17 de noviembre de 2009

Historias de Valladolid: EL PATIO DE LAS TABAS, un curioso pavimento óseo



     Entre las calles de Santiago y María de Molina, en el mismísimo corazón de Valladolid, el paseante o visitante puede encontrar un edificio que ofrece varias sorpresas. La primera de ellas es que, traspasados los pasadizos característicos de un moderno centro comercial, publicitado como “Las Francesas”, se accede nada menos que a un elegante patio gótico de piedra en torno al cual se articulan diferentes negocios. Enseguida uno se da cuenta de que el patio es una reliquia del pasado que ha sobrevivido milagrosamente, encorsetado y amordazado por un bloque de viviendas de gran altura, polémica construcción que al paso de los años se presenta tan anodina como vil ejemplo de la feroz especulación padecida por la ciudad en fechas no muy lejanas.

     La segunda sorpresa, si se repara en ello, es encontrar un pavimento muy singular en la galería inferior del patio, en realidad claustro del que fuera convento de Santa Cruz, de la Orden de las Comendadoras de Santiago, ya que no está realizado con losas de piedra, baldosas cerámicas o tarima, como es lo habitual, sino con un empedrado de guijarros seleccionados y multitud de huesos, concretamente tabas o astrágalos de animales. Del mismo modo que las teselas de los mosaicos, los pequeños cantos rodados, en los que predominan los que tienen una forma alargada, aparecen fijados con mortero y formando recuadros y orlas que configuran una decoración de tipo geométrico. De modo muy hábil se disponen en forma de espiga y siguen líneas sinuosas, estableciendo un largo tapiz formado por sucesivas composiciones cuadradas en las que predomina la simetría y los motivos de reminiscencia mudéjar.

     Pero lo más curioso, por su rareza, es el uso de miles de tabas para remarcar, con su tono blanquecino y colocadas formando cordones, las líneas maestras del dibujo, de modo que este curioso empedrado, que sigue la modalidad tradicional y popular  del "enchinado", aparece como un armonioso y original pavimento a dos colores que recubre la totalidad de las galerías. A pesar de estar convertido en espacio público desde hace ya muchos años y de acusar el desgaste de las piezas de hueso, el pavimento presenta un excelente estado de conservación, demostrando la eficacia y la maestría alcanzada en el uso de materiales tan modestos y rudimentarios. No obstante, es frecuente que no se valore esta peculiaridad constructiva en las guías turísticas o artísticas, cuyos autores rechazan abordar estas ingeniosas soluciones procedentes de la arquitectura popular castellana del siglo XVI, siendo muy frecuentes los empedrados, o mejor dicho, la citada técnica conocida como enchinado o enchinarrado, en aquellos conventos donde los recursos eran escasos (Convento de Santa Isabel), lo mismo que ocurría con la denostada arquitectura de adobe, aunque su funcionalidad como piso firme hizo que también se generalizase en zaguanes, patios de muchos palacios (entre ellos el Palacio Real de Valladolid) y en pórticos de iglesias, poniendo de manifiesto que el ingenio de los artesanos creativos bien podía suplir a los nobles materiales que conseguía el dinero.

     A juzgar por la calidad de la sillería y la talla del claustro, y por el origen fundacional del convento, la elección de tan artesanal pavimento no debió obedecer a la escasez económica, sino a su demostrada resistencia. Su ejecución pudo realizarse ya muy avanzado el siglo XVI o incluso en el XVII, siendo la última obra rematada en aquella clausura.

EL ANTIGUO CONVENTO DE LA COMENDADORAS DE LA SANTA CRUZ

     Este convento vallisoletano fue fundado en 1487 bajo la advocación de Santa Cruz por las hermanas doña María de Zúñiga y doña María de Fonseca, que cedieron sus viviendas de la calle del Campo (calle Santiago) para levantar un convento en el que ellas mismas ingresaron, destinado a acoger a las comendadoras hijas y mujeres de los prestigiosos Caballeros de Santiago.


     De aquel primitivo edificio sólo se ha conservado el claustro que aquí se menciona, cuyo pago en 1537 le documenta como obra del maestro cantero Fernando de Entrambasaguas, que lo debió de terminar hacia 1530. A pesar de levantarse en un momento en que ya primaban las soluciones renacentistas, la traza sigue un trazado arcaico para su tiempo, aunque esmeradamente trabajado, con elementos góticos tomados de otros patios vallisoletanos levantados con anterioridad.


