométricas y botones de la necrópolis de Villanueva de Teba. Otras piezas características son las fíbulas “de cazoleta” y las “anulares hispánicas”, que suelen presentar bellas decoraciones.

EDAD ANTIGUA

La Celtiberización supone la renovación cultural producida desde la segunda mitad del siglo IV a.C. Las principales características que definen a este fenómeno son la fabricación de cerámica a torno con decoración geométrica pintada, el uso generalizado de instrumental de hierro, la sustitución de los molinos barquiformes o de vaivén por los circulares, la circulación de moneda y el desarrollo de la orfebrería. De este periodo se muestra cerámica a torno pintada con motivos geométricos, destacando las jarras con pintura de estilo numantino procedentes de la necrópolis de El Pradillo, en Pinilla Trasmonte, especialmente una que aparece decorada con prótomos de caballos y que podría fecharse entre los siglos II y I a.C.

El desarrollo de la orfebrería es un fenómeno relativamente tardío en el mundo celtibérico. En el Museo de Burgos se muestran importantes piezas de orfebrería celtibérica procedentes de distintos yacimientos de la provincia. Los objetos más característicos son los collares rígidos o torques, destacando los conjuntos de Jaramillo Quemado, con dos torques de oro, y del Monasterio de Rodilla con un conjunto excepcional de orfebrería celtibérica elaborados con alambres de plata trenzados.

En el Museo de Burgos se puede contemplar una interesante tésera de hospitalidad celtibérica procedente de Belorado, con forma de pez y una inscripción en escritura ibérica y lengua celtibérica.

La Romanización afectó a todo el territorio de la provincia de Burgos, constatándose principalmente en la aparición de nuevos productos materiales, nueva ubicación de los poblados y desarrollo de las vías de comunicación. Surgen los grandes centros administrativos y comerciales, como Clunia, y en el espacio rural, las villae, que representan una nueva manera de explotación de la tierra.

El emperador Tiberio (14-37 d.C.) fundó Clunia en el Alto de Castro, muy cerca de un asentamiento arévaco, llegando a ser la capital de uno de los siete conventos jurídicos en los que se dividía la administración de la provincia Citerior. De Clunia se expone una amplia selección tanto de cerámica de influencia indígena como de terra sigillata, la típica cerámica romana. Entre las piezas escultóricas hay que destacar tres estelas funerarias. En dos de ellas aparece el motivo indígena del “jinete lancero”. Una es discoidal, con relieve muy plano y posiblemente anterior al siglo I a.C.; la otra es la estela de Segio Lougesterico, también con figura de jinete, pero ya con forma prismática y caracteres latinos. La tercera pieza de este magnífico conjunto de estelas clunienses es el gran cipo funerario dedicado a L. Valerio Marciano, que está decorado con rosáceas y un delfín con tridente.

La escultura de bulto redondo de Clunia está representada por la escultura de la diosa Isis, del siglo II, magníficamente conservada; el posible retrato en mármol blanco de Julia Augusta, hija del emperador Tito, en el que llama poderosamente la atención la meticulosidad del peinado que esta joven dama puso de moda; los torsos de Dionisios, Venus y Fauno; una figura femenina tumbada que recuerda la clásica postura de las representaciones de Ariadna dormida y en la que destacan los finos y elegantes pliegues del vestido que envuelve el cuerpo y los fragmentos de un friso pertenecientes a dos monumentos de carácter honorífico, uno compuesto por dos fragmentos decorados con roleos, cráteras y genios alados, y otro formado por tres fragmentos decorados con los elementos militares característicos de los trofeos triunfales imperiales: armas, escudos, corazas, etc. Ambos conjuntos se pueden fechar hacia finales del siglo I.

En el Museo de Burgos se muestran también materiales procedentes de otros yacimientos romanos de la provincia, como el balsamario de bronce que reproduce el busto de un efebo, estelas funerarias cuyas cabeceras aparecen decoradas con motivos geométricos y vegetales y escenas figuradas alusivas al banquete funerario, la caza, la guerra, los oficios, etc., así como un buen conjunto de aras votivas dedicadas a diferentes divinidades y otros objetos, como una pequeña escultura del dios Mercurio de la primera mitad del siglo II hallada en Ubierna.

Igualmente ofrece una interesante colección de época tardorromana. Tras la crisis del siglo III comienza un período de esplendor que se debe fundamentalmente a la ausencia de acontecimientos bélicos y a un notable despegue económico. El fenómeno más llamativo de los siglos IV y V es el desarrollo de los núcleos rurales de habitación, las villae, que se implantan por todo el territorio burgalés. Las villas mejor conocidas son las de San Martín de Losa, Cardeñajimeno y Baños de Valdearados. En el Museo de Burgos se expone un gran brasero de bronce decorado con cabezas de felino procedente de esta última villa tardorromana, aunque es más impresionante el mosaico dedicado al Triunfo de Baco, datado en la primera mitad del siglo V.

ARTE PALEOCRISTIANO Y ÉPOCA VISIGODA

Los hallazgos paleocristianos de época romana más importantes de la provincia de Burgos son los sarcófagos del denominado “taller de La Bureba”, fechados a mediados del siglo IV, caracterizados por presentar una decoración figurada de factura rústica inspirada en el Antiguo y Nuevo Testamento. El Museo de Burgos guarda tres ejemplares, el más importante el sarcófago de Quintanabureba, con representaciones figurativas en sus cuatro lados.

También se expone una sencilla pieza paleocristiana procedente de Buniel, un pequeño bloque de piedra de forma piramidal con base cuadrada, de apenas 25 centímetros de altura, cuyas caras están decoradas con representaciones simbólicas y alegóricas de carácter cristiano, así como con un texto epigráfico, todo ello enmarcado por una sencilla incisión.

En el Museo de Burgos tiene especial relevancia la presencia de la cultura visigoda, representada por piezas de uso personal, como los broches de cinturón de Amaya y La Vid o las hebillas y fíbulas de Briviesca, y objetos de uso ritual, como los osculatorios y vasos litúrgicos de Rupelo y Quintanilla de las Viñas. Especialmente notable es el anillo signatario de oro encontrado en Amaya.

Igualmente, procedentes de Quintanilla de las Viñas son varios relieves decorados con roleos de hojas y racimos y un pie de altar de mármol blanco fechado en el siglo VII, en cuyas caras se representan palmeras con dos racimos de dátiles colgando y una gran cruz patada con las letras alfa y omega.

EDAD MEDIA

La Sección de Bellas Artes del Museo de Burgos comienza con una sala dedicada a las primeras manifestaciones artísticas de la Alta Edad Media que precedieron al Románico. En ella destaca especialmente la colección de piezas mozárabes. De Tordómar, concretamente del desaparecido monasterio de Valeránica, proceden dos fragmentos de cancel, un cimacio y parte de una tapa de sarcófago. Estos restos, fechados entre los siglos VIII y X, presentan una decoración a base de motivos vegetales y sogueados que recuerda mucho a la de la ermita de Santa María de Quintanilla de las Viñas, aunque con mayor ingenuidad formal.

Una serie de dinteles y una ventana geminada fueron recuperados de la desaparecida iglesia de Valmayor de Cuesta Urria. También mozárabe es el pequeño ara de altar de la ermita de las Santas Centola y Elena de Siero. La lápida conmemorativa de la refundación de Lara de los Infantes en el año 867 se encontraba en la también desaparecida ermita de San Julián, mientras que el gran capitel mozárabe decorado con hojas de acanto procede de Padilla de Abajo.

Por último, en esta sala se expone una interesante selección de estelas sepulcrales altomedievales. Destaca la pequeña estela circular procedente del antiguo monasterio de San Pedro de Berlangas, en Tordómar, encuadrada dentro del siglo X.

ROMÁNICO

Una pieza de excepcional importancia dentro de la orfebrería románica es la Urna o Frontal de Silos. Realizada hacia 1165-1170, esta impresionante pieza, que revistió el sepulcro de Santo Domingo de Silos, es, sin duda, la obra maestra de la esmaltería silense. De forma rectangular, está compuesta por tablas de roble cubiertas por placas de cobre dorado y esmaltado con la técnica champlevé. La gama cromática del esmalte es de gran riqueza, destacando la diversidad de tonalidades azules y verdes y la ausencia del color amarillo. En el centro de la pieza, dentro de una mandorla y rodeada por el tetramorfos, aparece la Maiestas Domini, Cristo en actitud triunfante. A los lados, bajo arquerías coronadas por estructuras arquitectónicas que simulan una ciudad celestial, se disponen los apóstoles. Sus ropajes muestran una rica policromía y sus cabezas fueron fundidas a la cera perdida. Hay que apreciar la gran variedad de posiciones, rasgos y peinados. Las arquerías apoyan en columnitas magistralmente labradas con motivos geométricos y vegetales y multitud de seres fantásticos. La obra es una de las joyas del arte románico que se conservan en España.

Otra de las singulares piezas procedentes del monasterio de Santo Domingo de Silos es una arqueta formada por una serie de placas de marfil decoradas con motivos cinegéticos, atauriques y animales afrontados dispuestos en bandas horizontales. En lo que queda de la pestaña de la tapa se conserva una inscripción en caracteres cúficos que indica que esta pieza fue realizada en los talleres de Cuenca por Muhammad ibn Zayan en el año 1026. Posteriormente, en el siglo XII, se le añadieron en los talleres del propio monasterio dos placas de cobre doradas y esmaltadas en las que se representa, en la de la tapa, el Agnus Dei y, en la de uno de sus laterales, a Santo Domingo de Silos entre dos ángeles. Y es que, posiblemente, esta arqueta guardó las reliquias del santo.

De los talleres cordobeses de Medina Azahara es el estuche de marfil del siglo X realizado sobre un trozo de colmillo que se abre longitudinalmente por la mitad. En su interior se disponen cinco oquedades en cada lado, decorándose los espacios libres con atauriques. En los extremos se conserva parte de una inscripción cúfica que alude a su propietaria, una hija de Abderramán III. Según la tradición, este estuche fue entregado al monasterio de Santo Domingo de Silos por el conde Fernán González junto con la arqueta de marfil y esmaltes como ofrenda del botín conseguido en la batalla de Osma (939).

Realizada en los talleres de Limoges hacia 1225-1235 y procedente del monasterio de San Pedro de Arlanza se expone en depósito en el Museo de Burgos la famosa Virgen de las Batallas, que fue adquirida en el año 1998 por el Museo del Prado. Según cuenta la leyenda, Fernán González la llevaba en el arnés del caballo al campo de batalla para asegurarse la protección, pero la realidad es que se trata de una obra del siglo XIII y el conde castellano vivió en el siglo X.

En esta zona también se expone un interesante conjunto de elementos arquitectónicos románicos procedentes de diversos monumentos de la provincia, como el capitel y cimacio con motivos vegetales del monasterio de San Pedro de Arlanza y los capiteles con animales fantásticos de la desaparecida iglesia de Santa María Magdalena de Tardajos.

Por último, hay que detenerse a contemplar otra de las emblemáticas piezas de este museo: La Tizona. Se trata de una de las espadas más célebres de Rodrigo Díaz de Vivar (1043-1099), más conocido como El Cid Campeador. Fue adquirida en el año 2007 por la Junta de Castilla y León y la Cámara de Comercio e Industria de Burgos y depositada en el Museo de Burgos. Mide 78,5 centímetros de largo por 4,5 de ancho. Según los últimos estudios realizados, la hoja, de gran calidad, es contemporánea de El Cid, mientras que la empuñadura original fue sustituida por otra renacentista en la época de los Reyes Católicos.

GÓTICO

El estilo gótico, tan abundante en la provincia, está representado por una magnífica colección de tallas de escuela castellana de distinta procedencia.

A la desaparecida iglesia de la Natividad de Villasandino pertenecían los cuatro bultos funerarios de madera de nogal y autor desconocido que presiden la sala. Se encuentran bastante deteriorados y han perdido casi toda su policromía. Dos de ellos parecen formar pareja, un caballero con larga espada sobre el cuerpo y una dama, mientras que los otros dos representan a un caballero con su halcón y a un clérigo. Se pueden fechar estas obras a finales del siglo XIII o comienzos del XIV.

Procedente del desaparecido convento de San Pablo de la capital burgalesa, es un magnífico frontal de altar en piedra que aparece decorado con escenas de la vida de Cristo dispuestas bajo arquerías. Se trata de una obra de comienzos del siglo XIV que aún conserva restos de policromía.

En la entreplanta se exhiben varios tesorillos medievales hallados en distintos puntos de la provincia. Algunos de ellos, además de numerosas monedas de vellón y de plata correspondientes a distintos reinados y cecas, contienen joyas y vajilla de plata. Destacan los de Briviesca, que se encontraron en la zona de la antigua judería de la ciudad. En ellos merecen especial atención los platos de plata de carácter ritual decorados con motivos geométricos y vegetales nielados en oro. Uno de los platos conserva el punzón de platero más antiguo conocido de la orfebrería burgalesa. Completan la exposición de piezas góticas tres cruces procesionales de cobre con esmaltes de los siglos XIII y XIV.

RENACIMIENTO

Un conjunto de mausoleos fechados entre los siglos XV y XVI nos sirve para enlazar la fase final del estilo gótico con las primeras manifestaciones renacentistas. En primer lugar, procedente del monasterio de Fresdelval, hemos de destacar el sepulcro de don Juan de Padilla, paje de la reina Isabel la Católica, que murió en la Guerra de Granada en 1491. Muy relacionado estructural y estilísticamente con el del infante don Alfonso de la Cartuja de Miraflores, este fantástico sepulcro de alabastro consta de un gran arco apuntado, dispuesto entre pilares adosados, que cobija el arca sepulcral y la escultura orante de don Juan, ejecutada con gran maestría por Gil de Siloé a finales del siglo XV.

También procede del monasterio de Fresdelval el gran sepulcro doble de alabastro de don Gómez Manrique y su esposa, doña Sancha de Rojas, fundadores del mismo. Este mausoleo fue realizado a mediados del siglo XV por algún maestro borgoñón.

Muy interesante es el sepulcro de doña María Manuel, madre del famoso obispo don Luis de Acuña, que procede del desaparecido convento franciscano de San Esteban de los Olmos. El arca, de piedra caliza, está decorada con una Piedad (cabecera), un Calvario (pies), las imágenes de San Antonio de Padua, San Esteban y San Bernardino de Siena (lateral derecho) y la Estigmatización de San Francisco y los escudos de los Manuel y los Girón (lateral izquierdo). La figura yacente, de alabastro, viste de gala y lleva el cordón franciscano. Este sepulcro está atribuido a Simón de Colonia y fue realizado entre los siglos XV y XVI.

El Renacimiento también está representado por dos magníficos retablos de distinta época. El primero, procedente del antiguo monasterio de San Pedro de Tejada, es un retablo de tablas pintadas dedicado a San Pedro. Se compone de dos cuerpos divididos en cinco calles. En el cuerpo inferior aparecen, en los laterales, los apóstoles y, en el centro, un Cristo de Piedad. En el cuerpo superior se representan “La misa de San Gregorio”, “La detención de San Pedro”, “La resurrección de un joven por San Pedro” y los obispos San Ambrosio y San Agustín. En la calle central se dispone la escultura en bulto del santo titular. Las pinturas, fechadas hacia 1503-1506, son obra de Fray Alonso de Zamora, también conocido como Maestro de Oña.

El segundo retablo, situado frente al sepulcro de doña María Manuel, está dedicado a la Asunción de la Virgen y procede del desaparecido monasterio cisterciense de Santa María la Real de Vileña. Es obra del escultor burgalés Pedro López de Gámiz y está datado en el año 1581. La Asunción aparece flanqueada por las imágenes de San Benito y San Bernardo, mientras que en el ático aparece una Piedad.

Una magnífica puerta de madera de estilo mudéjar, decorada por las dos caras y datable entre los siglos XV y XVI, que daba acceso a la Sala de Poridad del Arco de Santa María, junto a representativas pinturas del Maestro de Budapest, activo en Burgos en la segunda mitad del siglo XV, completan esta sección.

Planta Primera

Ya en un espacio ubicado en la Casa de Íñigo Angulo, puede contemplarse una interesante muestra de pintura sobre tabla de las escuelas castellana y flamenca, entre ellas “La misa de San Gregorio”, obra procedente de Cogollos y perteneciente a Pedro Berruguete, “La Piedad”, atribuida al taller de Rogier van der Weyden, y “El Cristo de las lágrimas”, del holandés Jan Mostaert.

Importante es el conjunto de ocho pinturas sobre tela de sarga dedicadas a la Pasión de Jesucristo procedentes del monasterio de San Salvador de Oña, pintadas por Fray Alonso de Zamora hacia 1500-1510así como el conjunto de paneles de nogal decorados con relieves de la vida de la Virgen y de la Pasión procedentes del convento de Nuestra Señora de la Merced de Burgos, que formaban parte de un gran retablo realizado por el escultor Gregorio Pardo (?-h.1557).

BARROCO

El Barroco está representado por magníficas pinturas del siglo XVII, como el retrato de Fray Alonso de San Vítores, pintado en 1659 por Fray Juan Rizi (1600-1681), que está considerado como uno de los mejores retratos del siglo XVII, y obras de José Moreno, Mateo Cerezo el Viejo y Mateo Cerezo.

Otro tanto puede decirse del siglo XVIII, con pinturas entre las que destaca la Inmaculada pintada por Antonio Palomino en 1721, procedente del convento de los Padres Carmelitas de Burgos.

SIGLOS XIX Y XX

La última sección ofrece pinturas y esculturas de los siglos XIX y XX, con obras de artistas de la talla de José Vela Zanetti.

HORARIO DE VISITAS:

INVIERNO (del 1 de octubre al 30 de junio)

De martes a sábado: 10 a 14 y 16 a 19 horas.

Domingos y festivos: 10 a 14 horas.

VERANO (del 1 de julio al 30 de septiembre)

De martes a sábado: 10 a 14 y 17 a 20 horas.

Domingos y festivos: 10 a 14 horas.

CERRADO: Lunes y días 1 y 6 de enero, 11 y 29 de junio, 1 de noviembre y 24, 25 y 31 de diciembre.

TARIFAS

ENTRADA GENERAL: 1,20 €

ENTRADA REDUCIDA: 0,60 €. Grupos, previa concertación, formados por 15 o más miembros.

ENTRADA GRATUITA:

- Con carácter general: sábados, domingos y los días 23 de abril, 18 de mayo, 12 de octubre y 6 de diciembre.

- Menores de 18 años /Mayores de 65 años o jubilados / Titulares de carnet joven, carnet de estudiante o sus equivalentes internacionales / Voluntariado civil y educativo / Donantes de piezas a la Junta de Castilla y León o al Estado y depositadas en el Museo / Miembros del Consejo Internacional de Museos (ICOM) / Titulares de la Tarjeta de Amigos del Patrimonio de la Fundación del Patrimonio Histórico de Castilla y León / Miembros de la Asociación de Amigos del Museo.

Más información: http://www.museodeburgos.com/

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Visita virtual: LA ESCUELA DE ATENAS, un compendio de la sabiduría humana

2012-01-13T00:05:00.009+01:00

LA ESCUELA DE ATENAS

Rafael Sanzio (Urbino, 1483 - Roma, 1520)

1509-1511

Pintura al fresco

Estancia de la Signatura, Palacios vaticanos, Roma

Pintura del Renacimiento. Clasicismo del "Cinquecento"

Giuliano della Rovere, recién elegido papa en 1503, adoptó el nombre de Julio II y se instaló en el Vaticano en las estancias del primer piso del Apartamento Borgia, cuyas salas habían sido decoradas por Pinturicchio a petición de Alejandro VI, el papa antecesor. A este papa, que como cardenal Rodrigo Borgia había sido su gran rival en el seno del colegio cardenalicio en la lucha por ocupar la vacante dejada por Inocencio VIII, Julio II le odiaba profundamente y cuando fue elegido le llegó a acusar de simonía (compra de cargos eclesiásticos) para ocupar el cargo. A su muerte en agosto de 1503, y tras el breve pontificado de Pio III, Julio II consiguió ser elegido por mayoría, pero no por ello olvidó los rencores hacia aquel miembro de la familia Borgia, decidiendo en 1507 acondicionar como residencia el segundo piso de aquel edificio, dotándolo de una nueva decoración que le hiciera olvidar el pasado.

Para ello, en 1508 llamó a Roma a Rafael, ofreciéndole un importante trabajo a realizar especialmente en tres grandes salas: la llamada Estancia de la Signatura, lugar de reunión del Tribunal de Derecho Canónico y Civil, en realidad cuarto de estudio y biblioteca privada del papa, la Estancia de Heliodoro, sala de audiencias y antecámara del estudio personal de Julio II, y la Sala del Incendio del Borgo, sede del Tribunal de la Signatura y después comedor privado de su sucesor León X. Para llevar a cabo su proyecto, Julio II no vaciló en demoler la decoración anteriormente iniciada por artistas de la talla de Baldassare Peruzzi, Lorenzo Lotto, Il Sodoma y Bramantino.

Los trabajos de Rafael y todo su equipo comenzaron en 1509 en la Estancia de la Signatura con un culto y ambicioso programa iconográfico que vino a convertirse en algo tradicional en la decoración de bibliotecas, con cada una de las cuatro paredes dedicada a una facultad de las ciencias de aquella época: Teología, Filosofía, Derecho y Poesía. El programa presentado por la genialidad de Rafael no podía ser más acertado, con grandes tondos en la bóveda del techo en los que aparecen las alegorías de cada una de estas ciencias, que tienen su correspondencia en los grandes paneles de los muros, donde Rafael ha agrupado, de forma arbitraria, a los mayores representantes de cada materia a lo largo de la Historia, haciéndoles participar de una misma escena.

La primera de ellas realizada fue precisamente La Escuela de Atenas, dedicada a la Filosofía, cuyo éxito hizo que el papa le confiara la totalidad de la decoración, dando lugar a un conjunto pictórico impresionante, equiparable, por su creatividad y calidad de ejecución, a los frescos que Miguel Ángel realizaba en ese tiempo en la Capilla Sixtina. En ellos supo Rafael imponer su personalidad creadora a través de un estudiado conjunto de sugestivas imágenes que gira en torno a la celebración de la Verdad como hilo conductor: la verdad revelada por la religión cristiana en alusión a la Teología, la verdad alcanzada por la razón mediante las prácticas del pensamiento de la Filosofía, la verdad en la búsqueda de la Belleza que proporciona la Poesía y el descubrimiento de la idea del Bien en el conjunto de virtudes que otorga el Derecho o la Ley, todas ellas enfrentadas dos a dos.

Frente a la pared en que se representa "La Disputa del Sacramento", que ilustra la verdad revelada a través de la Teología, aparece "La Escuela de Atenas" que opone el concepto de verdad razonada. Para componer la escena, Rafael viene a recrear un ambiente de la antigüedad clásica en el que aparecen unificados los más célebres personajes de las distintas ramas filosóficas, que parecen deambular exponiendo sus pensamientos en el marco de una escuela de filosofía (posiblemente evocando el Templo de la Filosofía de Marsilio Ficino), unos en pleno debate y formando pequeños grupos, otros aislados y sumidos en sus pensamientos.

Con una maestría incomparable Rafael diseñó un espacio convincente y alegórico en el que ubicaría después a los distintos personajes. El grandilocuente marco es el interior de un edificio de grandes proporciones en el que predominan elementos de arquitectura clásica tardorromana, entre los que aparecen elementos característicos utilizados por Bramante. Con ello Rafael rinde un sutil homenaje a su amigo, el arquitecto que le había introducido en el ambiente laboral de Roma cuando contaba 25 años de edad. De modo que el interior arquitectónico ideado por Rafael está en estrecha relación con el momento constructivo de la basílica de San Pedro en que trabajaba Bramante cuando se realizan las pinturas, antes de que Miguel Ángel aportara la solución para cerrar la cúpula. Por otra parte, la carencia de cubiertas en la monumental construcción permite la entrada de una luz potente que baña la escena creando un refinado juego de claroscuros, todo ello con un dominio total en el trabajo de perspectiva que hace la escena creíble y veraz.

Pero este espacio basilical adquiere nuevos valores al aparecer ocupando las hornacinas de la embocadura de la nave central esculturas monumentales de deidades clásicas que adquieren un gran valor simbólico. A la izquierda aparece el dios Apolo portando la lira. El dios del Sol representa la luz para conseguir la armonía y el conocimiento filosófico, con lo que se convierte en el dios de la Razón. Su figura es esbelta, bella y sinuosa, ofreciendo la verdad de la desnudez a través de una elegante postura de contrapposto, no ajena al esclavo moribundo que hiciera Miguel Ángel para la tumba de Julio II. La hornacina derecha está ocupada por Atenea, señora de la guerra y la paz, encarnación de la Sabiduría y patrona de las instituciones dedicadas al conocimiento, el saber y la creación artística. Ambos amparan y protegen al grupo de sabios pensadores diseminados entre unas escalinatas que establecen dos planos de altura.

La escena guarda algunas sorpresas en la recreación de los grandes pensadores, pues en muchos de ellos Rafael incluyó retratos de personajes contemporáneos, incluyéndose a sí mismo, por lo que la pintura aporta matices documentales. Con múltiples personajes dispuestos a un eje de simetría, la escena gira en torno a las ideas de dos grandes filósofos griegos: Platón, representante de la filosofía abstracta y teórica, y Aristóteles, máxima figura de la filosofía natural y empírica. Ambos ocupan el centro de la composición con actitudes complementarias y establecen el debate a través de su cruce de miradas. Platón está representado con los rasgos de Leonardo da Vinci, con su dedo elevado señalando la fuente de inspiración superior, mientras en su mano izquierda sujeta el Timeo, obra en la que manifestó sus teorías sobre el origen del cosmos y su creación por un ser superior. En claro contrapunto, Aristóteles señala con su mano a la tierra como punto de partida de todas las ciencias naturales y sostiene la Ética, obra en la que recogió sus experiencias. Ambos personajes y los razonamientos expresados por sus gestos causan admiración entre filósofos de distintas edades colocados a sus lados.

Próximo a Platón se encuentra Sócrates, su maestro, representado como un anciano calvo, con largas barbas, arropado de un manto púrpura y con gesto ensimismado, evocando que la esencia de su filosofía es la duda y el análisis. Junto a él, un grupo de personajes jóvenes mantienen una conversación. Con una túnica aceitunada parece Esquines, enumerando con los dedos las cuatro fases por él propuestas para llegar al diálogo filosófico: geometría, astronomía, aritmética y estereometría. Sus razonamientos son escuchados por Jenofonte, discípulo de Sócrates, historiador y militar, junto al que se halla Alejandro Magno, discípulo de Aristóteles y rey de Macedonia, que aparece armado en su condición militar.

Algo más abajo, en primer plano y en la parte izquierda, se halla Zenón de Elea, discípulo de Parménides y autor de controvertidas paradojas. A su lado un niño sujeta un libro sobre el basamento de una columna en el que lee Epicuro, promotor del hedonismo racional y el atomismo, que aparece coronado de pámpanos.

Más a la derecha se halla Pitágoras, que personaliza los valores de la Aritmética y la Música, en gesto de escribir sus teorías en un libro de acuerdo a las anotaciones que en una pizarra sostiene Telange. Interesado en lo que escribe se muestran Anaximandro, pensador de lo indefinido e indeterminado, y el cordobés Averroes, maestro de filosofía y leyes islámicas, matemático, astrónomo y médico.

A su lado aparece la elegante figura de Hipatia de Alejandría, filósofa platónica y matemática, y Parménides, que señala sus escritos sobre la vía de la verdad. Ligeramente aislado, sentado en la escalinata, apoyado sobre un bloque de piedra y con actitud pensativa aparece Heráclito, representante del pesimismo y del cambio incesante, que ofrece la peculiaridad de estar representado con los rasgos de Miguel Ángel, un artista con el que Rafael no mantenía buenas relaciones personales. El hecho de que en un dibujo preparatorio de esta pintura no figure este personaje, se ha interpretado como un homenaje al artista después de haber contemplado Rafael la marcha de las pinturas de la Capilla Sixtina.

Recostado en la escalinata, casi en el centro, se halla Diógenes, que lee un papel. Representa al hombre que despreciaba todos los bienes terrenales y la forma de vida materialista, hasta el punto de llegar a vivir en un tonel y ser apodado por sus vecinos como "el perro".

Otro grupo muy bien definido queda determinado en primer plano en la parte derecha. Un papel destacado tiene Euclides, discípulo de Sócrates, que con los rasgos del arquitecto Bramante aparece agachado, rodeado de jóvenes y midiendo una figura geométrica sobre una pizarra con un compás. A su lado, vuelto de espaldas, con una toga color calabaza y portando el globo terráqueo se encuentra Ptolomeo, al que por entonces se identificaba con la dinastía faraónica, autor de la teoría de que la Tierra era el centro del universo. Frente a él Zoroastro porta la esfera celeste. Junto a estos astrónomos incluye, semiocultos por un pilar, un retrato del pintor Giovanni Antonio Bazzi, más conocido como Il Sodoma, con un manto y un gorro blanco, junto al que asoma un autorretrato del propio Rafael, que muestra su fisionomía cuando realizó esta obra. Algo más arriba se ha identificado al poeta Homero, caracterizado como un anciano con un bastón, y a su lado Plotino, representante de la mística y la metafísica.

De este modo la escena en la que se acumula la sabiduría humana y la especulación sobre la existencia se convierte en un discurso mental que intenta aportar la idea de concordancia entre los grandes pensadores de la antigüedad, que tuvieron gran incidencia en la filosofía y la ciencia, y la doctrina proclamada por la Iglesia, un fenómeno conocido como la Concordatio. Este concepto fue reflejado por algunos artistas del Renacimiento, que encontraron en aquellos célebres pensadores, pilares de la cultura occidental, un alter ego en su capacidad para concebir una idea que después debían representar plásticamente, hecho que confería al arte el carácter de actividad intelectual. Merced a este cambio de mentalidad, operada en el Renacimiento, el trabajo desarrollado por pintores y escultores llegó a ser considerado en el ámbito social como un ejercicio intelectual, dejando atrás la consideración de artesanos que los creadores del arte tuvieron durante la Edad Media.

Informe: J. M. Travieso.

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Museo del Prado: Restauración de la obra "El vino de la fiesta de San Martín", de Bruegel el Viejo

2012-01-11T00:05:00.006+01:00

Elisa Mora, restauradora del Museo del Prado, comenta la restauración de esta pintura de Bruegel el Viejo adquirida a finales de 2010 e incorporada a la colección permanente.

La obra es una sarga o tüchlein pintada con temple de cola sobre una tela sin preparación, siguiendo una técnica habitual en Flandes en los siglos XV y XVI, aunque sobreviven relativamente pocos ejemplares. El soporte original de la pintura es lino con ligamento de tafetán, una tela sumamente fina y regular, de color claro, muy utilizada en esa época. Sobre la tela sólo se ha aplicado un apresto de cola de origen animal, forma de trabajar habitual en las sargas, que se solían colgar en la pared sin bastidor. La factura de la pintura es muy sencilla, con una o dos capas de pintura, dado que el temple de cola no permite empastar o el uso de veladuras y apenas presenta dibujo subyacente, debido a la forma en que se ejecutan estas sargas, directamente, a la prima.

En esta sarga se representa la fiesta del vino de San Martín. El 11 de noviembre, festividad del santo, se comía la oca de San Martín –coincidiendo con la matanza de otoño-. La víspera se degustaba el primer vino de la nueva estación, denominado vino de San Martín. Precisamente la coincidencia de la fiesta con el fin de la vendimia, en pleno otoño, asociaba con las celebraciones del santo una distribución de vino al pueblo, que tenía lugar fuera de las puertas de la ciudad. De esta manera, pese a la presencia de san Martín a la derecha, no es un cuadro religioso ni una obra de devoción, aunque tampoco una escena de género. Lo que centra la representación es la celebración de la fiesta dedicada al santo tal como tenía lugar en Flandes y en los países germánicos en esa época, casi una bacanal, preludio del carnaval en los meses de invierno. Se pone de manifiesto en ella la tensión irónica entre la caridad de san Martín –vestido como un caballero a la moda desde el siglo XV- y los excesos de la fiesta que lleva su nombre.

Avanzado el otoño, con muchos árboles sin hojas, fuera de la puerta de la ciudad –arquitectura que recuerda la Puerta de Hal de Bruselas- y próximo a las casas de la campiña, se ha dispuesto en el centro un enorme tonel de vino, que Bruegel pinta de rojo, sobre un andamio de madera. En torno a él se amontonan personajes de muy distinta condición: hombres -jóvenes y viejos- y también mujeres -algunas con niños-, campesinos, mendigos, y ladrones, todos tratando de obtener la mayor cantidad posible de vino. Mientras algunos que han conseguido llenar sus recipientes tienen ya sus pies en el suelo, otros, en su intento por lograrlo, se abrazan a las vigas, se tumban sobre el tonel o se inclinan con evidente riesgo de caer para recoger un chorro del vino que sale del tonel en toda clase de recipientes, sin excluir sombreros o zapatos. El efecto que logra Bruegel, que hace gala de su enorme maestría a la hora de componer y lograr encajar a todas las figuras –en torno a cien-, es el de una montaña formada por una humanidad que se deja llevar por la gula, una especie de Torre de Babel compuesta por bebedores. De forma intencionada, Bruegel opone el círculo que conforma el grupo central en torno al tonel de vino con la disposición piramidal, mucho más estable, del grupo en el que se reproduce la caridad de san Martín, a la derecha. La composición se completa en el lado opuesto, a la izquierda de la sarga, con las figuras que se dejan llevar por los efectos del vino. El pintor plasma lo que les sucede a los que, al contrario que el santo, se han visto arrastrados por el pecado de la gula en lugar de por la virtud, como el personaje que está a punto de vomitar y el que yace en el suelo sin conocimiento sobre sus vómitos, los dos hombres peleándose o la mujer que ofrece vino a su bebé.

(Información: Museo del Prado)

Más información: El vino de la fiesta de San Martín

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Socios de Domus Pucelae: ASAMBLEA GENERAL, 14 de enero 2012

2012-01-09T00:05:00.019+01:00

Se comunica a todos los socios la convocatoria de Asamblea General:

DÍA: Sábado 14 de enero de 2012

HORA: 11,30 primera convocatoria/ 12 segunda convocatoria

LUGAR: Salón de Caja Círculo, c/Rastro s/n, Valladolid

Orden del día:

1 Lectura y aprobación, si procede, del Acta de la asamblea anterior.

2 Lectura y aprobación, si procede, del Balance Económico de 2011.

3 Informe de la Junta Directiva.

4 Presentación de actividades.

5 Presupuesto 2012.

6 Ruegos y preguntas.

Convocan: Secretario y Presidente de Domus Pucelae

A. C. Domus Pucelae

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Historias de Valladolid: RETABLO DE LA EPIFANÍA, el brindis de los Reyes Magos

2012-01-06T00:05:00.094+01:00

Había transcurrido la primera mitad del siglo XVIII cuando el rumbo del arte escultórico español era dictado desde focos bien distintos a los de años precedentes. Las pujantes escuelas barrocas de Valladolid, Sevilla y Granada habían cedido el testigo a Madrid como consecuencia de la actividad cortesana, al tiempo que tomaron relevancia talleres periféricos instalados en Aragón, Valencia y Murcia, unos territorios que en años anteriores habían conocido una actividad creativa muy discreta.