     Tiene planta cuadrada y tres pisos, los dos inferiores compuestos por arcos escarzanos y el superior recorrido por vigas de madera sobre zapatas y un amplio voladizo sobre canecillos. Su elemento decorativo más destacado son los pretiles o antepechos calados que, a modo de barandas, ofrecen un variado muestrario de tracerías góticas muy bien trabajadas y en excelente estado de conservación. Los pretiles, arcos y capiteles siguen los modelos ya experimentados en la ciudad en los patios de San Gregorio y Santa Cruz, como también se hiciera en los claustros de los conventos de Santa Isabel y Santa Catalina, mientras que el tercer piso repite soluciones utilizadas en el Palacio de los Vivero y en la Casa de los Zúñiga. En el centro del patio se conserva una fuente, con taza y estanque, que está rodeada por un banco de piedra corrido alrededor. La gran escalera que conduce a los pisos superiores hoy está restringida a los usuarios de las viviendas, las galerías han sido acristaladas y el centro de este recoleto espacio, al menos hasta hace poco tiempo, es utilizado para la presentación de automóviles. ¡Qué cosas!

     Del conjunto conventual también se conserva la iglesia, aunque se trata de un edificio muy posterior al claustro, comenzado en el siglo XVII y terminado en 1734, con una portada barroca que preside un pequeño patio o compás, decorada con esculturas de Pedro de Ávila y adosada a un costado de la nave. La iglesia sigue la funcionalidad conventual femenina, con una sola nave de planta cruciforme, capillas poco profundas entre contrafuertes, recorridas por balcones superiores, un escueto crucero coronado con cúpula y un largo coro a los pies separado por una reja. De su dotación se conserva un discreto retablo mayor neoclásico, dedicado a Santiago Batallador, que también fue elaborado por Pedro de Ávila para sustituir a otro de Esteban Jordán (hoy en la localidad de Ciguñuela). Sus bóvedas se decoran con suntuosas yeserías barrocas, similares a las de otras iglesias vallisoletanas, atribuidas a Matías Machuca. A través del citado compás el convento se abría a la céntrica calle de Santiago mediante un pórtico y una austera portada, adintelada y herreriana, realizada por Francisco de Mora.

     La comunidad de las Comendadoras de Santa Cruz estuvo en activo hasta la Desamortización. Tiempo después el convento fue ocupado por las Dominicas Francesas, dedicadas a la enseñanza, que dieron el nombre actual al céntrico recinto. Cuando estas se trasladaron a su nueva sede en la Huerta del Rey, en la década de los setenta, se derribaron las dependencias colegiales en medio de una fuerte polémica y el claustro se mantuvo en el interior de la edificación privada, convertido en un pasaje público totalmente descontextualizado. La iglesia fue adquirida por el Ayuntamiento de Valladolid para reconvertirla en sala municipal de exposiciones. Al encontrarse todo ello en el espacio inmobiliario más caro de la ciudad, es posible que los responsables de la piqueta tengan la conciencia tranquila por haber preservado el claustro y la iglesia. Pero, ¿por amor al patrimonio o como simple pretexto para edificar toda una céntrica manzana? Seguramente por tener una mentalidad bastante más dura que las piedras del Patio de las Tabas.

Ilustraciones: 1 Detalle del pavimento de guijarros y tabas. 2 Aspecto actual de una de las galerías. 3 Vista parcial del claustro. 4 Detalle decorativo del pavimento. 5 Taba o astrágalo animal.

Informe y fotografías: J. M. Travieso.
Registro Propiedad Intelectual - Código: 1104108944798


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14 de noviembre de 2009

Música en noviembre: OS ANIMAIS, de Luar na lubre



Hemos elegido para este otoño una muestra de la animada música celta del repertorio del grupo gallego Luar Na Lubre.

Este grupo es, hoy por hoy, una de las formaciones más importantes de folk en Galicia, con un amplio historial tras de sí. Su fama ha traspasado fronteras desde que el prestigioso músico británico de ascendencia irlandesa, Mike Oldfield, se interesó por su música. A partir de ahí, un rosario de premios, buenas críticas, actuaciones en los mejores escenarios y dos disco de oro conforman una larga historia musical.