En el Madrid cortesano destacaba la presencia de escultores franceses reclamados para trabajar en los Reales Sitios. Los primeros en llegar fueron René Fremin y Jean Therry, que lo hicieron en 1721, a los que siguieron Pierre Pitué, Philippe Boiston y los hermanos Hubert y Antoine Dumandré, todos ellos dedicados a la elaboración de figuras y grupos escultóricos con temas alegóricos y mitológicos destinados a la ornamentación de los parterres y fuentes de los jardines de La Granja, siempre a imitación de Versalles. Otro tanto ocurriría con los artistas llegados para trabajar en el Palacio Real de Madrid, que introdujeron en el ámbito artístico la estética del Rococó de gusto francés. Sus modos de trabajar el mármol o el plomo pintado en verde para imitar bronces, con un sentido eminentemente decorativo, así como el nuevo repertorio ornamental desplegado en sepulcros, altares e interiores, calaron en los artistas españoles del momento, incluyendo el significativo grupo de escultores barrocos cuya obra en madera policromada fue excluida de los proyectos regios, a pesar de lo cual paulatinamente fueron asumiendo e incorporando la nueva estética para satisfacer los encargos recibidos de una clientela tradicional, especialmente parroquias y órdenes religiosas.

En este contexto es cuando se realiza, en torno a 1760, el retablo de la Epifanía de la iglesia del Salvador de Valladolid (ilustración 1), una obra que venía a modernizar el equipamiento de una capilla fundada en 1546 que, situada en el lado del Evangelio, había sido cerrada en el siglo XVI con una excelente muestra de rejería. No deja de resultar chocante observar la estética rococó del retablo junto a los enterramientos laterales, de aire renacentista, y bajo las formas goticistas de la bóveda estrellada que cubre la capilla, que desde entonces tomó la advocación de los Reyes Magos, justamente el tema desplegado en el altorrelieve del tablero central del retablo.

EL RETABLO DE LOS REYES MAGOS

Lejos de ser considerado como una obra maestra, el retablo de la Epifanía de la iglesia del Salvador aporta fundamentalmente el testimonio de los gustos de una época y la influencia de las modas cortesanas. Era muy difícil competir en Valladolid con el nivel alcanzado por los talleres de imaginería que estuvieron activos durante la centuria precedente, con Gregorio Fernández a la cabeza, o con la obra desplegada en Castilla en la primera mitad del XVIII por Luis Salvador Carmona (Nava del Rey, Valladolid, 1708-Madrid 1767), que junto a Francisco Salzillo (Murcia, 1707-1783) serían los escultores más representativos de la escultura española dieciochesca.

Hemos de convenir que se trata de una obra simplemente discreta. Atractiva, pero discreta. Una obra de la que no se conservan documentos que acrediten su autoría, pero que un análisis estilístico y técnico remite a los modos de trabajo del taller de Pedro de Sierra, un escultor nacido en 1702 en Medina de Rioseco, que era hijo de Tomás de Sierra, reconocido escultor de origen berciano que tras instalarse por un tiempo en Valladolid, había asentado definitivamente su taller en la Ciudad de los Almirantes. Allí, en el taller paterno y al igual que sus hermanos mayores, que llegaron a constituir una saga, realizó Pedro de Sierra su aprendizaje artístico. Pero sus aspiraciones profesionales le llevarían a separarse de la familia y frecuentar la Corte y su entorno, completando primero su formación en Segovia, junto al grupo de escultores franceses que trabajaban en La Granja, y seguidamente en Toledo junto a la familia toresana de los Tomé. De unos y otros iba a sintetizar las influencias que se evidencian en su obra, unos rasgos formales que se patentizan en su obra documentada, como en las figuras de plomo vaciado de los niños San Justo y Pastor, colocadas en la fachada de la iglesia toledana de la misma advocación, así como en la fachada y retablos de la iglesia de la Asunción de Rueda (Valladolid) o en la sillería del coro de la iglesia de San Francisco de Valladolid, hoy en el Museo Nacional de Escultura, trabajos que permiten relacionar a su autor con el retablo de la Epifanía.

Como es habitual en otras obras religiosas realizadas en el resto de España en esta época, la aplicación del estilo Rococó a este retablo se realiza incorporando al lenguaje básico del Barroco ciertos rasgos superpuestos que no llegan a modificarlo en su esencia. Entre ellos la utilización de elementos decorativos de trazado ondulante y asimétrico; formas inspiradas en el arte oriental, como las rocallas; algunos elementos decorativos de origen chino que imitan contornos de piedras o conchas; el gusto por los mármoles veteados como signo de refinamiento, que son fingidos mediante pinturas en fustes y paramentos; la utilización preferente de tonos pasteles en las indumentarias y la aplicación a las superficies de pan de plata junto al oro tradicional. Todos estos elementos son apreciables en el retablo de los Reyes Magos de la iglesia del Salvador.

Igualmente queda patente el gusto por los detalles más triviales en la composición de la escena, que pierde el carácter intimista y trascendental del periodo precedente para colocar a los personajes más pendientes del espectador que de lo que ocurre en su entorno, de modo que, a excepción del rey Melchor, todos dirigen su mirada al frente, como si posaran para un retrato. En efecto, este tratamiento produce una extraña sensación al percibirse alterada una iconografía tradicional, con una inexplicable gesticulación de los Magos en la presentación de sus ofrendas que más puede sugerir una consecución de trofeos o un brindis palaciego.

A pesar de todo, el altorrelieve presenta toda la serie de ingredientes iconográficos tradicionales, con los personajes separados en dos grupos, a la izquierda del espectador la Sagrada Familia y a la derecha los Reyes, figuras que abandonan el concepto de simetría y que ocupan en altura la mitad del espacio, reservando la parte superior para los elementos de ambientación.

En la composición destaca la figura sedente de María con el Niño apoyado sobre su rodilla izquierda, un tipo de representación que deriva de los modelos renacentistas y que es la figura más clasicista del relieve. El habitual rojo pasionario de la túnica se torna en un rosa pálido de gusto rococó, manteniendo un manto azul y una toca blanca que se agita por la espalda. El Niño es una figura dotada del movimiento amanerado característico en las figuras de ángeles realizadas en la época, una figura infantil en plena desnudez y con las piernas flexionadas hacia la izquierda. A la derecha de la Virgen se coloca San José, talla discreta que aparece resuelta a una escala ligeramente inferior, para insinuar profundidad, que sujeta en su mano el tradicional atributo de la vara florida. Su aspecto queda edulcorado con los colores azul pálido de su túnica y el salmón del manto, ofreciendo una refinada gesticulación cuya expresividad está muy alejada de los rotundos modelos que implantara Gregorio Fernández en los encargos solicitados por los conventos carmelitas tras la potenciación de su figura como padre ejemplar por Teresa de Jesús.

Completamente original es la representación de los Reyes Magos, a los que el escultor coloca haciendo una exhibición de sus fastuosas ofrendas. Representan las tres edades del hombre y sus figuras evocan monarcas dotados de cetro y corona. Melchor está caracterizado como un hombre anciano con cabellos escasos y canosos y una larga barba. Aparece de rodillas después de haber depositado el cetro y la corona a los pies de la Virgen y luce una túnica larga en color gris azulado y un manto rojo que en su interior sugiere piel de armiño. En su gesto oferente parece querer destacar el valor del oro que porta en un lujoso recipiente dorado. Su posición permite contemplar por detrás a Gaspar, presentado como un hombre maduro, haciendo gala de sus atributos reales y levantando en su mano derecha el tarro plateado del incienso. Luce una camisa salmón que asoma por los cortes de las anchas mangas de una larga túnica azul y se cubre con un manto rosa que cuelga de hombro a hombro. Junto a ellos, en actitud ajena al momento de la ofrenda, se sitúa la figura de Baltasar, un joven monarca de raza negra y escala desproporcionada que aparece ataviado con una túnica corta, bermellón al exterior y azul al interior, y un manto blanco colocado caprichosamente sobre el hombro derecho, destacando su actitud de dirigir el paso al frente al tiempo que levanta un lujoso tarro de mirra, desvinculando su presencia de los personajes sagrados.

El fondo arquitectónico presenta en primer plano un juego de columnas jónicas pareadas, cuyos capiteles acusan una posición imposible por defectos de perspectiva, un enorme portón en el lado contrario, por el que asoma un camello, y al fondo un ábside de lo que parece un templo con una torre adosada. Se completa con un celaje entre el que destacan composiciones de nubes recubiertas de pan de plata, de gusto rococó, grandes cabezas de querubines y la estrella de Belén, que emite rayos dorados que iluminan al Niño.

En definitiva, una escena excesivamente convencional que muestra el gusto de una época por lo pintoresco, lo galante y lo trivial, sin complicaciones en el estudio psicológico de los personajes y con una preocupación preferente por los elementos decorativos, todo ello emanado de las formas de los trabajos que hicieron furor en los ambientes cortesanos. El retablo viene a demostrar los modos de trabajo del siglo XVIII, que aportaron a la tradición escultórica de Valladolid un estilo muy diferente al que difundieran las gubias de los históricos talleres barrocos, aquellos que nos legaron auténticos prodigios elaborados en madera policromada.

Informe y fotografías: J. M. Travieso.
(Registro Propiedad Intelectual - Código: 1201060856463)

Ficha artística:
RETABLO DE LA EPIFANÍA
Taller de Pedro de Sierra (1702-1760)
Hacia 1760
Madera policromada
Iglesia del Salvador, Valladolid
Arte Barroco-Rococó. Escuela cortesana

(Este artículo ha sido publicado en la revista "Aleluya", editada por la Asociación "Belenistas de Valladolid" en diciembre 2011).

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Música en enero: SANVEAN, de Lisa Gerrard (Dead Can Dance)

2012-01-04T00:05:00.009+01:00

Lisa Gerrard es una cantante y compositora australiana, nacida en Melbourne el 12 de abril de 1961, que fue integrante principal del desaparecido grupo Dead Can Dance.

El registro de su voz de contralto es rico, asombroso, profundo, oscuro, triste y único. Durante sus más de veinte años de carrera ha recorrido desde el goticismo barroco a la fusión étnica, siempre creando un personal mundo etéreo.

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Retablo imaginario: Plano del Campo Grande, 1787-1788, un documento de Diego Pérez Martínez

2012-01-02T00:05:00.012+01:00

Estampas y recuerdos de Valladolid

El espacio que ocupa el parque del Campo Grande ha estado vinculado a la historia de Valladolid desde sus orígenes. Sus terrenos han sido testigos de numerosos acontecimientos ocurridos a extramuros de la ciudad, en la salida de la puerta sur, también conocida como Puerta del Campo, después transformada en el Arco de Santiago. Como Campo de la Verdad acogió el cementerio reservado a musulmanes y judíos en la Edad Media, en él se erigió a finales del siglo XV el humilladero del Cristo de la Cruz, perteneciente a la Cofradía de la Vera Cruz y en el siglo XVI fue escenario de la quema de herejes por parte de la Santa Inquisición.

Durante el siglo XVII fue un lugar de citas clandestinas para enconados duelos entre caballeros celosos de su honor, delimitándose todo su perímetro, especialmente desde el periodo del traslado de la corte a Valladolid (1601-1606), nada menos que con catorce complejos religiosos. Unos eran conventos, como los ocupados por los padres Agustinos Recoletos, las monjas franciscanas de Jesús y María, las monjas dominicas del Corpus, los Padres Capuchinos, las monjas dominicas de la Laura, los padres Carmelitas Descalzos, las monjas Comendadoras del Sancti Spiritus y las monjas Agustinas Recoletas; otros eran iglesias, como San Juan de Letrán y San Ildefonso; algunos colegios, como el de los padres Agustinos Misioneros y el de las Niñas Huérfanas; finalmente hospitales, como el de la Resurrección (Hospital General) y el convento-hospital de San Juan de Dios.

En el siglo XVIII, cuando llegaron las nuevas ideas de la Ilustración, el consistorio decidió convertir el Campo Grande en un espacio para el ocio y la cita social, proyectando un parque con veredas arboladas que confluían radialmente en una gran rotonda central, con otra algo menor en lo que actualmente es la Plaza de Zorrilla, desde la que surgían dos avenidas con su correspondiente referente visual, una hacia la Puerta del Carmen (a la altura de la actual calle García Morato) y otra hasta la fachada de la iglesia de San Juan de Letrán. Con motivo de aquella plantación, fue realizado el plano por Diego Pérez Martínez entre 1787 y 1789, cuyo original se conserva en el Museo de Valladolid, que recoge con nitidez el trazado del parque y todos los asentamientos religiosos citados.

Por entonces el proyecto se encontró con la resistencia de la sociedad puritana, heredera de una antigua sociedad sacralizada, que esgrimió una serie de opiniones que fueron publicadas por el "Diario Pinciano", convertido en portavoz de la Ilustración, que llegan a rozar lo surrealista. Estas son algunas de las curiosas razones discrepantes: "El Campo Grande no es sitio rural, sino plaza suburbana, rodeada de templos, monasterios y santuarios frecuentados por los fieles, que se retraerían de visitarlos si hubiese árboles"; "El plantío impediría la ventilación de los aires tan necesarios para la salud de los enfermos del hospital general"; "Si el Campo Grande fuese a propósito para plantíos, ya lo hubiera dado la Ciudad a foro para huertas"; "Este Campo es cañada real para el ganado trashumante".

El plano de Diego Pérez Martínez no sólo es testimonio de las dificultades de las ideas progresistas que no atentaban contra ninguna instalación preexistente, sino también un documento excepcional para comprender la idiosincrasia del Valladolid antiguo y la localización de rincones históricos en una zona en que la ciudad cambió en el siglo XIX su aspecto conventual por otro de tipo burgués, siguiendo las corrientes europeas.

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Calendario 2012 - Valladolid

2012-01-01T00:05:00.012+01:00

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DOMUS PUCELAE: Estadística de artículos publicados el año 2011

2011-12-31T00:05:00.022+01:00

Estadística por tipo de información:

30 Informaciones de INTERÉS GENERAL.

29 ANUNCIOS DE VIAJES programados por Domus Pucelae.

25 Artículos de J. M. Travieso de la serie HISTORIAS DE VALLADOLID.

24 Monografías de Arte presentadas como una VISITA VIRTUAL.

18 Informaciones sobre EXPOSICIONES.

17 Audiciones, vídeos e informaciones de MÚSICA.

16 Informaciones de DOMUS PUCELAE.

13 Poemas recopilados en el RINCÓN DE LAS MUSAS.

13 Informaciones de la sección ESTUDIOS DE ARTE.

13 Reseñas sobre PUBLICACIONES propias y ajenas.

12 Retablo imaginario: ESTAMPAS Y RECUERDOS DE VALLADOLID.

10 Informaciones sobre MUSEOS DE CASTILLA Y LEÓN

8 Visitas a MONUMENTOS Y MUSEOS DE VALLADOLID.

8 VIAJE VIRTUAL a través de la red.

6 REPORTAJES DE VIAJES organizados por Domus Pucelae y remitidos por los socios.

1 Colaboraciones

1 Calendario laboral oficial Valladolid-Castilla y León.

747 fotografías como soporte gráfico, la mayor parte originales.

Colaboraron en la información: José Miguel Travieso, Santiago García Vegas, Miguel Ángel Lechuga, Antonio Adrados, Luis José Cuadrado, Jesús Santos, Jesús Sánchez y Concha Moretón.

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Revista ATTICUS nº 16

2011-12-30T00:05:00.015+01:00

En diciembre se ha publicado el número 16 de la Revista Atticus, en la que junto a las habituales secciones de editorial, fotodenuncia, relatos, poesía y humor gráfico, destacan los siguientes artículos:

* El Impresionismo. Gonzalo Durán López.

* Historia de la música clásica: Claude Monet, una biografía musical. Manuel López Benito.

* Sant Joan de Boí. Luis José Cuadrado.

* El Políptico de Gante de Jan van Eyck. Juan Diego Caballero/José Miguel Travieso/Luis José Cuadrado.

* Numismática romana en Valladolid. Eloísa Wattenberg.

* Pablo Bernasconi, retratista conceptual. Entrevista de Francisco Puñal Suárez.

* Cartas para mi prima Andrea. Manolo Madrid.

* Contigo. Marina Caballero del Pozo.

* Arquitecturas pintadas en el Thyssen.

* Berthe Morisot, la pintora impresionista.

* El Hermitage en el Prado.

* Delacroix (1798-1863 ).

* La persistencia de la geometría en Caixa Forum.

* Figuras de la Exclusión. Museo Nacional de Escultura/Museo Patio Herreriano.

Descarga en pdf: Revista Atticus nº 16

Recordamos que se puede acceder directamente a esta revista virtual desde el icono que aparece como acceso directo en la parte izquierda de esta página o en la dirección http://www.revistaatticus.es/, donde se encuentran archivados todos los ejemplares publicados hasta la fecha, a los que se puede acceder de forma gratuita.

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Visita virtual: LA FONTANA DE TREVI, celebración barroca de la abundancia

2011-12-28T00:05:00.000+01:00

FONTANA DE TREVI

Nicola Salvi (Roma, 1697 - 1751)

1732-1762

Mármol

Piazza di Trevi, Roma

Escultura barroca tardía

La célebre Fontana de Trevi, uno de los reclamos turísticos de la ciudad de Roma, no es una fuente común, sino una obra de arte concebida bajo la mentalidad de la sociedad barroca del primer tercio del siglo XVIII. La fuente tiene veinte metros de ancho y veintiséis de altura y, lejos de ubicarse como referente visual de un cruce urbanístico o presidiendo el centro de una plaza, como era lo habitual en su tiempo, ocupa lo que sería la fachada posterior del palacio de los duques de Poli, a la que se encuentra adosada, de modo que en ella se establece una fusión de elementos arquitectónicos con otros escultóricos, ambos apoyados en el uso del agua, cuyo movimiento produce sobre el conjunto efectos pictóricos cambiantes por el efecto de la luz que son acompañados por el sonido producido por los fluidos. De esta forma preside una recoleta plaza organizada a modo de teatro, que incluye un pequeño graderío, en la que la fuente, la más grande de Roma, ocupa lo que sería un hipotético escenario.