OS ANIMAIS / LOS ANIMALES

os animais de dous en dous / Los animales de dos en dos
u-ah!, u-ah! / u-ah, u-ah!
os animais de dous en dous / Los animales de dos en dos
u-ah!, u-ah! / u-ah!, uah!
van subindo á Arca de dous en dous / van subiendo al Arca de dos en dos
o boi, a vaca e o caracol / el buey, la vaca y el caracol
e soben cando chove e cando fai calor / y saben cuando llueve y cuando hace calor 

os animais de tres en tres / Los animales de tres en tres 
u-ah!, u-ah! / u-ah!, h-ah! 
os animais de tres en tres / Los animales de tres en tres
u-ah!, u-ah! / u-ah!, u-ah! 
van subindo á nave de tres en tres / van subiendo a la nave de tres en tres
a garza farta e o cempés / la garza, la oruga y el ciempiés
din adeus coa súa patiña, andando do revés / dicen adiós con su patita, andando del revés 

os animais de catro en catro / Los animales de cuatro en cuatro 
u-ah!, u-ah! / u-ah!, u-ah!
os animais de catro en catro / Los animales de cuatro en cuatro
u-ah!, u-ah! / u-ah!, u-ah! 
van de catro en catro os animais / van de cuatro en cuatro los animales
e o saltón saltou de máis / y a un saltamontes con grandes saltos
quere pillalo un home que filma documentais / quiere pillarlo un hombre que filma documentales

os animais de cinco en cinco / Los animales de cinco en cinco
u-ah!, u-ah! / u-ah!, u-ah! 
os animais de cinco en cinco / Los animales de cinco en cinco
u-ah!, u-ah! / u-ah!, u-ah!
e se van marchando en procesión / y se van marchando en procesión
o lince, a ovella e o leirón / el lince, la oveja y el lirón
ao afundirse a Terra, acaba esta canción / al fundirse con la Tierra, acaba esta canción
cando se afunda a Terra, acaba esta canción / cuando se funde la Tierra, acaba esta canción

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13 de noviembre de 2009

Exposición: EL BODEGÓN ESPAÑOL, del 11 de noviembre 2009 al 14 de febrero 2010



SALA MONASTERIO DE NUESTRA SEÑORA DE PRADO, VALLADOLID

Desde el 11 de noviembre en la sala de exposiciones del Monasterio de Nuestra Señora de Prado de Valladolid, junto al Puente Colgante, se muestra la exposición "El Bodegón Español en el Prado", con 61 obras de este género pictórico pertenecientes a los fondos del Museo del Prado y pintadas por una treintena de artistas que abarcan dos siglos y medio de producción. Entre los autores se encuentran maestros de la talla de Luis Meléndez, Juan van der Hamen, Antonio Pereda, Mateo Cerezo, Francisco de Zurbarán y Francisco de Goya.

La exposición, que ya ha recorrido Zaragoza, Santa Cruz de Tenerife y La Coruña, ofrece distintas interpretaciones del entorno humano, a partir de la naturaleza cotidiana, desde los inicios del Barroco hasta el Romanticismo, mostrando la evolución de un género que alcanzó su independencia artística en el siglo XVII. Las obras pertenecientes al Siglo de Oro reproducen naturalezas muertas con alusiones veladas a la fugacidad de la vida, mientras que las realizadas en el siglo de la Ilustración siguen otros principios estéticos en los que predominan las flores y los animales. Cierra la muestra la obra "Perros en traílla y útiles de caza", realizada por Goya para los Príncipes de Asturias. Como novedad se podrá contemplar en Valladolid el cuadro "Vendedores de frutas", del valenciano Jerónimo Jacinto Espinosa (1600-1667), recientemente adquirido por el Prado.

Con motivo de esta muestra se ha elaborado el audiovisual "El bodegón español en el Prado" y en ella se pueden concertar visitas guiadas.

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Conciertos: MUSIQUEO, tardes de música en el Museo de León


CICLO DE CUATRO CONFERENCIAS Y CUATRO CONCIERTOS SOBRE HISTORIA Y MÚSICA


El ciclo que bajo el título Musiqueo celebramos anualmente en el Museo de León desde 2007 ya es conocido para muchos leoneses. La combinación de relato histórico y música que en él se lleva a cabo pone bajo los focos, en esta tercera edición, el tema del que tratan todas las conversaciones, asunto, por otra parte, ni nuevo ni muy distinto a lo largo de la historia: las crisis. Con esta palabra etiquetamos un período delicado, pero su significado encierra en especial la idea de un cambio, de una transformación, de ahí su dificultad, la de adaptarse a un nuevo orden de cosas, a un diferente estatuto de la realidad.

Las crisis son, de alguna manera, motor de la historia, y su estudio nos permite comprendernos más certera y profundamente cuando acertamos a explicar o, al menos, a comprender qué las provocó y cómo salimos de ellas. De cierta manera, el mundo siempre ha estado en crisis, pero algunas de ellas han jugado un papel especial en la crónica de la cultura occidental. Comenzamos este ciclo con el paso del Renacimiento al Barroco, una etapa en que el humanismo perdió cierta ingenuidad inicial, su optimismo congénito, y desembocó en una modernidad más irónica y más dramática. A continuación las revoluciones. La que parte de 1789 y marca el primer tercio del siglo siguiente. La de 1917, que abre un proceso que se topa no mucho después con el crack del 29. Y concluimos con la última (o penúltima mejor) de las crisis económicas, la del petróleo de 1973, que abrió el camino a un replanteamiento de nuestro futuro que, a la vista está, fue incompleto. Estamos en crisis, afrontémosla.

PROGRAMA

Viernes, 13 de noviembre
TIEMPO DE REVOLUCIÓN
Repertorio:
§ Cuarteto nº 14 en re menor, “La muerte y la doncella”,
D. 810 (1824) de F. Schubert
Allegro // Andante con moto // Scherzo: Allegro molto // Presto
Intérpretes:
Cuarteto Pallarés. David de la Varga (violín); Paula Padierna (violín); Iván Braña (viola) y Pelayo Tahoces, (violoncello).

Domingo, 22 de noviembre
LA CRISIS DEL CAPITAL
¡AMÉRICA, AMÉRICA!
Especial Día de la Música (Santa Cecilia)
Repertorio:
¤ Moritat vom Mackie Messer («Die Dreigroschenoper») [Kurt Weill (1900-1950)]
¤ Alabama Song («The rise and fall of the city Mahagonny»)[Kurt Weill]
¤ Nature’s Way [Charles Ives (1874-1954)]
¤ The Side Show [Charles Ives]
¤ Serenity [Charles Ives]
¤ Sure on this shining night [Samuel Barber (1910-1981)]
¤ Tilimbom («Trois Histoires pour enfants») [Igor Strawinsky (1882-1971)]
¤ But not for me [George Gershwin (1898-1937)]
¤ Someone to watch over me [George Gershwin]
¤ Summertime («Porgy and Bess») [George Gershwin]
Intérpretes:
Eva Juárez (soprano) y Jesús Ángel Rodríguez Recio (piano).

Viernes , 27 de noviembre
LA CRISIS DE LOS RECURSOS
Piezas musicales de los años setenta
Intérpretes: TRI-FULL-JAZ. Roberto González (teclado); Ángel González (batería) y Luis Quiñones (contrabajo); y Leticia Robles (voz).

MUSEO DE LEÓN
Plaza de Santo Domingo, 8.
Edificio “Pallarés”. (Entrada por la puerta lateral que mira al Instituto Juan del Enzina).
Aforo limitado a 120 asientos.
No se permitirá el acceso una vez comenzado el acto. Se ruega puntualidad.

Fechas:
Tres viernes (6, 13 y 27 de noviembre) en horario de 20 a 21 horas y un domingo (22 de noviembre) en horario de 13 a 14 horas.

Desarrollo:
Durante cerca de veinte minutos se explicará un tema de historia ilustrado con obras del Museo y, a continuación, durante treinta minutos aproximadamente, se efectuará una audición de temas musicales de las épocas abordadas.
Comentarios de historia del arte sobre las obras del Museo: Luis Grau (director del Museo).

Fotografía: Alegoría de la Música, (detalle), Alberto González, principios del s. XX, Museo de León.
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Publicación: MEDINA DE RIOSECO, CAMPOS Y TOROZOS EN EL SEMANARIO PINTORESCO ESPAÑOL, facsímil de Ventura García Escobar


PRÓXIMA PUBLICACIÓN DE DOMUS PUCELAE

El pasado viernes, 6 de noviembre, se cumplieron ciento cincuenta años del fallecimiento de Ventura García Escobar. Este político, poeta y dramaturgo riosecano, a pesar de su corta existencia, fue autor muy fecundo. Su amplia actividad literaria hizo que participara en revistas y publicaciones periódicas de la España romántica, muy especialmente en el Semanario Pintoresco Español, en la que se recogieron artículos de la más diversa especie, desde historia a literatura, desde etnografía al relato de viajes. En esa revista, García Escobar dejó muestras de su espíritu romántico, describiendo rincones, monumentos y costumbres, especialmente de su Medina de Rioseco natal y de la amplia zona de Tierra de Campos. Además, como aficionado al dibujo, ilustró sus textos con bocetos que en muchos casos han pasado a ser el único testimonio gráfico de su existencia una vez desaparecido el original. Escobar muestra una España convulsa, en plena crisis y evolución, en la que muchos monumentos desamortizados están en vías de extinción, como así ocurrió finalmente en muchos casos (monasterios de Matallana, Valdescopezo, Ceinos, etc).