La Fontana de Trevi fue encargada por el papa Clemente XII al arquitecto Nicola Salvi, que contribuyó al embellecimiento de la Ciudad Eterna con esta fuente que llegaría a ser su obra más conocida. La fuente sigue una tradición romana implantada en el siglo XV por la que se colocaría una fuente al final de los acueductos que desde tiempos imperiales suministraban el agua a la ciudad. En este caso se recogía el agua del acueducto denominado Aqua Virgo, que recogía las aguas de un manantial situado a 22 km. de Roma, según la mitología descubierto por una virgen romana llamada Trivia en el año 19 a. C., que llegó a estar en uso durante más de cuatrocientos años y llegaba hasta los Baños de Agripa, pero que había sido parcialmente destruido durante la invasión de los godos, obligando a recurrir a las aguas del Tíber, usadas como cloaca.

En época de bonanza, una de las principales misiones urbanas fue recuperar estos conductos vitales, tarea emprendida primero por el papa Nicolás V en 1453 y continuada en los siglos XVI y XVII. En 1629 fue el papa Urbano VIII quien solicitó a Bernini una fuente para ocupar el desagüe del Aqua Virgo, que situada de frente al Palacio del Quirinal podría ser disfrutada por el pontífice, aunque la muerte de éste impidió llevar a cabo el proyecto, que sería retomado por Clemente XII cien años después tras convocar un concurso en 1730 que no fue ganado por Nicola Salvi, a pesar de lo cual se le encomendó el costoso proyecto, que fue comenzado en 1732 y culminado al cabo de treinta años en el cruce de tres calles próximas al Quirinal.

El conjunto escultórico de la fuente, realizado en mármol por Pietro Bracci, representa el reino universal del mar, con la figura central de Neptuno, dios de los océanos, que preside un carro con forma de venera que es guiado por dos tritones que conducen a dos briosos caballos alados sobre el fondo marino, sugerido por estratos naturales simulados, poblados por diferentes arbustos y conchas y un flujo continuo de agua que surge desde distintos manantiales que en forma de cascadas vierten sus aguas a un gran pilón inferior con forma de amplio estanque de aguas agitadas. La figura de Neptuno es rotunda, monumental, dinámica y musculosa, con un aire majestuoso inspirado en el Moisés de Miguel Ángel, destacando sobre el resto por su enorme tamaño.

El fondo arquitectónico adopta la forma de un gran arco de triunfo romano, coronado por las armas papales de Clemente XII, que se antepone a la estricta fachada del palacio. La figura del dios marino se inserta dentro de una exedra sustentada sobre cuatro columnas exentas que realzan los efectos de claroscuro y proporcionan un aspecto de templo clásico. Está flanqueada por monumentales columnas corintias en cuyos intercolumnios se abren hornacinas en las que se ubican las alegorías de la Abundancia, que porta un cesto de frutos y vierte el agua de un cántaro, y de la Salud, que sujeta una lanza y una copa de la que bebe una serpiente, esculturas de excelente factura clasicista realizadas por Filippo della Valle. Sobre estas hornacinas aparecen dos altorrelieves de gran tamaño, colocados en la última fase de construcción, con escenas que ilustran sobre el descubrimiento del manantial por la virgen Trivia y la presentación de los planos al emperador Agripa para la construcción del acueducto Aqua Virgine.

La fachada del fondo responde a los cánones de un elegante palacio romano. Aparece organizada en cuatro pisos y está articulada por pilastras corintias adosadas de orden gigante, sintetizando el clasicismo de la arquitectura romana con elementos creados por Miguel Ángel en otros palacios romanos, como el trazado rústico del piso inferior, de origen florentino, el orden gigante en las plantas nobles, los frontones sobre las ventanas, triangulares y arqueados, y el ático de menor altura y con frisos ornamentados.

El conjunto crea un juego ilusionista donde el movimiento del agua contrasta con la rigidez clásica de la fachada, dejando oculto un acertado trabajo de ingeniería hidráulica que mediante acueductos subterráneos permite el flujo permanente de fuentes, cascadas y estanque, un trabajo que llegó a resentir su salud. En él Salvi pone de manifiesto no sólo sus dotes artísticas para la creación, sino sus conocimientos de matemáticas, astronomía, anatomía, de las obras maestras precedentes del Renacimiento y del Barroco y de la arquitectura clásica romana, logrando una celebridad que en 1745 tuvo su compensación con su admisión en la Congregazione dei Virtuosi del Pantheon de Roma.

Cuando murió Nicola Salvi en 1751 dejó la obra sin terminar, siendo continuada por Giuseppe Pannini según sus planos, aunque incorporó unos relieves mucho más barroquizantes representando el hallazgo del manantial por Trivia y la presentación de los planos del acueducto a Agripa que en cierto modo rompen con el clasicismo previsto por Salvi.

Otro tanto ocurre con las alegorías de las Cuatro Estaciones y el emblema triunfal de Clemente XII que remata el conjunto y que aparece flanqueado por dos figuras de ángeles que tañen sus trompetas e indican quien fue el impulsor de la obra, que aparece en una gran inscripción propagandística convertida en una proclamación de salubridad.

De todo este proceso, Roma recibió como legado la fuente más conocida en el mundo, un conjunto de arquitectura, escultura e ingeniería hidráulica convertido en una fiesta barroca que adquiere un significado especial durante los rigores del estío por su función de elemento humidificador, convirtiéndose en un canto de alabanza al más preciado de los elementos de la naturaleza: el agua y todos los bienes que este favorece.

La Fontana de Trevi fue restaurada en 1998, año en que se instaló un nuevo circuito hidráulico provisto de bombas de circuito cerrado y elementos antioxidantes, tras lo cual se procedió a una limpieza general de la piedra de todo el conjunto.

Esta sugestiva fuente, antaño enclavada en un discreto lugar, se hizo célebre entre los visitantes de la ciudad hasta forjarse una avispada leyenda por la que quienes arrojan una moneda al estanque aseguran su regreso a Roma. La masiva afluencia de turistas para efectuar este rito por un lado degradó la fuente y por otro llegó a aportar suculentas recaudaciones que eran recogidas por el municipio para sufragar alimentos para los romanos necesitados. Hoy sigue siendo un enclave emblemático y romántico para quienes desean revivir situaciones de ficción sugeridas por la fuente en obras literarias, composiciones musicales y películas como alabanza a la belleza creada con el agua y la piedra.

Informe: J. M. Travieso.

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Bordado de musas con hilos de oro: DEL AÑO MALO, de Jaime Gil de Biedma

2011-12-26T00:05:00.000+01:00

DEL AÑO MALO

Diciembre es esta imagen

de la lluvia cayendo con rumor de tren,

con un olor difuso a carbonilla y campo.

Diciembre es un jardín, es una plaza

hundida en la ciudad,

al final de una noche,

y la visión en fuga de unos soportales.

Y los ojos inmensos

—tizones agrandados—

en la cara morena de una cría

temblando igual que un gorrión mojado.

En la mano sostiene unos zapatos rojos,

elegantes, flamantes como un pájaro exótico.

El cielo es negro y gris

y rosa en sus extremos,

la luz de las farolas un resto amarillento.

Bajo un golpe de lluvia, llorando, yo atravieso,

innoble como un trapo, mojado hasta los cuernos.

JAIME GIL DE BIEDMA

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Historias de Valladolid: CERVANTES EN VALLADOLID, las musas en el Rastro de los Carneros

2011-12-23T00:05:00.280+01:00

Corrían los primeros días de septiembre de 1604 cuando hizo su presencia en Valladolid un escritor preocupado por publicar una obra en la que tenía puestas todas sus ilusiones. Era Miguel de Cervantes, estaba a punto de cumplir 57 años y llegaba acompañado de su familia para establecerse en la ciudad que acogía la Corte de Felipe III con el deseo de tramitar el privilegio de impresión de una novela que había titulado "El Ingenioso Hidalgo Don Quixote de la Mancha", cuyos derechos había vendido al alcalaíno Francisco de Robles, librero del rey establecido en la calle de la Librería de Valladolid desde 1601, al que había entregado el manuscrito de la obra, durante un viaje que éste hiciera a Madrid, para conseguir los permisos oportunos de impresión por parte del Consejo de Castilla.

El ambiente de la ciudad poco tenía que ver al que conociera cincuenta y tres años antes, cuando con tan sólo 4 años llegara acompañado de sus padres, Rodrigo Cervantes y Leonor de Cortina, que hicieron mudanza y procedentes de Alcalá se establecieron en Valladolid con sus cuatro hijos, Andrés, Andrea, Luisa y Miguel (aún tendrían tres más), ocupando una casa de la Acera del Sancti Spiritus (actual Paseo de Zorrilla), situada frente al convento del Carmen Calzado, donde residieron hasta su traslado a Córdoba.

Ahora todo era muy diferente, tanto la ciudad a la que llegaba como su propia persona. Valladolid era una ciudad que se reinventaba tras el asentamiento de la Corte en 1601 en una maniobra urdida por el Duque de Lerma y aceptada por Felipe III. No sólo se había incrementado la actividad constructiva y artística, sino que el hecho de convertirse en centro de poder político y económico también había producido un fuerte aumento demográfico, arrastrando a la ciudad castellana a comerciantes, artistas y escritores, de modo que Cervantes no sólo iba a tener la oportunidad de convivir junto a los escritores vallisoletanos Tomás Gracián Dantisco, secretario de lenguas de Felipe III, el doctor y jurista Cristóbal Suárez de Figueroa y el teólogo y ascético Luis de la Puente, sino también, entre otros, con el cordobés Luis de Góngora, interesado en conseguir una capellanía de honor del rey, gracias a su amistad con el Duque de Lerma, el madrileño Francisco de Quevedo, que después de matricularse en la Universidad aquí iniciaría sus trabajos poéticos y su prosa satírica, y el malagueño Pedro de Espinosa, ocupado en la recopilación poética que llegaría a publicar en Valladolid en 1605 con el título de Flores de poetas ilustres.

Cervantes, desde su nacimiento en Alcalá de Henares en 1547 y el periodo de su infancia en Valladolid, había recorrido un intenso y dilatado periplo vital. Primero había recibido su formación en los jesuitas en Córdoba, Cabra y Sevilla sucesivamente. Después tuvo en Madrid por maestro al clérigo humanista Juan López de Hoyos, que supo vislumbrar su talento cuando en 1568, siendo un joven de 21 años, compuso cuatro poemas con ocasión de las exequias, en el convento de las Descalzas Reales de Madrid, de la reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II.

Su implicación en un incidente, posiblemente la participación en un duelo en el que resultó herido el maestro de obras Antonio de Sigura, le había hecho tomar la decisión de trasladarse a Roma para eludir la justicia. Allí entró al servicio de Giulio Acquaviva, cardenal en 1570, al que siguió por distintas ciudades italianas. Después se enrolaría como soldado en la compañía del capitán Diego de Urbina, dependiente del tercio de Miguel de Moncada, embarcando en la galera Marquesa y participando, el 7 de octubre de 1571, en la célebre batalla de Lepanto que contra los turcos otomanos dirigiera don Juan de Austria. En ella recibió varios disparos de arcabuz que le dejaron herido e inutilizada la mano izquierda.

Seis meses más tarde, ya recuperado, bajo el mando del capitán Manuel Ponce de León participaría en las expediciones navales contra Navarino, Corfú, Bizerta y Túnez, permaneciendo después en Nápoles hasta 1575. Pero ese año, cuando regresaba a España junto a su hermano Rodrigo en la galera Sol, ésta fue apresada por una flotilla turca y su tripulación conducida a la prisión de Argel. De aquel cautiverio, que duró cinco años, siendo inútiles hasta cuatro intentos de fuga, fue liberado el 19 de septiembre de 1580 por el trinitario fray Juan Gil, que pagó por su rescate 500 ducados de oro reunidos con mucha dificultad.

Después de llegar al puerto de Denia y de una breve estancia en Valencia, en diciembre de aquel año regresó junto a su familia en Madrid. No habían transcurrido seis meses cuando, con la intención de rehacer su vida y resarcir las deudas familiares originadas por su rescate, se trasladó a la corte de Felipe II en Lisboa, donde se le encomendó una misión secreta en Orán, tras la que regresó a Madrid, iniciando en 1582 una intensa actividad literaria.

En 1584 nació Isabel de Saavedra, una hija ilegítima, aunque reconocida, fruto de sus relaciones amorosas con Ana Villafranca de Rojas, esposa del tabernero Alonso Rodríguez. El 12 de diciembre de ese mismo año contrajo matrimonio en la población toledana de Esquivias, a los 37 años, con la joven Catalina de Salazar Vozmediano y Palacios, que no tenía cumplidos los veinte años, un matrimonio fracasado que motivó el que en 1587 se desplazara sólo a Sevilla para trabajar como comisario de provisiones de trigo, cebada y aceite de la que sería conocida como la Armada Invencible, un cargo que estuvo desarrollando durante trece años, dando lugar su misión recaudatoria de tercias y alcabalas en Granada a ciertas acusaciones por delitos contra la hacienda real, por los que fue encarcelado en 1592 en Castro del Río (Córdoba) y en 1597 en la Cárcel Real de Sevilla.

En 1600 regresaba a Madrid, donde ultimó su novela más importante, aquella cuya edición le llevó a trasladarse a Valladolid en 1604, residiendo en la ciudad en que se asentaba la Corte hasta que Felipe III decidió regresar a Madrid el 4 de marzo de 1606.

Durante aquellos diecinueve meses de renovada estancia junto al Pisuerga conoció momentos muy agradables y otros que no lo fueron tanto. Por un lado logró que se imprimiera en la imprenta de Juan de la Cuesta de Madrid, a finales de 1604, la primera parte o edición príncipe de "El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha" y que saliera a la venta en enero de 1605, aunque con tantas erratas que obligó a una reedición en la misma imprenta y en el mismo año. Por otro lado, vivió un desagradable episodio cuando fue detenido por el alcalde Villarroel como testigo sospechoso de la muerte de don Gaspar de Ezpeleta, un caballero de la Orden de Santiago que en la noche del 27 de junio de 1605 fue atacado por un embozado y socorrido en sus gritos por algunos vecinos, entre ellos Miguel de Cervantes. Esclarecido el caso, el escritor recobró la libertad y continuó haciendo vida normal con su familia en la casa que ocupaba situada en el Rastro nuevo de los Carneros, una vivienda localizada a extramuros de la ciudad y próxima al cauce del ramal sur del río Esgueva, en cuyas estancias el escritor había redactado seguramente el prólogo de El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, así como varias de sus Novelas Ejemplares, como La Gitanilla, El Casamiento engañoso, El Coloquio de los Perros y El Licenciado Vidriera, en cuyos textos dejaría constancia de hechos históricos acontecidos en Valladolid, así como múltiples referencias a enclaves de la ciudad y a las localidades próximas de Tordesillas, Alaejos, Valdestillas y Medina del Campo.

Sería precisamente un extracto del proceso del caso Ezpeleta, publicado por Juan Antonio Pellicer en una edición de El Quijote de 1797 y recogida en 1819 por el cervantista Martín Fernández Navarrete, la causa para indagar cuál fue realmente la casa en que vivió Cervantes en Valladolid, que fue identificada en 1862 por el profesor don José Santa María de Hita y aceptada oficialmente el 23 de junio de 1866 como el nº 14 de la calle del Rastro.

Una visita a la casa actual, donde se recrea el ambiente doméstico de principios del siglo XVII, puede dar lugar a una visión deformada de la realidad, ya que el actual edificio tiene anexadas tres viviendas que por entonces pertenecían a otros vecinos. Se trataba de una vivienda de escasas dimensiones, dispuesta a dos alturas, en cuyos aposentos se alojaban con estrechez el escritor, dos de sus hermanas, su esposa, su hija, su sobrina y una sirvienta, un tipo de casa que era calentada con braseros, en la que se cocinaba sobre brasas depositadas en anafres y se comía en la mesa del dormitorio, siendo habituales la utilización de estrados, sillones "fraileros" y candiles de aceite para iluminar.

Tras el intento de fundar en la casa un Ateneo cervantino en 1872, por iniciativa de don Mariano Pérez Mínguez, cuya vida no sobrepasó los seis meses, muebles y una colección de objetos fueron incorporados el 23 de abril de 1875 por este farmacéutico y los propietarios de la casa con motivo de la celebración del 275 aniversario de la publicación del Quijote, en un intento de recreación histórica del recinto para ser mostrado al público. Ese mismo año se fundó la Sociedad Casa de Cervantes, cuya Junta ambientó la casa con armas, muebles y libros antiguos y ediciones del Quijote, creando asimismo un gabinete de lectura cuyas sesiones literarias subsistieron de 1876 a 1881, pasando a ser ocupada de nuevo por inquilinos cuando desapareció la Sociedad en 1887.

Desde entonces la Casa de Cervantes acusó un preocupante deterioro que fue denunciado en 1912 ante el rey Alfonso XIII por el marqués vallisoletano don Benigno Vega Inclán y Flaquer, por entonces Comisario Regio de Turismo (también fue el promotor de la restauración de la casa de El Greco en Toledo y fundador del Museo Romántico de Madrid). Para evitar la ruina, el monarca ordenó la creación de una Institución Cervantina, que el marqués propuso asociar a la Hispanic Society of America, fundada en Nueva York por el magnate norteamericano Archer Milton Huntington, que acogió con entusiasmo el proyecto. Como consecuencia, en 1912 Alfonso XIII adquirió la Casa de Cervantes y Mr. Huntington las dos colindantes, números 12 y 16 de la calle Rastro, iniciándose las obras para su definitiva recuperación, a lo que se sumó el Ayuntamiento cediendo el espacio ante la fachada, que fue reconvertido en jardín para evitar posibles construcciones, con una fuente de mármol del siglo XVI en el centro.

Tras la donación real de la Casa de Cervantes al Estado, aceptada por el Ministerio de Instrucción Pública, con el compromiso de su mantenimiento, el interior fue acondicionado para albergar dos bibliotecas, una reservada a ediciones escogidas de Cervantes y otra como Biblioteca Popular Cervantina, que se inauguró el 23 de abril de 1916 con 4.ooo ejemplares, parte de ellos como depósito de la Biblioteca Nacional y otros donados por el marqués de Vega Inclán. Éste crearía en 1928 la Fundación Vega Inclán, que enriqueció el recinto con bargueños, pinturas y objetos de época, e instaló en el jardín el remate de la fachada del derribado Hospital de la Resurrección, recibido en depósito, ante el que Cervantes situara la acción de "El Coloquio de los Perros".

El 21 de mayo de 1918 Mr. Huntington donó al Estado español las casas colindantes de los números 12 y 16, mientras el marqués de Vega Inclán se hizo con el número 10 con el fin de evitar su derribo, como había ocurrido con el número 18, que legaría al Estado a su muerte ocurrida en 1942.

Finalmente, en 1948, el marqués de Lozoya, por entonces Director General de Bellas Artes, decidió que estas casas acogieran la sede de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción de Valladolid, inaugurándose como Casa-Museo el 23 de abril de aquel año.

El recuerdo de la presencia de Cervantes en Valladolid fue perpetuado en 1962 por el Ayuntamiento nombrándole "Vecino de Honor", estableciendo la corporación la costumbre de rendir tributo al escritor en la casa que habitara cada 23 de abril. Una casa que afortunadamente no conoció el triste destino de la casa madrileña en que vivió Cervantes desde que llegara de Valladolid, donde en 1615 publicó la segunda parte del Quijote y donde murió en 1616, que fue derribada en 1833, o en la que naciera en Alcalá de Henares, también víctima de la piqueta en 1956.

El Ministerio de Cultura, del que depende la casa-museo, renovó las instalaciones en 2005, con motivo de la conmemoración del IV Centenario de la publicación del Quijote, encontrando el visitante en la vivienda actual, junto a la biblioteca que dio origen a la institución, un zaguán con pozo, una escalera, un distribuidor desde el que se accede a una sala de costura con estrado y a un aposento-escritorio, así como dos alcobas, comedor, cocina castellana y otras pequeñas dependencias, todas ellas con mobiliario, utensilios de época y una interesante colección de obras artísticas, junto a un recoleto patio en que se hallan cuatro relieves con episodios del Quijote, fundidos en hierro en 1877 por Pablo Santos de Berasategui, y una portada labrada en piedra procedente de la iglesia del monasterio jerónimo de Nuestra Señora de la Armedilla (ruinas próximas a Cogeces del Monte, Valladolid), todo ello recreando una casa acomodada muy distante de la austeridad que dispuso en realidad, en la que consta que en la planta baja funcionaba una taberna.

UNA ESTATUA DE CERVANTES EN SUELO VALLISOLETANO Y LÁPIDAS CONMEMORATIVAS

Paralelamente al tributo rendido por Valladolid al escritor a través de la conservación de la casa que habitó, por iniciativa del cervantista Mariano Pérez Mínguez se inició en 1876 una suscripción pública para erigir un monumento al escritor, que fue encargado al escultor Nicolás Fernández de la Oliva, que diseñó una escultura sobre un alto pedestal decorado con relieves representando episodios cervantinos, obra de Pablo Santos de Berasategui, y cuatro bustos de mármol reaprovechados. El monumento se inauguró el 29 de septiembre 1877 en el Campillo del Rastro, justamente delante de la Casa de Cervantes.

Cuando en 1889 se urbanizó la calle Miguel Íscar y se interrumpió el paso del Esgueva por el centro de la ciudad, el monumento fue trasladado y colocado delante de la fachada de la Universidad. Allí se levantó un sencillo pedestal, sin los relieves, que fueron preservados en la Casa de Cervantes.

La presencia del escritor en Valladolid también es recordada en distintas lápidas diseminadas por la ciudad, comenzando por la que aparece colocada en la fachada de su casa, en la que bajo su representación en busto aparece la rotunda frase "Aquí vivió Cervantes". Otras recuerdan las referencias literarias a la ciudad, como la que evoca en la Casa Mantilla (Plaza de Zorrilla) la localización de "El Casamiento engañoso" y "El Coloquio de los Perros", las colocadas en la torre de la iglesia de San Lorenzo, referidas a "La Gitanilla" y "El Casamiento engañoso", y la incorporada al pretil del Puente Mayor con un fragmento de "La Galatea".

Informe y fotografías: J. M. Travieso.
(Registro Propiedad Intelectual - Código 1112220791022)

Ilustraciones: 1 Entrada a la Casa de Cervantes. 2 Vista general de la Casa de Cervantes. 3 Placa de la fachada que recuerda a Cervantes. 4 Sala de costura. 5 Escritorio. 6 Cocina. 7 Balcón del escritorio. 8 Detalle de la cocina. 9 Jardín ante la fachada. 10 Autógrafo de Cervantes. 11 Monumento a Cervantes en Plaza de la Universidad. 12 Lápidas conmemorativas diseminadas por enclaves de Valladolid.

(Vídeo Enclave-Revista Cultural de Castilla y León)

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Museo Casa de Cervantes: CONSTRUIR TEATRO SEGÚN CERVANTES, Talleres de Navidad

2011-12-22T09:58:00.001+01:00

MUSEO CASA DE CERVANTES

Calle Rastro s/nº, Valladolid

TALLER PARA FAMILIAS
Niños de 4 a 12 años acompañados de un adulto.

¿Qué hacía Miguel de Cervantes con las palabras? ¿Cuál fue su gran deseo como autor?

La empresa El Efecto Galatea vuelve al Museo casa de Cervantes después del éxito de los Campamentos Urbanos de verano “Vivir en el Siglo de Oro”, para terminar el año con el taller para familias: “Construir Teatro según Cervantes”.

En esta actividad proponemos recorrer los espacios de la Casa Museo y encontrarnos con algunas palabras de Cervantes, extraídas de sus obras de teatro, sus poemas y sus novelas. Después reunidos en torno a un teatro en miniatura, recrear diferentes escenas inventadas usando personajes de cartón, pequeños elementos de atrezzo, e historias que han salido de la mano de los participantes. Construir con palabras, narrar con espacios, contar con imágenes, lo que se convierte en una experiencia activa a través de la creación de escenas por parte de los espectadores-actores.

Dias:

Martes 27 de diciembre

Miércoles 28 de diciembre

Jueves 29 de diciembre

Sesiones:

A las 11 de la mañana y a las 17 horas.

Duración: 2 horas.

Número de plazas: 8 niños por sesión acompañados de un adulto.

Inscripciones: De 8 a 15 h. en teléfono 983 30 88 10 o por correo en información@mcervantes.mcu.es

Actividad gratuita.

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Historias de Valladolid: LA PIEDAD ha vuelto a casa por Navidad

2011-12-21T14:48:00.003+01:00

Afortunadamente ha acabado el exilio rocambolesco que durante diez años ha sufrido la imagen de la Piedad, obra maestra realizada por Gregorio Fernández en 1627. De este desafortunado episodio dábamos cuenta el 20 de septiembre de 2010 en un artículo englobado en las "Historias de Valladolid" con el título "La imagen de la Piedad, crónica de un desalojo inexplicable". Desde el 18 de diciembre la imagen vuelve a ocupar el retablo que le corresponde en la iglesia de San Martín, donde la Cofradía de Nuestra Señora de la Piedad tiene su sede canónica.

El fin de esta dilatada historia de desencuentros ha sido posible gracias a la concatenación de una serie de circunstancias. En primer lugar la decidida intervención de Ricardo Blázquez, arzobispo de Valladolid, al que hay que reconocer el hecho como un triunfo personal en su papel de mediador entre la iglesia de San Martín y la Cofradía, consiguiendo aplicar el veredicto dictado desde el mismo Vaticano. En segundo lugar porque la lamentable situación de enfrentamiento ha motivado la renovación de los cargos implicados en el mismo: la Junta Gestora de la Cofradía y el párroco de la iglesia de San Martín. Finalmente, la salida de la imagen de la iglesia de las Descalzas Reales, donde permanecía atrincherada, para integrar la exposición "Passio" en Medina de Rioseco, de donde ya nunca volvería a la iglesia que la retenía.

Procedente de Medina de Rioseco, la imagen fue trasladada al Museo Nacional de Escultura, donde permaneció por breves días, los necesarios para preparar una solemne y emotiva procesión de regreso a casa. La asistencia a la misma fue multitudinaria, tanto de cofrades como de público en general, que compartieron la alegría por el afortunado desenlace de la historia, especialmente durante el canto de la Salve a su llegada a San Martín en presencia del arzobispo.

Curiosamente terminaba una "Historia de Valladolid" con los mismos tintes surrealistas que han presidido todo el litigio, pues no dejaba de ser sorprendente ver por las calles de Valladolid una procesión de Semana Santa, con capirotes y banda de gaitas incluidos, en plena Navidad, como tan certeramente recoge la oportuna fotografía de Marcos V. Cosas veredes, amigo Sancho.

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Obras comentadas: Niño Jesús, atribuido a Alonso Cano

2011-12-21T00:05:00.006+01:00

En estos días navideños proponemos una visita a la imagen del Niño Jesús que conserva el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, una obra del siglo XVII atribuida a Alonso Cano. La peculiaridad de la figura, como explica Pedro González, del Dpto. de Comunicación del Museo, es estar realizada en peltre, es decir, una aleación metálica compuesta por estaño, cobre, antimonio y plomo que permitía una ejecución casi seriada, mucho más rápida que el exclusivista trabajo en madera, aunque con idéntico acabado policromado.

(Vídeo Enclave, Revista Cultural de Castilla y León).

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Presentación de SIMULACRUM, momentos inolvidables en la iglesia de la Vera Cruz

2011-12-19T00:05:00.065+01:00

Para el autor de una publicación siempre es muy gratificante que el acto de la presentación de su trabajo sea brillante y con asistencia masiva, pero en el fondo esto no es más que un ejercicio de vanidad. Sin embargo, todas las expectativas y aspiraciones se vieron ampliamente rebosadas el pasado 16 de diciembre en la presentación de mi trabajo "SIMULACRUM, en torno al Descendimiento de Gregorio Fernández" en la iglesia penitencial de la Vera Cruz de Valladolid.

Primero por la solemnidad con que el acto fue organizado por Domus Pucelae, que contó con la presencia de su Presidente, Santiago García Vegas, y de toda la junta directiva, que enfatizaron la celebración con la intervención tanto de Ramón Pérez de Castro, historiador de nuestra Universidad, como del prestigioso coro Primo Tempo, que ofreció un breve repertorio que incluía un villancico, por hacerse en tiempo de Navidad, animadas piezas gospel, de las que el coro es especialista, y un Ave María en honor de Nuestra Señora de la Vera Cruz, que desde el retablo presidía el acto.

En segundo lugar por la generosa colaboración de la Cofradía de la Santa Vera Cruz, que permitió que el evento se celebrase en un espacio tan emblemático para todos los vallisoletanos, dándose la circunstancia de poder presentar un libro dedicado a una genial obra barroca a escasos metros de la misma. Pero no sólo eso, pues la entrañable cofradía también se ocupó de ofrecer la iglesia radiantemente iluminada y con el paso procesional del Descendimiento (3,5 toneladas) fuera de su capilla luciendo en todo su esplendor, como se aprecia en la fotografía. Un detalle que nunca podré olvidar.

Pero si la brillantez y solemnidad del marco en que se celebraba la presentación era para mí algo sobrecogedor, abrumador, por estar rodeado de tan geniales obras maestras de Gregorio Fernández, puestas en valor por sus celosos custodios, aún fue más importante el calor humano recibido en tan señalado día de invierno por parte de don José Luis Martín, Alcalde-Presidente de la Cofradía, cuya personalidad fusiona una fina sensibilidad con la firmeza necesaria para presidir tan activa institución, de don Daniel Domínguez Repiso, Vicepresidente, trabajador infatigable en pro de la Cofradía en base a sus profundas convicciones, y de los cofrades de la Santa Vera Cruz, a los que esta experiencia me ha permitido descubrir sus cualidades humanas. A esta "gente buena" siempre les estaré agradecido.

Otro tanto tengo que decir de los socios de Domus Pucelae, cuya presencia masiva, como es habitual, siempre se traduce en abrumadoras muestras de cariño, con el acicate de ser quienes financian la edición sin ánimo lucrativo, hecho bastante insólito en los tiempos que corren y que estimula el emprender cualquier tipo de iniciativa.

Por todo ello la presentación del libro, lejos de tener el carácter de un acto protocolario, para mí se convirtió en un cúmulo de indescriptibles emociones, en unos momentos inolvidables que siempre quedarán asociados a un lugar tan especial y a una gente tan querida y sincera que fue capaz que tranmitirme un inexplicable flujo envolvente de energía positiva que pocas veces había experimentado. Y es por eso que mis ojos en algún momento estuvieron tan vidriosos como los de las esculturas de Gregorio Fernández que con tanta delicadeza conserva la Cofradía, a la que quedaré de por vida unido sentimentalmente.

Si añadimos la extraordinaria acogida que ha tenido el libro, desde este humilde rincón sólo puedo manifestar a todos mi sincero agradecimiento.

José Miguel Travieso Alonso

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Visita virtual: LA ANUNCIACIÓN, la delicadeza mística de un fraile dominico

2011-12-16T00:05:00.007+01:00

ALTAR DE LA ANUNCIACIÓN

Guido di Pietro Mugello, Fra Angélico (Vicchio di Mugello, h. 1395/1400 - Roma, 1455)

Hacia 1426

Témpera y oro sobre tabla

Museo del Prado, Madrid

Pintura del Renacimiento. "Quattrocento" florentino

Fra Angélico abordó el tema de La Anunciación repetidamente a lo largo de su carrera artística, haciendo gala de una gran creatividad en todas las ocasiones, pues, lejos de realizar una obra mimética, todas sus pinturas referidas a esta escena son bastante diferentes entre sí, aunque siempre impregnadas de un alto contenido místico y con figuras de extremada estilización y delicadeza. De toda la serie de "Anunciaciones" que hiciera el fraile dominico con oficio de pintor, la pintura que guarda el Museo del Prado es cronológicamente la primera de ellas.

La Anunciación es la escena principal de un retablo dedicado a la Virgen, en cuyo banco se acompaña de cinco pequeños paneles en los que se representan el Nacimiento y los Desposorios de la Virgen, la Visitación, la Adoración de los Reyes, la Purificación en el Templo y el Tránsito de la Virgen. El conjunto conforma un diseño cuadrado de 1,94 metros y estaba destinado a presidir uno de los altares de la iglesia del convento de Santo Domingo de Fiesole, una localidad situada a 8 km. de Florencia.

Es Fra Giovanni Tolosani quien en su "Cronaca quadripartita", escrita en 1462, narra la historia de este convento, informando de la existencia en su iglesia de tres altares realizados por Fra Angélico, uno de ellos un tríptico conservado en su lugar de origen, que representa una Madonna con ángeles, otro con la Coronación de la Virgen, actualmente en el Museo del Louvre, y un tercero con La Anunciación, justamente esta obra del Museo del Prado. Cuando Vasari publica en 1550 "Las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos" ratifica la presencia de estas obras en aquella iglesia.

La pintura fue realizada al culminarse el primer cuarto del siglo XV, en plena efervescencia en Florencia de la transición del arte gótico al Renacimiento, uno de los capítulos más sugestivos de la Historia del Arte. En ese momento confluían en la ciudad del Arno distintas tendencias pictóricas de las que Fra Angélico asumió y fusionó en su obra diferentes elementos formales de todas ellas. Por un lado recoge influencias de la obra de Lorenzo Monaco y Gerardo Starnina, pintores adscritos al gótico internacional, de boga en toda Europa, y especialmente de Gentile da Fabriano, máximo representante de este estilo durante su estancia en Florencia, que se supo expresar en una pintura decorativista y preciosista que tuvo una fuerte incidencia en la obra de Fra Angélico, visible en este cuadro de la Anunciación en la minuciosa y variada representación del jardín florido, con una gran variedad botánica descrita con detalle, lo mismo que cada uno de los reducidos y seleccionados objetos que aparecen en la escena, todos ellos de un gran valor simbólico.

Por otro lado Fra Angélico no es ajeno a las innovaciones aportadas por los artistas que revolucionaron las artes en la Florencia de su tiempo, como los ensayos espaciales en la pintura realizados por Masaccio, las arquitecturas ideadas por Brunelleschi y Michelozzo, y el nuevo concepto escultórico implantado por Donatello, todos ellos profundizando sobre la base científica de la percepción visual. Ello se patentiza en la composición del pórtico columnado en el que se produce la Anunciación, donde ejercita un estudio de perspectiva para crear una profundidad convincente a partir de elementos constructivos habituales en la obra de Brunelleschi, incluida la decoración de medallones, asumiendo a su vez el planteamiento espacial realizado por Masaccio en la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de Florencia. Esta adscripción a las ideas de los teóricos de su tiempo queda patente incluso en el formato del retablo, que sigue la recomendación de Brunelleschi de que fueran cuadrados y sin adornos.

Junto a estas innovaciones, Fra Angélico mantiene una serie de elementos, en ese momento constantes en su obra, que abandonaría en su periodo final, tales como la brillantez de los colores, la ornamentación al modo gótico con labores de pastiglia, localizada en la predela, y las inscripciones en el pequeño friso del marco, repetidas en alguno de sus trípticos.