Pero esos textos no sólo tienen un valor histórico sino también historiográfico: son una muestra de la nueva preocupación por lo medieval, por los estilos prerrenacentistas, monumentos cargados de un importante valor patrimonial y didáctico como mudos testigos del pasado. Por ello se decide a publicar sus descripciones y dejar constancia de su existencia antes de que el tiempo y la cruel desidia de los hombres, de la que tanto se queja, los arrasen. Preocupado por la conservación del patrimonio artístico, tuvo un papel destacado en esa zona terracampina como corresponsal de la Comisión Provincial de Monumentos.

Por ello, la figura de este poeta y dramaturgo riosecano será objeto de una inminente publicación editada por la asociación Domus Pucelae y elaborada por Ramón Pérez de Castro y Fernando Regueras Grande, que verá la luz el mes próximo. En ella se estudia, en primer lugar, la figura y periplo biográfico de García Escobar, arrancando con una breve historia de su familia, que en buena medida vino a configurar su carácter enérgico, liberal y romántico. Para ello se hace necesario reconstruir sintéticamente el momento en el que vivió y la sociedad riosecana de su tiempo, a través de los distintos hechos y procesos políticos de un momento tan complejo y convulso como la primera mitad del siglo XIX: desde los conatos ilustrados a la llegada del Canal de Castilla pasando por el saqueo de las tropas francesas tras la batalla del Moclín, la guerra carlista o los motines del pan. Un apartado que se completa con una pequeña evolución del panorama urbano de la localidad. Posteriormente se analizan los orígenes y desarrollo de la revista "El Semanario Pintoresco Español" y los inicios de la historiografía artistica. Por último, se recogen y facsimilan todos los textos que García Escobar editó en esta publicación, acompañados de un breve estudio histórico de cada monumento y su estado de conservación.

Una obra que viene a completar el escaso conocimiento que aún tenemos de esa bulliciosa actividad romántica cuya vertiente poética y dramática ya fuera abordada hace unos años por el profesor Pedro Ojeda Escudero en la única monografía dedicada a este escritor.

Informe: Ramón Pérez de Castro

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11 de noviembre de 2009

Feria de cerámica solidaria con Honduras: LA SANTA ESPINA, del 15 al 27 de noviembre 2009



La ONG ASHUADE, junto a la Entidad Local Menor de La Santa Espina y con la colaboración del Ayuntamiento de Valladolid ha organizado una "Feria de cerámica solidaria" en la localidad vallisoletana de La Santa Espina que será inaugurada el domingo día 15 de noviembre y permanecerá abierta hasta el día 27 de noviembre.

En ella se pondrán a la venta más de 2000 piezas, entre ellas vasijas, jarrones, palomares, figuras, azulejos, etc. Su finalidad es recaudar fondos para el mantenimiento de comedores infantiles en Honduras que son gestionados desde ASHUADE.

OTROS RECURSOS TURÍSTICOS EN LA SANTA ESPINA

* Visita guiada al MONASTERIO DE LA SANTA ESPINA: Mañana: 11:45-12:30. Tarde: 16:30-17:30-18:30. Precio de la Visita: 1 € por persona.
* Visita guiada a la EXPOSICIÓN DE MARIPOSAS: Mañana: 12:00 y 13:00. Tarde: 16:30 y 17:30. Precio de la Visita: 1 € por persona.
* Visita guiada al CENTRO DE INTERPRETACIÓN DE LA VIDA RURAL: Mañana: 12:30. Tarde: 17:00 y 18:00 Precio de la Visita: 2 € por persona.
* Recorrido por el pueblo: En la visita al pueblo puede verse el Mural de Manuel Sierra y otra serie de Guiños Pictóricos del mismo artista, y la escultura de Lorenzo Duque.
* Rutas de NATURALEZA. Existen 2 rutas de escasa dificultad que se pueden recorrer a pie o en bicicleta, La Ruta de Pantano que lleva hasta el embalse, y la Ruta de La Granja.
* Comer: Restaurante Casa-Rural “El Rincón del Labrador” (imprescindible reservar en el teléfono 983 565210).
* Puedes comer al aire libre en la pradera del pueblo de La Santa Espina. Si el tiempo no lo permite puedes comer en el Centro Cultural.

Para mas información http://www.lasantaespina.es/ y en la oficina de turismo situada junto al Monasterio.