La obra fue realizada cuando el pintor colaboraba con el miniaturista Zanobi Strozzi, de modo que la escena también adquiere los matices de una ilustración a gran escala. Su contenido religioso es cerrado y desplegado en dos escenas simultáneas delimitadas en tres sectores establecidos por las finas columnas. El pasaje principal se localiza en un pórtico que abarca los espacios central y derecho, con un eficaz uso de la perspectiva para delimitar los sencillos espacios y la profundidad de una pequeña estancia precedida de un elegante pórtico en el que se produce el anuncio de la Encarnación. El tratamiento de los elementos arquitectónicos, reducidos a lo esencial, contrasta con el detallismo del paisaje y con el idealismo preciosista de las figuras de la Virgen y del arcángel San Gabriel, cuyos gestos y caracterización están impregnados de un alto misticismo a través del uso de una luz tamizada, que no produce fuertes contrastes lumínicos, insinuando la fuente divina, expresada explícitamente por medio de unos rayos entre los que revolotea el Espíritu Santo en forma de paloma.

En el espacio izquierdo aparece un detallado jardín con las figuras de Adán y Eva al fondo, completamente vestidos, en el momento de ser expulsados del Paraíso tras cometer su pecado. Ambos caminan acongojados al abandonar el idílico paisaje. La escena, completamente descontextualizada, adquiere un valor simbólico, ya que la redención de su pecado se producirá con el nacimiento de Cristo y culminará con su muerte en la cruz. Esta oportunidad de redimir el pecado es fruto de la misericordia de Dios Padre, cuya presencia es resaltada dentro de un resplandor situado en el ángulo superior izquierdo como promotor de esta oportunidad a la humanidad. Para representar el Jardín del Edén, el pintor pretende mostrar la belleza de la Creación a través de un minucioso catálogo de plantas y frutos variados descritos con gran detalle.

Aunque la pintura transmite a la perfección su contenido catequético a través de la sublimación de la escena, en su trazado formal aún adolece de pequeños errores de perspectiva, del tratamiento etéreo de la arquitectura, más como un marco simbólico que real, y de un limitado estudio de las anatomías, factores frecuentes en la obra temprana de los pintores iniciados en el arte gótico.

La iconografía de la escena se inspira en un fresco de la iglesia florentina de la Anunciación, realizado a mediados del siglo XIV y atribuido a Angelo di Zanobi di Teddeo Gaddi y Bernardo Bartolini. No obstante, esta escena sería reinterpretada por Fra Angélico en diversas ocasiones, tanto en pinturas al fresco como en obras de caballete, siempre con un alto contenido místico. Muestras de ello se conservan en el Museo de San Marcos de Florencia, en las pinturas al fresco que decoran las celdas monacales, y en el Museo Diocesano de Cortona, que guarda otra pintura muy similar a la obra del Museo del Prado.

PERIPECIAS DE LA PINTURA

El altar de la Anunciación de Fra Angélico abandonó el convento de Santo Domingo de Fiesole cuando en 1611 fue vendido por la comunidad para costear la construcción de un nuevo campanario. En ese momento fue adquirida por Mario Farnesio para el Duque de Lerma, que la hizo llegar a España para ser donada a la iglesia de San Pablo de Valladolid, sobre la que este gobernante ostentaba el patronato.

Por motivos desconocidos y en fecha imprecisa, la obra fue trasladada al convento de las Descalzas Reales de Madrid, desde donde, procedente de la colección real, en 1861 ingresó en el Museo del Prado, institución que actualmente la exhibe como una de las joyas de la pintura italiana del Renacimiento.

Informe: J. M. Travieso.

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Museo Nacional de Escultura: CICLO DE CINE "INFANCIAS DIFÍCILES", diciembre 2011 y enero 2012

2011-12-14T14:07:00.022+01:00

MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA

Capilla del Museo, calle Cadenas de San Gregorio, Valladolid

Ciclo de Cine INFANCIAS DIFÍCILES en la programación de Navidad 2011.

Jueves 15 de diciembre, a las 19 h.

EL MUNDO DE APU. Satyajit Ray (India) (106 min).

Entrada libre hasta completar aforo.

Próximas proyecciones:

Martes 27 y jueves 29 de diciembre 2011.

Martes 10 y jueves 12 de enero 2012.

Programa:

ALEMANIA AÑO 0, de Roberto Rossellini (Italia).

LOS OLVIDADOS, de Luis Buñuel (México).

EL HIJO ÚNICO, de Jasujiro Ozu (Japón).

LA NOCHE DEL CAZADOR, de Charles Laughton (EEUU).

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Música en diciembre: CARESSE SUR L'OCÉAN, de Les Choristes

2011-12-14T00:05:00.016+01:00

Sirva esta canción de Los Niños del Coro (Les Choristes) para desear a todos una Feliz Navidad.

CARESSE SUR L'OCÉAN / CARICIAS SOBRE EL MAR

Caresse sur l'océan / Caricias sobre el mar
Porte l'oiseau si léger / lleva un pájaro muy ligero
Revenant des terres enneigées / devolviendo de las tierras nevadas
Air éphémère de l'hiver / el aire efímero del invierno.
Au loin ton écho s'éloigne / A lo lejos tu eco se aleja.
Châteaux en Espagne / Castillos de España.

Vire au vent tournoie déploie tes ailes / A los remolinos del viento abre tus alas
Dans l'aube grise du levant / en el alba gris del amanecer.
Trouve un chemin vers l'arc-en-ciel / Encuentra un camino hacia el arcoiris.
Se découvrira le printemps / Se descubrirá la primavera.

Caresse sur l'océan / Caricias sobre mar
Pose l'oiseau si léger / deja el pájaro tan ligero
Sur la pierre d'une île immergée / sobre la piedra de una isla emergente
Air éphémère de l'hiver / Aire efímero del invierno.
Enfin ton souffle s'éloigne / Al fin tu aliento se aleja
Loin dans les montagnes/ lejos en las montañas.

Vire au vent tournoie déploie tes ailes / A los remolinos del viento abre tus alas
Dans l'aube grise du levant / en el alba gris del amanecer.
Trouve un chemin vers l'arc-en-ciel / Encuentra un camino hacia el arco iris.
Se découvrira le printemps / Se descubrirá la primavera.
Calme sur l'océan. / El mar está en calma.

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Presentación nueva publicación de Domvs Pvcelae: SIMULACRUM, 16 de diciembre 2011

2011-12-12T00:05:00.073+01:00

Con motivo de la celebración del V Aniversario de Domus Pucelae, tendrá lugar el acto de presentación de la nueva publicación, que en esta ocasión cuenta con la colaboración de la Cofradía Penitencial de la Santa Vera Cruz.

Título: "SIMULACRUM, en torno al Descendimiento de Gregorio Fernández"

Autor: José Miguel Travieso Alonso (con fotografías de Santiago Travieso Blanco)
Impreso en la Editorial Server Cuesta de Valladolid

Día: 16 de diciembre 2011

Lugar: Iglesia penitencial de la Vera Cruz de Valladolid

Hora: 20,30 h.

PROGRAMA

A las 20 h., previamente a la presentación, se oficiará una misa por los socios fallecidos de Domus Pucelae.
A las 20,30 h., presentación de la nueva publicación:

Intervención de José Luis Martín Díez, Alcalde Presidente de la Cofradía Penitencial de la Santa Vera Cruz.
Intervención de Santiago García Vegas, Presidente de Domus Pucelae.
Intervención de Ramón Pérez de Castro, autor de una anterior publicación de Domus Pucelae y especialista en arte de Semana Santa.
Intervención de José Miguel Travieso Alonso, su autor.

Actuación del coro "Primo Tempo".
A las 21,15 h., entrega de un ejemplar gratuito a cada socio de Domus Pucelae (Para recoger los ejemplares es imprescindible indicar el nº de socio).

Posibilidad de adquirir ejemplares al precio de 15 €.

Invitamos a todos los socios, y al público en general, a este acto que demuestra la dedicación de Domus Pucelae a la ciudad de Valladolid.

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Historias de Valladolid: EL PASAJE GUTIÉRREZ, una calle romántica con glamour parisino

2011-12-09T00:10:00.003+01:00

En Valladolid, como en casi todas las ciudades con un centro histórico importante, es necesario callejear por donde nos lleve la intuición para ir descubriendo secretos y sorpresas, pues será la única manera de ir a parar a una recoleta y atractiva calle que suele pasar desapercibida para los foráneos y que en pleno centro urbano, a medio camino entre la Catedral y la Plaza del Salvador, sirve de enlace a otras dos más convencionales como son Fray Luis de León y Castelar. Se trata del denominado Pasaje Gutiérrez, una singular calle-galería construida en 1885-86 que toma el nombre de su promotor, el acaudalado Eusebio Gutiérrez.

CONTEXTO HISTÓRICO

Este tipo de calles cubiertas o galerías son consecuencia del auge que alcanzó el comercio tras la Revolución Industrial. Las primeras construidas en Europa fueron las Galerías San Hubert de Bruselas, comenzadas en 1846 por el rey Leopoldo I con el fin de sanear todo un barrio, a las que siguieron otras en París desde mediados del siglo XIX con el fin de multiplicar los espacios comerciales bajo las viviendas, convirtiéndose en un lugar muy apropiado para el asentamiento de tiendas y cafés, un espacio muy bien protegido frente a los rigores del invierno. Los modelos parisinos fueron imitados en distintas ciudades francesas y alemanas, aunque sería en Italia donde llegarían a adquirir un carácter monumental con la construcción de la Galería Víctor Manuel (1878) en Milán, la Galería Humberto I (1885) en Nápoles y la Galería Colonna (1914), hoy Galería Alberto Sordi, en Roma. De igual manera calaron en Inglaterra, especialmente en Londres, donde en época victoriana se desarrolló un tipo de mercado cerrado, con comercios organizados en varios pisos, en cuya estructura se recurrió al empleo de materiales novedosos como el vidrio y el acero.

En España, aunque fueron escasas las iniciativas, los pasajes al estilo parisino cristalizaron en la Galería Cubierta de Madrid (1840), junto al mercado de San Felipe Neri, y en distintos pasajes de Barcelona, como el Bacardí (1856), el del Reloj (1864) y el del Crédito (1864). A ellos se sumaron el Pasaje Gutiérrez de Valladolid (1886) y el Pasaje Gabriel Lodares de Albacete (1925), siendo estos dos últimos los únicos que se conservan en España.

El Pasaje Gutiérrez debe su origen a un contexto histórico muy favorable que vivió la ciudad de Valladolid durante la segunda mitad del siglo XIX. Un espectacular desarrollo económico que alentó a la clase burguesa a promover distintos tipos de iniciativas que se tradujeron tanto en dotaciones de viviendas como en edificios destinados al comercio y al ocio que cambiaron el aspecto conventual de la ciudad por otro de corte burgués. Ello es patente en el importante catálogo de casas burguesas levantadas en las calles más céntricas, con especial relevancia en la configuración decimonónica de la Acera de Recoletos, pero también se evidencia en la construcción de distintos mercados cubiertos, en los teatros Lope de Vega, Calderón y Zorrilla, y en el céntrico Círculo de Recreo, edificios todos ellos que recogen las últimas novedades constructivas y decorativas procedentes de Europa.

EL PASAJE GUTIÉRREZ

Para cumplir los deseos de dotar a Valladolid de una galería comercial al estilo parisino, su promotor, Eusebio Gutiérrez, recurrió en 1885 a Jerónimo Ortiz de Urbina, un arquitecto que en ese momento acababa de terminar para la Compañía de Jesús el descomunal Colegio de San José de Valladolid. Este trazó una manzana, que fue concluida en 1886, con fachadas de ladrillo a dos calles, la del Obispo (hoy Fray Luis de León) y Sierpe (hoy Castelar), con tres alturas de viviendas exteriores y dos interiores. Estas últimas, al igual que los locales comerciales, se articulan a los lados del eje que con un ligero ángulo cruza su interior, de calle a calle, en forma de calle cubierta o pasaje.

El Pasaje Gutiérrez está estructurado en dos tramos bien diferenciados, perpendiculares a las calles en que se abren las entradas, que se cruzan formando un ángulo obtuso y convergen en una rotonda central que se convierte en un referente espacial, lumínico y decorativo desde ambas entradas. Las grandes puertas de ingreso en las dos calles son obra de rejería de diferente diseño, aunque tienen como elemento común la inscripción “Pasaje Gutiérrez” y el año de su construcción, siendo realzada la de la calle Castelar con un remate en forma de rosetón acristalado, elemento funcional que se acompaña en la fachada con balcones dispuestos simétricamente a la entrada, que también presentan notables trabajos de rejería.

El desnivel de terreno de una calle a otra es aprovechado por el arquitecto en el interior del pasaje para aplicar un diseño distinto en cada tramo, completamente llano en la parte abierta a la calle Castelar y con un amplio hall con escaleras en el acceso desde la calle Fray Luis de León.

En su alzado la galería presenta dos alturas, la parte baja ocupada por una sucesión ininterrumpida de locales comerciales, con escaparates homogéneos de carpintería de madera, y un primer piso en el que se abren ventanales de las viviendas dotados de antepechos con trabajos decorativos de fundición. Unos y otros van separados por pilastras adosadas de orden gigante, rematadas con capiteles con decoración vegetal, que establecen tramos rítmicos en el espacio interior, al tiempo que sirven de arranque a los arcos que soportan la cubierta. Sobre ellas se insertan apliques luminosos con soporte metálico y tulipas esféricas de cristal que en su momento recibían iluminación a gas.

La uniformidad del pasaje se rompe en el diseño de los techos. Junto a las entradas, bajo el espacio ocupado por las viviendas, aparecen tramos con techos planos pintados con figuras alegóricas, tres con forma rectangular hacia la entrada de Castelar y otros dos ovalados en la parte de Fray Luis de León. A partir de estos tramos los techos se convierten en una claraboya corrida a dos aguas, con una estructura de hierro y láminas de cristal elaboradas en la Real Fábrica de Cristales de la Granja, que sobre la rotonda se convierte en un lucernario circular de disposición radial.

También en el solado se emplean soluciones diferentes, baldosas hidráulicas a lo largo de la galería, que fueron sustituidas por un terrazo continuo en la restauración realizada en 1990, y un enlosado de piedra, que aún se conserva, en el hall de la calle Fray Luis de León.

EL REPERTORIO DECORATIVO

Especial interés tiene el repertorio decorativo, que combina trabajos de yeserías con otros de pintura y escultura, adquiriendo un especial atractivo una tribuna interior que en forma de dosel está concebida para albergar un reloj.

Toda la iconografía gira en torno al Comercio y su relación con Valladolid. Las pinturas de los techos están aplicadas a la veneciana, es decir, pintadas sobre lienzos después encolados al techo. Son obra de Salvador Seijas, un pintor originario de Fuentes de Nava (Palencia) que residía y trabajaba en Valladolid como profesor de dibujo en la Escuela de Bellas Artes y como ilustrador caricaturista del periódico satírico “Mefistófeles”, llegando a alcanzar gran prestigio con la pintura decorativa que realizó para viviendas, portales y establecimientos comerciales de Valladolid. Entre su obra más valorada se encuentra la decoración en 1876 de algunos salones de la Academia de Caballería, la serie del Quijote pintada en 1887 para decorar el Círculo de Recreo de la Victoria, la Aparición de la Virgen a San Antonio del convento de San Benito y estas pinturas alegóricas del pasaje Gutiérrez, anteriores a todas ellas.

Los temas representados se ciñen a alegorías de la Agricultura y la Industria, en forma de bellas mujeres con los atributos esparcidos alrededor, el Comercio, con el dios Mercurio como protagonista, las Artes, recogidas como una ofrenda al dios Apolo, y la Primavera, aquí representada como la Tierra entregando sus flores y frutos. Todas siguen esquemas derivados de la pintura tardobarroca y los cánones imperantes del academicismo, con figuras reposando sobre nubes, acompañadas de amorcillos y composiciones etéreas de colores luminosos. Alrededor, en los marcos, se dispone una decoración de rosetas, medallones fingidos con bustos y composiciones geométricas a base de elementos vegetales.

El mayor número de obras escultóricas se concentran en la rotonda, en cuyo centro se levanta sobre un pedestal circular la figura broncínea de Mercurio, dios del Comercio, de tamaño natural. Tanto el pedestal como la escultura están fundidos en bronce y son una copia del célebre modelo manierista creado por Juan de Bolonia en Florencia, con la figura del dios iniciando el vuelo, ligero y etéreo, y el viento soplando a sus pies. En este caso adaptado para sujetar en su mano levantada una luminaria. Su colocación en el centro de convergencia hace que sea el principal referente visual del Pasaje, siendo muy apropiado el modelo elegido, tanto por sus connotaciones alusivas al comercio como por el tipo de escultura, una obra manierista con distintos puntos focales, lo que obliga a deambular en torno suyo para captar distintas apariencias sugeridas por estar girando sobre un eje helicoidal.

También en la rotonda, en la embocadura de los dos tramos, aparecen colocadas a una altura discreta unas ménsulas sobre las que descansan alegorías femeninas de las Cuatro Estaciones. Son figuras realizadas en terracota que presentan un elegante clasicismo, con indumentarias que marcan sus anatomías a través de la técnica de “paños mojados” y bellas cabezas adornadas con coronas de flores. Se apunta como posible autor al francés M. Gossin, con taller en París, que firma el grupo formado por la pareja de niños que sujeta el Reloj, escultura colocada bajo el dosel del bello balcón que se abre a la galería interior, se dice que pensado para ser ocupado por músicos, y que hoy ha perdido el acompañamiento de grandes macetas que le proporcionaban el aspecto de una pérgola romántica.