ASHUADE (Asociación Humanitaria de Ayuda al Desarrollo)

Informe: Concha Moretón
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Exposición de pintura: VOCACIÓN MUNDICÉNTRICA, hasta el 5 de diciembre 2009


PINTURAS DE JAVIER BUSTELO

Desde el 10 de noviembre hasta el 5 de diciembre se puede visitar la exposición de pintura "Vocación mundicéntrica" en la Sala Cultural de Caja España (Plaza de Madrid 1, Valladolid), con obras del artista vallisoletano Javier Bustelo.

Javier Bustelo, artista visual, es sobre todo pintor (sólo o en equipo), aunque su curiosidad y su creatividad le llevan a coquetear con otras técnicas para expresarse: escultura, música, video, fotografía y poesía visual. A veces todas estas técnicas se mezclan en unos ensamblados murales o volumétricos.

Nacido en Valladolid en 1953, vive y trabaja en Tudela de Duero. Hizo sus pinitos como cantante y actor desde muy niño, y siempre le gustó dibujar. Pero no es hasta 1977 cuando muestra al público sus primeras obras plásticas. En más de treinta años ha hecho muchísimas exposiciones individuales o colectivas tanto en España como en el extranjero: Valladolid, León, Salamanca, Zamora, Palencia, Madrid, Florencia (donde recibió una medalla en la II Bienal Internacional) y Connecticut. Es uno de los pocos artistas, a nivel mundial, que se atreve a trabajar en equipo para la creación de obras artísticas.

El 10 de noviembre inauguró su última exposición en Valladolid, dando un paso más en su carrera artística “como la intensidad interior que siente”, según una reflexión del propio autor, en busca de un mundo mejor, trabajando día a día en libertad y consiguiendo frutos para toda la sociedad a través del hilo conductor del arte, convencido de su utilidad en el presente y en el futuro.

La exposición que presenta es fruto del trabajo y de la constancia, estando formada por obras realizadas desde el año 2005. Invitamos a visitar esta exposición con el convencimiento de que en ella se podrá disfrutar del trabajo bien hecho por todo un artista.

HORARIO DE VISITAS:
Laborables, de 19:30 a 21:30 horas.
Festivos, de 12:00 a 14:00 horas.

Informe: Jesús Santos Serna.
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9 de noviembre de 2009

Visita virtual: VENUS DE MILO, la rotunda imagen de la belleza clásica




AFRODITA DE MELOS o VENUS DE MILO
Autor anónimo
Hacia 120 a. C.
Mármol de Paros
Museo del Louvre, París
Arte griego. Periodo Helenístico

     La Venus de Milo, diosa de la belleza y el amor, es el icono más representativo del arte de la antigüedad, considerada en todo el mundo como prototipo artístico de belleza y perfección clásica. Es también una de las joyas del Museo del Louvre, donde continuamente disputa el mayor número de visitas a La Gioconda de Leonardo da Vinci. Ambas obras suman a su atractivo formal y técnico un halo de misterio; la una por su enigmática sonrisa y la otra por su carencia de brazos, estimulando a lo largo del tiempo la imaginación de los espectadores y estudiosos que encuentran en ellas la gallina de los huevos de oro para la especulación artística.

LA MÍTICA ESCULTURA

     Esta figura femenina, labrada en mármol de Paros en fecha indeterminada entre los años 130 y 100 a. C. y con tamaño superior al natural, con 2,04 metros de altura, se ha venido interpretando como una representación de Afrodita, diosa del amor y la belleza en la mitología griega, después venerada por los romanos con el apelativo de Venus. No se conoce su autor, aunque por su perfección técnica y sus características formales ha sido atribuida a los mejores escultores del periodo helenístico, siendo adjudicada su autoría tanto a Praxíteles como a Scopas, sin que falten quienes apuntan al clásico Lisipo.


     Está tallada en dos partes, algo habitual en la época, siguiendo la técnica de las esculturas crisoelefantinas (madera recubierta de oro y marfil) del periodo clásico precedente. La diosa aparece erguida, desnuda de pelvis para arriba, con un manto de tejido liviano que le cubre las piernas y se cruza al frente produciendo un conjunto de pliegues que sutilmente dejan adivinar las formas anatómicas, detalle que la adscribe en el grupo de las llamadas “venus púdicas”. El cuerpo adopta la posición de contrapposto, con el peso corporal descansando sobre la pierna derecha, lo que le permite flexionar la izquierda y que el cuerpo se contorsione siguiendo una línea serpentinata, rasgo peculiar del periodo helenístico que dota a las figuras de un elegante movimiento.

     La cabeza, trabajada según los modelos del periodo clásico de finales del siglo V a. C., representa el ideal académico, con ancha frente despejada, ojos muy abiertos, nariz recta y boca carnosa ligeramente entreabierta, con el cabello peinado hacia atrás y recogido con una cinta a modo de diadema que se anuda en un moño en la parte trasera dejando mechones sueltos que caen por la espalda.

     La virtuosidad técnica del trabajo del mármol se traduce en el contraste entre la morbidez de la epidermis del torso en la parte superior y el naturalismo de los pliegues que dejan asomar el pie en la parte inferior, los dos bloques independientes que componen la escultura y que encajan a la perfección estableciendo un eje helicoidal que hace que la escultura tenga múltiples puntos de vista, una característica de los grupos escultóricos de la etapa helenística.


     Como modelo iconográfico esta representación de Afrodita está relacionada con la Afrodita de Cnido de Praxíteles y con la Afrodita de Capua de Lisipo, apuntándose la posibilidad de que sujetara parte del manto con la mano derecha y que en la izquierda presentara la manzana (melos en griego) recibida del príncipe-pastor troyano Paris, que seducido la eligió como la más hermosa en el mítico juicio en el que el joven tuvo que escoger entre Hera, Atenea y Afrodita (Juno, Minerva y Venus en la mitología romana), que le ofrecieron poder, sabiduría y amor respectivamente, un hecho que desencadenaría la Guerra de Troya, según narra Homero en La Ilíada. Pero esta interpretación de que representa el momento en que Afrodita se desnuda para seducir con su belleza a un mortal, aunque es muy posible, es una de tantas teorías especulativas en torno a su significado y se basa en la información de que en las proximidades de la estatua apareció el fragmento de un antebrazo y una mano con una manzana, cuyo paradero se desconoce, junto a fragmentos de pedestales con inscripciones que mencionaban a Agesandros y Aleixandros, dos artistas de Antioquía que, sin una base realmente consistente, algunos han propuesto como sus posibles autores.

HISTORIA Y PERIPECIAS

     La escultura fue encontrada semienterrada por un campesino llamado Yórgos Kendrotás, cerca de Paleo Castro, población principal de la isla egea de Melos, de la que toma el nombre esta Afrodita. Esto ocurría el 8 de abril de 1820. Debido al peso del conjunto, 900 kilos, su descubridor la desenterró por partes y la guardó durante un tiempo en un establo impresionado por la belleza del hallazgo, hecho que ocultó a las autoridades. Finalmente, ante las reiteradas ofertas recibidas de cuantos fueron conociendo el descubrimiento, ofreció la venta del torso a un clérigo ortodoxo griego. Pero en aquellos años del siglo XIX se libraba la última etapa de la guerra de independencia de Grecia respecto al Imperio Otomano, por lo que el clérigo, evitando a las autoridades turcas, dio noticia de la venta al joven oficial de navío francés Jules Dumont d'Urville, que reconociendo la calidad de la estatua urdió la compra de la figura completa por el Marqués de Riviere, embajador de Francia en Constantinopla, operación en la que también participó el francés De Marcellus, secretario de la embajada.


     Según esta versión, la estatua salió de Grecia veinte días antes de que este país declarara su independencia, ya que fue trasladada a Francia el 1 de marzo de 1821, donde fue adquirida por el rey Luis XVIII, que después de unos trabajos de reparación la entregó al Museo del Louvre, donde se conserva en la actualidad. Con ello el monarca compensaba ante artistas y críticos el haber devuelto a Italia, en 1815, la célebre Venus Médici, muy estimada en Francia, que expoliada por Napoleón fue repuesta por la restaurada monarquía francesa como gesto de amistad.

     La celebridad de la obra dio lugar a la divulgación de la historia de una batalla campal en el mar entre turcos y franceses, que motivó la rotura y pérdida de los brazos, teoría esgrimida como reivindicación por los otomanos para demostrar que la obra fue expoliada por la fuerza.
Lo cierto es que enseguida los franceses consideraron a la Venus de Milo como uno de los mayores tesoros de la estatuaria griega, destacando su presencia entre la importante colección de antigüedades del Louvre, sin que faltaran detractores eruditos a lo largo del tiempo. Ello dio lugar a una producción innumerable de copias en todos los materiales y a propuestas sobre su reconstrucción, hecho que afortunadamente nunca se produjo, manteniendo un halo de misterio y leyenda que contribuyen a realzar su encanto. Actualmente la Venus de Milo es considerada tan francesa como la Torre Eiffel.

Informe y tratamiento de fotografías: J. M. Travieso.