Como complemento decorativo se realizaron distintos trabajos de yeserías, policromadas y doradas, que con forma de mascarones, rosetas y florones aparecen aplicados a los arcos de la cubierta.

Posiblemente el Pasaje Gutiérrez todavía necesite una restauración integral para que recupere su primitivo glamour. No obstante, parte de sus elementos fueron salvados de la ruina durante la intervención que hiciera en 1990 Ángel Luis Fernández Muñoz, después de estar abandonado a su suerte por los actuales propietarios durante muchos años. Otras intervenciones recientes también han contribuido a realzar su encanto, especialmente tras su incorporación a la ruta turística municipal "Ríos de Luz", aunque es posible que este radique precisamente en ese aire decadente que lo envuelve y nos permite recrear con fidelidad aquellas galerías decimonónicas tan activas que marcaron una época en París.

Informe y fotografías: J. M. Travieso.

Registro Propiedad Intelectual - Código: 1112080702152

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Museo Patio Herreriano: CURSO APROXIMACIONES AL ARTE CONTEMPORÁNEO, del 12 al 22 de diciembre 2011

2011-12-09T00:05:00.011+01:00

MUSEO PATIO HERRERIANO
Calle Jorge Guillén 6, Valladolid
El arte de los siglos XX y XXI a través de la Colección Arte Contemporáneo

12, 14, 15, 17, 19, 21 y 22 de diciembre 2011

Más información: Curso Aproximaciones al Arte Contemporáneo

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Un museo diferente: MUSEO DE LA EVOLUCIÓN HUMANA, Burgos

2011-12-07T00:05:00.070+01:00

MUSEO DE LA EVOLUCIÓN HUMANA

Paseo Sierra de Atapuerca s/n, Burgos

El Museo se encuentra en el centro de Burgos, junto al Arlanzón. Es un edificio vanguardista del arquitecto Juan Navarro Baldeweg que tiene forma de caja de luz y transparencia para albergar un espacio mágico y diáfano que invita a adentrarseen él y dejarse atrapar por el relato de la evolución humana.

Se trata de un prisma con una superficie total de 15.000 m2, de los que la mitad se destinan a exposición permanente y otros 2.000 a espacios dedicados a la didáctica del Museo. La evolución del paisaje de la Sierra de Atapuerca queda patente en el exterior y en el interior del edificio, de manera que su arquitectura se vincula estrechamente al territorio y la naturaleza, marco referencial de toda la vida y depositaria del conocimiento sobre nuestra evolución.

El Museo, sin embargo, no sustituye a la experiencia de conocer los yacimientos de la Sierra de Atapuerca, sino que la complementa y anima a los visitantes a descubrir personalmente, in situ, los secretos que atesora este sitio declarado Patrimonio de la Humanidad.

La narración museística de la evolución humana, basada en datos científicos que aportan muy diversas disciplinas, se presenta con un enfoque dinámico y abierto. El reto principal del Museo ha residido en traducir el conocimiento científico sobre la evolución humana en un discurso riguroso, pero asequible, en una experiencia única, emocionante e impactante, pero también reflexiva acerca del futuro del hombre y de su entorno.

Todo el Museo está enmarcado dentro de un ambiente vegetal que recuerda nuestra presencia en la Tierra y evoca el paisaje de la Sierra de Atapuerca, recreando los cambios de clima y de vegetación para transmitirnos la necesidad de mantener el espacio físico.

El Museo se organiza en cuatro plantas que muestran diferentes ámbitos:

Planta -1

La Sierra de Atapuerca y la evolución humana

La Sierra de Atapuerca y su especial ecosistema conservan un registro arqueológico y paleontológico continuo que abarca el último millón de años. Se muestran el medio físico, el sistema cavernario y los sitios existentes a cielo abierto, así como el trabajo que realiza el equipo investigador. Existe un lugar preferente para los restos fósiles más emblemáticos: la cara del Homo antecessor, el cráneo completo y la cadera del Homo heidelbergensis; sus herramientas de piedra, restos de grandes mamíferos, los adornos del Homo sapiens, y otras piezas que constituyen el gran legado de la Sierra de Atapuerca.

Secciones:

La Sierra de Atapuerca y la evolución humana.

La Sierra de Atapuerca.

Los yacimientos de la Trinchera del Ferrocarril.

La Sima de los Huesos.

Otros yacimientos.

De la excavación al laboratorio.

Proyecto Atapuerca, comunicación y difusión.

Planta 0

La evolución en términos biológicos

Darwin y Ramón y Cajal, dos de los más recientes científicos de la historia, ocupan un espacio propio. Darwin demostró, a partir de su viaje en el Beagle, que todos los seres vivos evolucionan por selección natural; Ramón y Cajal mostró el funcionamiento del sistema nervioso y de las conexiones celulares y neuronales.

La evolución de los homínidos a lo largo de los últimos 7 millones de años, se muestra a través de reconstrucciones escultóricas de las más emblemáticas especies que poblaron la Tierra.

Secciones:

La Teoría de la Evolución.

El ser humano: bricolaje evolutivo.

La evolución humana.

¡Qué complejo es ser humano!

El cerebro.

Planta 1

La evolución en términos culturales: hominización y humanización

Se explica el papel de las herramientas, del fuego, del lenguaje, del arte y otras grandes adquisiciones humanas que se lograron en los tiempos prehistóricos, mientras que las modalidades de asentamiento aportan las claves para entender la organización social. Hay además un gran espacio dedicado a las prácticas funerarias y a los orígenes del arte, que ponen de manifiesto las preocupaciones estéticas y simbólicas que caracterizan al cerebro y a la cultura humana.

Secciones:

Tecnología. Las primeras herramientas.

El fuego, una adquisición primordial.

Cazadores y recolectores del Pleistoceno.

El simbolismo: la complejidad de la mente humana.

El espíritu creador del Homo sapiens: el arte prehistórico.

El Holoceno, los primeros pastores y agricultores.

Planta 2

Ecosistemas de la evolución

Se destina a mostrar tres de los ecosistemas que más influyeron en el devenir humano: la selva tropical, en la que se originaron los homínidos; la sabana, que nos abasteció de carne para que nuestro cerebro creciera; y la tundra-taiga, conquistada gracias a nuestra adaptación a ambientes extremos, que hizo que pobláramos todos los continentes. La progresiva humanización del medio natural es clave para entender el actual dominio de la Naturaleza y nos enfrenta a la necesidad de conservarla.

Sección:

Ecosistemas de la evolución.

HORARIO DE VISITAS:

De martes a viernes de 10 a 14,30 h. y de 16,30 a 20 h.

Sábados, domingos, festivos y meses de julio y agosto de 10 a 20 h.

Lunes cerrado.

TARIFAS: General 6 € / Reducida grupos 4 €

Entrada gratuita los miércoles por la tarde.

Contacto: +34 902 024 246

Más información: Museo de la Evolución Humana

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Homenaje a Julia Ara Gil, 16 de diciembre 2011

2011-12-05T00:05:00.019+01:00

La Universidad de Valladolid ya nunca será la misma. Los estudios de Historia del Arte ya nunca serán lo mismo. Sin embargo, Julia siempre seguirá siendo igual, auténtica, y todos los que pudieron disfrutar de sus enseñanzas son conscientes de que gozaron de un gran privilegio. Porque Julia es uno de esos casos irrepetibles, poco frecuentes, que ha pasado dejando una larga estela de apasionamiento por el Arte, siendo sus valores personales reconocidos por todos los que la tuvieron a su lado.

Poco importa que sea una autoridad en arte medieval, que sea autora de infinidad de publicaciones reconocidas en todo el mundo, que con un enorme esfuerzo haya entregado a los vallisoletanos toda su sabiduría poniendo en valor el ingente patrimonio artístico y cultural de la ciudad medieval, que para muchas generaciones de estudiantes haya sido un ejemplo de estímulo, de dedicación y de rigurosidad en la docencia y que haya legado al estudio y la investigación del Arte un trabajo excepcional. Todo eso está muy bien en el ambiente académico y son virtudes que adornan a otros muchos profesores. Pero el caso de Julia es distinto, porque a todas sus titulaciones y reconocimientos universitarios suma un título mucho más importante: el de "persona querida" por ser buena gente.

Aún recurriendo al tópico sabemos que es cuestión de talante, pues Julia es la encarnación de la discreción y todo un ejemplo de amor a su trabajo y de honestidad personal. Una estudiosa infatigable que nunca ha mostrado afanes por destacar y relumbrar, aunque siempre ha tenido méritos para ello. Bien al contrario, Julia siempre ha sido esa persona asequible y afable capaz de estimular a todos los que han recurrido a ella. Una buena persona apasionada por la creatividad humana que ha dejado un recuerdo imborrable entre sus alumnos y en todos los que mantuvieron un trato cercano.

Desde agosto del pasado año Julia ha dejado de impartir sus clases y hay quien afirma que en las mejillas de algunas imágenes de Alejo de Vahía y de Gil de Siloé brillan sentidas lágrimas y que desde entonces las figuras de la fachada de San Pablo de Valladolid tienen un gesto melancólico.

Ahora, muchos que la aprecian han preparado un homenaje para demostrar su afecto a esta mujer tan querida y entrañable. Un acto de reconocimiento que tendrá lugar el 16 de diciembre, a las 12 horas, en el Salón de Actos Lope de Rueda de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Valladolid. Desde este humilde rincón, y con sincera admiración, decimos alto y claro que nos sumamos al mismo con el deseo de tener a Julia cerca durante muchos años.

Julia, has sido un orgullo para nuestra Universidad y por ello puedes estar segura de que siempre serás recordada, respetada y admirada como gran maestra de las artes.

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Conocer Castilla y León: RIBERA DEL DUERO, 29 de diciembre 2011

2011-12-02T09:21:00.003+01:00

Día 29 de diciembre, jueves

Salida a las 11,15 horas desde la Plaza de Colón con dirección a Olivares de Duero para visitar el retablo de la iglesia parroquial, joya del Renacimiento. A continuación salida hacia el Monasterio de Valbuena para visitar el antiguo monasterio cisterciense. Comida en Encinas de Esgueva (Menú A: Alubias Blancas y Codillo / Menú B: Patatas con setas y Salmón / Postre, pan, vino, agua y café). Por la tarde visita a la población de Guzmán y la Bodega de Matucos en San Martín de Rubiales. Al finalizar, regreso a Valladolid.

PRECIO SOCIO: 40 €

PRECIO NO SOCIO: 45 €

INCLUYE: Transporte, comida y visitas.

REQUISITOS: Grupo mínimo 15 y máximo 40 personas.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir del 2 de diciembre.

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Conocer Valladolid: MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA, 30 de diciembre 2011

2011-12-02T09:04:00.001+01:00

Día 30 de diciembre, viernes

Visita guiada a la colección permanente del Museo Nacional de Escultura.

Cita: 12 h.

Lugar: Puerta principal de calle Cadenas de San Gregorio.

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Entrada gratuita.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Conocer Valladolid: RUTA DE LOS PALACIOS, 30 de diciembre 2011

2011-12-02T09:01:00.000+01:00

Día 30 de diciembre, viernes

Visita guiada por el Palacio de los Vivero, Palacio Real, Palacio Butrón y Palacio Villena.

Cita: 11,30 h.

Lugar: Plaza de San Pablo.

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Visita gratuita.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Conocer Valladolid: MUSEO DEL TORO, 27 de diciembre 2011

2011-12-02T08:50:00.004+01:00

Día 27 de diciembre, martes

Visita guiada al Museo del Toro, situado junto a la Plaza de Toros de Valladolid.

Cita: 17 h.

Lugar: Entrada en calle Peral 13 (Junto a Plaza de Toros).

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Entrada gratuita.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Conocer Valladolid: CÍRCULO DE RECREO, 27 de diciembre 2011

2011-12-02T08:46:00.001+01:00

Día 27 de diciembre, martes

Visita al Círculo de Recreo (Casino), edificio levantado en 1901 por el arquitecto municipal Emilio Baeza Eguiluz sobre un solar antaño perteneciente al convento de San Francisco. El edificio sustituyó a una sede anterior de 1853 que era obra de Antonio Iturralde y que resultó ser insuficiente.

En su interior destaca la escalera imperial, el "salón de tertulia", las salas de juego, la biblioteca y el "salón de baile", decorado con grandilocuentes pinturas murales del pintor palentino Eugenio Oliva Rodrigo, con escenas de exaltación de personajes relacionados con Valladolid, como el Conde Ansúrez y Zorrilla.

Cita: 13 h.

Lugar: Puerta de entrada de la calle Duque de la Victoria.

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Entrada gratuita.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Conocer Valladolid: CORTES DE CASTILLA Y LEÓN, 27 de diciembre 2011

2011-12-02T08:41:00.003+01:00

Día 27 de diciembre, martes

Visita a la sede de las Cortes de Castilla y León, un moderno edificio del arquitecto granadino Ramón Fernández Alonso, ganador del concurso de ideas convocado por las Cortes. Se levantó entre 2004 y 2005, con una superficie construida de cerca de 30.000 metros cuadrados basada en la funcionalidad. Al exterior destaca la forma prismática que ampara el hemiciclo, que a través de vidrio serigrafiado y alabastro recuerda la torre del homenaje del castillo de Fuensaldaña, anterior sede de las Cortes.

Cita: 10,30 h.

Lugar: Puerta principal de Plaza de las Cortes de Castilla y León.

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Entrada gratuita.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Conocer Valladolid: CONVENTO DE LAS DESCALZAS REALES, 17 de diciembre 2011

2011-12-02T08:36:00.002+01:00

Día 17 de diciembre, sábado

Visita guiada a la colección de pintura "El Legado de la Toscana", donación de la reina Margarita de Austria, esposa de Felipe III, y al coro y la iglesia del convento de las Descalzas Reales de Valladolid.

Cita: 12 h.

Lugar: Entrada en calle Ramón y Cajal 4

Visita restringida para socios (Grupo máximo 25 personas).

Precio 3 €.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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V Aniversario de Domus Pucelae: COMIDA DE HERMANDAD, 17 de diciembre 2011

2011-12-02T00:05:00.015+01:00

Día: 17 de diciembre, sábado

Hora: 15 h.

Lugar: Restaurante de la Real Sociedad Hípica de Valladolid

Menú: Entrantes calamares y foie / Primer Plato: Sopas de ajo o Alubias / Segundo Plato: Codillo o Merluza. Postre, pan, agua, vino y café.

PRECIO SOCIOS Y SIMPATIZANTES: 25 €

Autobús gratuito:

Salida hacia el restaurante a las 14,30 h. desde la Plaza de Colón.

Al finalizar la comida, habrá dos salidas de autobús: a las 17,30 y a las 18 horas.

Al realizar la inscripción se especificará si opta al uso del transporte gratuito.

INSCRIPCIÓN: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir de la publicación de este anuncio.

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Exposición: FOCUS-XXV AÑOS DISPARANDO, del 2 de diciembre 2011 al 15 de enero 2012

2011-12-02T00:05:00.014+01:00

MUSEO DE LEÓN
Plaza de Santo Domingo 8, León

HORARIO DE VISITAS:
De martes a sábado: de 10 a 14 y de 16 a 19 h.
Domingos y festivos: de 10 a 14 h.
Lunes cerrado.

Entrada gratuita.

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VIAJE: EL RENACIMIENTO EN ANDALUCÍA : JAÉN, ÚBEDA Y BAEZA, del 2 al 4 de marzo 2012

2011-12-01T03:06:00.001+01:00

PROGRAMA

Día 2 de marzo, viernes

Salida a las 15,30 horas desde la Plaza de Colón con dirección a Úbeda, con breves paradas en el camino. Llegada a las 22 horas. Cena y alojamiento.

Día 3 de marzo, sábado

Desayuno. Visita a Úbeda con guía local. Comida. Salida hacia Baeza y visita a la ciudad con guía local. Regreso a Úbeda. Cena y alojamiento.

Día 4 de marzo, domingo

Desayuno. Salida hacia Jaén para realizar la visita con guía local. Salida hacia Valladolid con almuerzo incluido en Almuradiel alrededor de las 15 h. Regreso a Valladolid, donde está previsto llegar a las 22 horas.

PRECIO SOCIO habitación doble: 200 €

PRECIO NO SOCIO habitación doble: 210 €

PRECIO SOCIO habitación individual: 250 €

PRECIO NO SOCIO habitación individual: 260 €

INCLUYE: Viaje en autocar; visita a los lugares antes reseñados; dossier de viaje; pensión completa (cena día 2; desayuno, comida y cena día 3 y desayuno y comida día 4 en el Hotel Husa Rosaleda D. Pedro (3*), incluyendo bebidas (agua y vino); habitaciones dobles con baño o ducha; seguro de viaje.

REQUISITOS: Grupo mínimo 35 y máximo 50 personas.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 de 18 a 20,30 h. a partir del día 1 de diciembre 2011.

NOTA: Sólo se realizarán las reservas a partir del día citado. Las inscripciones que lleguen antes no serán tenidas en cuenta.

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Retablo imaginario: MUNDIAL DE FÚTBOL 1982, cuando treinta años no es nada

2011-12-01T00:05:00.007+01:00

Estampas y recuerdos de Valladolid

Entre el 13 de junio y el 11 de julio de 1982 se celebró en España la Copa del Mundo de Fútbol, conocida popularmente como el Mundial 82, entre cuyas sedes se encontraba Valladolid, ciudad que cuenta con un histórico equipo, fundado en 1928, que conoció glorias en Primera División, aunque en la actualidad no pase por sus mejores momentos. Para los seguidores del "Pucela" y los colores blancovioletas, aquel acontecimiento tuvo una especial importancia, ya que para tal celebración se construyó, siguiendo un proyecto de Ricardo Soria, el "Nuevo Estadio Municipal José Zorrilla", con capacidad para 26.512 espectadores sentados.

Bajo los auspicios de la FIFA, el acontecimiento fue publicitado en cada una de las catorce sedes con carteles realizados por la Galería de Arte Margth de París, que encargó su diseño a reconocidos artistas internacionales, correspondiendo a Valladolid una obra del artista yugoslavo Vladimir Velickovic, que con su peculiar estilo plástico venía a representar lo que definía su lema: "Unas tijeras".

Aunque ya han pasado casi treinta años, muchos vallisoletanos recuerdan la imagen del cartel, pero desconocen la identidad de su autor. Como el evento ha pasado a formar parte de la historia de la ciudad, creemos conveniente revisar una serie de datos básicos.

Vladimir Velickovic nació en 1935 en Belgrado, actual capital de la República de Serbia, por entonces integrante de Yugoslavia. Aunque se graduó en Arquitectura, se decantó por su vocación pictórica, iniciando su actividad primero en Belgrado y después en Zagreb. En 1965 recibió el Premio de la Bienal de París, ciudad donde se asentaría un año después. Allí es donde realiza en 1982 el cartel destinado a Valladolid, tras lo cual ejercería la dirección de un taller de la Escuela de Bellas Artes de París, cargo que desempeñó hasta el año 2000.

Sus trabajos se caracterizan por un tipo de figurativismo especialmente fuerte y brutal en el que aparecen con frecuencia hombres y animales sufrientes, sobre todo ratas y perros, con los cuerpos contorsionados de dolor, presos de terror. En su paleta predomina el color negro salpicado por tonalidades carnosas y sanguíneas con la intención de expresar las atrocidades de las que fue testigo, sobre todo en Belgrado, su ciudad natal, durante la Segunda Guerra Mundial. La presencia de sus "lesionados" y de la muerte es una constante en su obra y define su búsqueda autobiográfica, que intenta dejar una "cicatriz" de la violencia humana en el espectador que contempla su obra.

La misma dureza quedó plasmada en la escena futbolística que anunció la sede de Valladolid, cuyo flamante estadio acogió los encuentros entre Francia, Checoslovaquia y Kuwait, integrantes del grupo D, en cuyo desarrollo ocurrieron infinidad de anécdotas curiosas. La más destacada la protagonizada por el jeque Fahid Al Ahmad Al Sabah, hermano del emir de Kuwait, que no estando de acuerdo con una decisión del árbitro llegó a bajar al césped y consiguió eliminar un gol, imponiendo su criterio en el enfrentamiento de su país contra Francia, suceso que costó al árbitro soviético Miroslav Stupar su futuro profesional.

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Publicaciones Domus Pucelae

2011-11-30T00:05:00.020+01:00

Publicaciones Domus Pucelae

Colaboraciones con instituciones

Peticiones: domuspucelae@gmail.com

Conferencia: "Fernando de Castro. Reformismo social y disidencia religiosa en la España del siglo XIX", 29 de noviembre 2011

2011-11-28T12:52:00.000+01:00

MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA

Salón de Actos del Palacio Villena

29 de noviembre, martes, 19 horas.

Entrada libre hasta completar aforo

Esta conferencia pretende reconstruir la vida del clérigo leonés Fernando de Castro (Sahagún de Campos, 1814- Madrid, 1874), examinando las diversas etapas de su existencia y las opciones que en materia intelectual y religiosa fue adoptando desde su ingreso en el convento franciscano de San Diego, en Valladolid, en 1829, hasta su entierro en Madrid, en 1874.

Una fecha que marcará la vida de Fernando de Castro fue el año de 1968, momento en que se repone a los catedráticos experimentados y éste es nombrado rector de la Universidad de Madrid. Desde ese importante puesto se convirtió en el símbolo más autorizado de las reformas educativas que trataron de sacar adelante los revolucionarios y desplegó una ingente actividad para poner en contacto a la Universidad complutense con las principales universidades europeas, y para abrir las aulas a colectivos que habían sido olvidados hasta entonces por la política educativa liberal: los huérfanos, los obreros y las mujeres. De esta época data la inauguración de las Conferencias dominicales que estuvieron en el origen de la que ha sido quizás su creación más celebrada: la Asociación para la enseñanza de la mujer, precedente en cierto sentido de la Institución Libre de Enseñanza. Fue también presidente de la Sociedad abolicionista española, senador por León y animador infatigable de muchas causas humanitarias. Tras la muerte de Sanz del Río, por otra parte, asumió el liderazgo público del grupo krausista Para entonces se había separado completamente del catolicismo y su entierro civil en Madrid, así como la publicación posterior de su Memoria testamentaria pueden considerarse como algunos de los símbolos más importantes de la lucha por la libertad religiosa en España.

RAFAEL SERRANO GARCÍA es profesor titular de Historia Contemporánea en la Facultad de Filosofía y Letras y miembro del Instituto de Historia Simancas de la Universidad de Valladolid. Su investigación se ha centrado en el siglo XIX español, ocupándose de asuntos como la cultura, el ciclo revolucionario liberal, o la movilización social en el siglo XIX. Autor de 15 libros entre los que destacan La revolución de 1868 en Castilla y León, Valladolid, 1992; La revolución gloriosa. Un ensayo de regeneración nacional (1868-1874), Madrid, 2006; o Fernando de Castro (1814-1874). Un obrero de la Humanidad, Salamanca, 2010. Forma parte del consejo de redacción de la revista Alcores. Ha realizado estancias en centros de investigación de Oxford (St. Antony’s College), Paris (Ecole de Hautes Etudes en Siences Sociales), y Florencia (European University Institute). En los últimos meses ha publicado dos nuevos libros, la edición, precedida de un extenso estudio preliiminar de varios textos de Fernando de Castro: Caracteres históricos de la Iglesia, Pamplona, 2011, y otra obra de investigación original: Ocio y sociabilidad en un espacio exclusivo, El Círculo de Recreo de Valladolid (1844-2010), Valladolid, 2011.

Información: Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

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Viaje virtual: LA CATEDRAL DE BURGOS en HD

2011-11-28T00:05:00.003+01:00

Obra maestra de la cultura y el arte, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1984, la catedral de Burgos es la única que cuenta con esta distinción a título individual, sin estar unida al centro histórico de la ciudad.

Disfrute de esta maravilla gracias a la tecnología más avanzada de fotografía. Seleccione una de las vistas en el plano de la izquierda y descubra los infinitos detalles que esconde este monumento. Detalles que habitualmente pasan desapercibidos al ojo humano.

Ahora es posible acercarse, sin moverse de casa, a contemplar minuciosamente el exterior de la catedral y todas sus portadas para descubrir sus valores. Todo con un sencillo movimiento del ratón, incluyendo la pantalla completa.

Acceso: Catedral de Burgos

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Visita virtual: LAS BODAS DE CANÁ, un milagro evangélico como fiesta veneciana

2011-11-25T00:05:00.083+01:00

LAS BODAS DE CANÁ

Paolo Caliari, el Veronés (Verona 1528 - Venecia 1588)

1562-1563

Óleo sobre lienzo

Museo del Louvre, París

Pintura del Renacimiento, Manierismo. Escuela veneciana.

Quince meses estuvo ocupado el Veronés en realizar esta gigantesca pintura, 9,94 x 6,77 metros, cuyo contrato firmó el 6 de junio de 1562. La obra, que venía a sustituir la tradicional representación de la Última Cena, estaba destinada a presidir la enorme pared del fondo del refectorio trazado por Palladio en el convento benedictino de San Giorgio Maggiore, complejo asentado en la isla del mismo nombre situada frente el Palacio Ducal de Venecia. Por entonces el Veronés tenía 34 años y, según especificación del contrato, recibiría a cambio 324 ducados, la manutención durante el periodo de ejecución y un barril de vino. El pintor de Verona había sido reclamado por Venecia en 1553, donde ejercitó en la ciudad y tierra adentro su talento como decorador, creando una serie de pinturas caracterizadas por las originales escenografías, las indumentarias suntuosas, acordes a su tiempo, los escorzos del dibujo y la luminosidad de los colores empleados.

En un deseo de innovación el pintor y la comunidad acordaron no recurrir el tema tradicional de la Santa Cena para presidir el refectorio, sino representar el relato recogido en el evangelio de San Juan que narra el milagro de las Bodas de Caná, el primero de los obrados por Cristo cuando en compañía de la Virgen y algunos discípulos fue invitado a una fiesta nupcial en aquella ciudad de Galilea. A punto de finalizar la fiesta el vino comenzó a escasear, ordenando Jesús a los siervos que llenaran las tinajas de agua, que al momento quedaba convertida en vino. El episodio, considerado como una prefiguración de la institución de la Eucaristía, venía a suponer una innovación iconográfica cargada de simbolismo.

Pero el pintor fue más allá al representar por primera vez un episodio evangélico tratado como un acontecimiento profano, un banquete con tal acumulación de personajes que hace que los personajes sagrados, Cristo, la Virgen y algunos apóstoles pasen casi desapercibidos, totalmente enmascarados entre la maraña de invitados entregados al disfrute y frivolidad de la fiesta. Una pintura que refleja el gusto veneciano por las grandes celebraciones, así como el lujo propio de la corte ducal en los objetos, indumentaria y resto de elementos representados.

Además el pintor se atrevió a descontextualizar la narración y transponer el austero ambiente palestino de Caná a un ambiente palaciego veneciano, incluyendo entre los personajes representados a algunas celebridades de su tiempo, entre las que se identifican a Alfonso de Ávalos, marqués del Vasto y gobernador del Milanesado, y Vittoria Colonna, ambos caracterizados como los novios contrayentes, curiosamente situados en el extremo izquierdo de la mesa. También se apunta la presencia de Leonor de Austria, Francisco I de Francia, María de Inglaterra, Solimán el Magnífico y el emperador Carlos V. Incluso se interpreta como un autorretrato del Veronés el personaje que toca la viola en el centro, con Tintoretto susurrándole algo al oído, Jacopo Bassano tocando la flauta y Tiziano tañendo el contrabajo enfrente.

La escena, muestra por excelencia del gusto narrativo del pintor, causó una gran sensación cuando fue dada a conocer, siendo tomada como punto de referencia a partir de entonces por otros muchos pintores. En ella destaca la maestría para componer un espacio ficticio, inspirado en distintos edificios de la arquitectura clásica, en consonancia con la obra realizada por Palladio en aquellos años en Venecia, y la habilidad para insertar las figuras, para lo que recurre a una organización espacial a distintos niveles de altura que en forma de gradas permite la visión de una serie de acontecimientos simultáneos, todo ello para contribuir a resaltar una fastuosa fiesta mundana en la que la sobreabundancia de detalles ya anticipa la línea del barroco más festivo.

Uno de los grandes hallazgos es la colocación de una pasarela recorrida por una balaustrada que proporciona al espacio el aspecto de un patio al unir los espacios arquitectónicos de derecha e izquierda. Por ella deambula una gran cantidad de sirvientes, pues curiosamente mientras que en la mesa se disfruta del postre, a juzgar por la presencia de azúcar, frutas y mermelada de membrillo, momento en que según el relato evangélico comenzó la escasez de vino, un buen grupo de sirvientes colocados en el plano elevado se ocupan en preparar nuevos platos con animales sacrificados, entre ellos corderos que adquieren una significación simbólica.

Otros detalles tampoco pasan desapercibidos, como el que ninguno de los personajes aparezca hablando, una incitación al silencio que se debía observar estrictamente en el refectorio. Asimismo, el espacio abierto del fondo, en el que destaca una airosa torre con módulos que disminuyen en altura, viene a simular una ventana real en el refectorio, reproduciendo las vistas reales desde el convento.

No obstante, algunos críticos han considerado que los distintos espacios no guardan una unidad estructural, a pesar de que en la escena, en la que participan hasta 130 personajes, domine el momento de la música, la degustación de suculentos manjares y, sobre todo, la fiesta del vino, repartido en elegantes copas de cristal soplado veneciano y almacenado en suntuosas ánforas. Todo ello resuelto con profusión de príncipes, clérigos y aristócratas venecianos junto a múltiples personajes populares, incluidos enanos de la corte y toda una serie de perros, gatos y pájaros, todos ellos dispuestos en complicados escorzos e insertos en un marco arquitectónico dórico y corintio descrito de acuerdo a las leyes de la perspectiva.

En el engranaje compositivo Cristo ocupa el centro de la escena sentado, siguiendo la tradición de los cenáculos, pero su presencia casi pasa desapercibida a pesar del nimbo luminoso que rodea su cabeza. Otro tanto ocurre con la figura de la Virgen, sentada a su lado. El interés por resaltar la fiesta sobre el componente religioso explica que la pintura causara escándalo entre algunos benedictinos, a pesar de que sobre la mesa colocada en medio de los músicos, siguiendo el eje de la figura de Cristo, aparezca un reloj de arena, un elemento iconográfico alusivo a la vanidad y utilizado para recordar la fugacidad de la vida. Por aquel tiempo se afirmaba que los venecianos "creían muchísimo en San Marcos, mucho en Dios y nada en el Papa", siendo la pintura una exaltación de la cosmopolita corte veneciana, siempre rica y convertida en el centro del mercado oriental.

En definitiva, Veronés ejecuta en esta pintura una verdadera puesta en escena, pues el tema le permite crear un decorado teatral para ubicar a los personajes. La composición está dividida en dos partes bien diferenciadas, una superior, ocupada por la arquitecturas y un cielo azul recorrido por nubes blancas, y otra inferior, de carácter terrestre e invadida por la muchedumbre.

Sin duda el protagonismo de la narración lo adquieren el complejo alarde colorista y la sabia utilización de los efectos lumínicos. Todo el esplendor cromático refuerza la elaboración de la perspectiva, en la que se multiplican los puntos de fuga, siempre acorde con el gusto manierista del Veronés. Para ello selecciona pigmentos preciosos importados de Oriente por los mercaderes venecianos, destacando los amarillos anaranjados, los rojos vivos y el azul lapislázuli utilizado en el cielo y algunos atuendos, siendo el color el principal protagonista de la pintura al contribuir, a través de magistrales contrastes, a individualizar a cada uno de los personajes.

PERIPECIAS DE LA PINTURA

Terminado el enorme lienzo, en cuya elaboración el pintor contó con la colaboración de su hermano Benedetto, que también aparece retratado, fue colgado en el convento en septiembre de 1563, donde permanecería durante 234 años, justo hasta que en el año 1797 fuera expoliado durante la campaña de Napoleón en Italia y trasladado a París. De nada sirvieron las sucesivas reclamaciones del retorno de la obra, comenzando por la negociación emprendida por el célebre escultor Antonio Canova para recuperar todas las obras de arte italianas del botín napoleónico que, convencido por Vivant Demon de la fragilidad y los riesgos de movilidad del lienzo, aceptó que permaneciera en París y fuese entregada a Italia como compensación una pintura del francés Charles Le Brun.

Durante la 2ª Guerra Mundial la pintura fue trasladada al sur de Francia para protegerla, pero a su regreso a París acusó distintos daños producidos durante el transporte. Una complicada restauración se llevó a cabo entre los años 1990 y 1992, operación que desveló abundante información sobre su proceso de elaboración. Fue entonces cuando se levantaron de nuevo voces a favor de su devolución a Venecia, entre ellas la de la modelo Carla Bruni, hoy esposa del Presidente de la República Francesa. ¡Las vueltas que da la vida!

Informe: J. M. Travieso.

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Bordado de musas con hilos de oro: MIRADAS, de Manuel Altolaguirre

2011-11-23T00:05:00.000+01:00

MIRADAS

Ojos de puente los míos

por donde pasan las aguas

que van a dar al olvido.

Sobre mi frente de acero

mirando por las barandas

caminan mis pensamientos.

Mi nuca negra es el mar,

donde se pierden los ríos,

y mis sueños son las nubes

por y para las que vivo.

Ojos de puente los míos

por donde pasan las aguas

que van a dar al olvido.

MANUEL ALTOLAGUIRRE

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Música en noviembre: INVERNO, de Franco Battiato

2011-11-22T00:05:00.001+01:00

Esta canción pertenece al álbum "Inneres Auge" del año 2009, en el que Franco Battiato hace una versión de esta canción de Fabrizio de André.

INVERNO / INVIERNO

Sale la nebbia sui prati bianchi / Niebla salina sobre los prados blancos

come un cipresso nei camposanti / como un ciprés en el camposanto

un campanile che non sembra vero / un campanario que no parece real

segna il confine fra la terra e il cielo. / marca el límite entre la tierra y el cielo.

Ma tu che vai, ma tu rimani / Pero tú que vas, tú que permaneces

vedrai la neve se ne andrà domani / verás que la nieve se irá mañana

rifioriranno le gioie passate / floreciendo las alegrías pasadas

col vento caldo di un'altra estate. / con el viento cálido de otro verano.

Anche la luce sembra morire / También la luz parece morir

nell'ombra incerta di un divenire / en la sombra incierta del devenir

dove anche l'alba diventa sera / donde incluso el alba se convierte en noche

e i volti sembrano teschi di cera. / y los rostros parecen cráneos de cera.

Ma tu che vai, ma tu rimani / Pero tú que vas, tú que permaneces

anche la neve morirà domani / incluso la nieve morirá mañana

l'amore ancora ci passerà vicino / el amor todavía pasará cerca

nella stagione del biancospino. / en la estación del blanco espino.

La terra stanca sotto la neve / La tierra oculta bajo la nieve

dorme il silenzio di un sonno greve / duerme el silencio de un sueño profundo

l'inverno raccoglie la sua fatica / el invierno recoge su fatiga

di mille secoli, da un'alba antica. / de miles de siglos, de un alba antigua.

Ma tu che stai, perché rimani? / Pero tú que estás, porque ¿permaneces?
Un altro inverno tornerà domani / otro invierno volverá mañana

cadrà altra neve a consolare i campi / bajará otra nieve a consolar los campos

cadrà altra neve sui camposanti / caerá otra nieve en el camposanto.

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