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5 de noviembre de 2009

Historias de Valladolid: EL SILLÓN DEL DIABLO, la enigmática historia de un maleficio



El Diablo, que todo lo enreda, también estuvo ocupado en Valladolid a mediados del siglo XVI, donde encontró un cómplice en el entorno de las calles Esgueva y la Solanilla. De ello se conserva un testimonio que sigue produciendo temor a cuantos conocen su historia. Se trata de un sillón que el maligno utilizó para obrar sus maleficios originando unos truculentos sucesos que en su tiempo tuvieron en vilo a buena parte de la ciudad y cuyo origen está ligado al desarrollo de los estudios de Medicina en la Universidad de Valladolid.

CONTEXTO HISTÓRICO

Hasta principios del siglo XV la Medicina, como disciplina académica, tuvo en España el mismo rango que la alquimia, la astrología y la botánica, siendo impartida su enseñanza en los llamados Estudios Menores. Su paso a los Estudios Mayores, equiparándose a la Teología y las Leyes, se produjo en la Universidad de Valladolid con motivo de la creación de la cátedra de Medicina, según privilegio real otorgado por Enrique III  de Castilla el 9 de junio de 1404, lo que la convierte en la Facultad universitaria de Medicina más antigua de España.

Estos estudios pioneros, de carácter científico, tuvieron su continuación en 1550 con la fundación en la Universidad de Valladolid de la primera cátedra de Anatomía Humana de España y la tercera del mundo, en virtud de un permiso firmado por el emperador Carlos I que se conserva en el Archivo General de Simancas. La novedad es que en ella se permitía, bajo la dirección del doctor granadino Alonso Fernández de Guevara, las disecciones científicas de cadáveres; para ello se seguía el método de anatomía descriptiva de Andrés Vesalio, cirujano de Carlos I y famoso anatomista autor de “La Fábrica”. En las nuevas dependencias de la facultad, levantadas por el palentino Salvino Sierra en 1916, una placa recuerda este hecho: Anatomices practicae catedra / prima hispaniarum erecta / anno DNI MDL / Carolo I reinante.

Al año siguiente, en 1551, se publicó en Valladolid el “Libro de la anatomía del hombre”, redactado por Bernardino Montaña de Montserrate, que es el primer tratado de anatomía en castellano. Con esta actividad se ponía fin a las creencias y prejuicios medievales sobre el cuerpo humano, que había llevado al papa Bonifacio VIII a decretar una bula prohibiendo la disección y el estudio de cadáveres, cuyo trasfondo era preservar los cuerpos para su resurrección en el Juicio Final.


LA INQUIETANTE HISTORIA

En este contexto universitario de Valladolid recaló Andrés de Proaza, un joven de 22 años de origen portugués que interesado por los conocimientos anatómicos comenzó sus estudios en la nueva facultad hasta alcanzar la licenciatura. Durante su estancia en la ciudad ocupó una vivienda situada en la calle Esgueva, enfrente del desaparecido hospital del mismo nombre, donde al parecer compaginaba sus estudios de medicina con prácticas nigromantes clandestinas.

En aquel año de 1550 desapareció misteriosamente en la ciudad un niño de 9 años y algunos vecinos de Andrés de Proaza denunciaron a las autoridades que en la parte trasera de su casa habían oído llantos y gemidos y que se venían observando restos de sangre en los desagües que llegaban desde la vivienda hasta el ramal del Esgueva que discurría junto a la galería del claustro de la iglesia de la Antigua. Cuando la milicia se personó a inspeccionar la casa por orden judicial, encontraron en el sótano un espectáculo truculento. Allí estaba el infortunado niño colocado sobre una mesa de madera, despedazado y con signos de haber sufrido una autopsia, así como restos de perros y gatos igualmente diseccionados y objetos relacionados con prácticas ocultistas. Inmediatamente fue detenido y conducido a prisión. Esta triste historia es recordada con el nombre de la cafetería “El niño perdido”, situada en el edificio de la calle Esgueva que tiempo después sustituyó al que en el siglo XVI ocupara el malvado estudiante portugués.

Pero si esto ya causó suficiente revuelo, más impacto tuvo su declaración durante el juicio ante el Tribunal de la Inquisición, ya que el portugués afirmó tener un pacto con el diablo y utilizar como médium el sillón de su escritorio que un brujo de Navarra le había regalado y que había fabricado el propio Satanás, en el que una vez sentado recibía toda la sabiduría conocida sobre la práctica de la medicina. Además advirtió que quien utilizara aquel sillón para honrar al maligno recibiría la ciencia infusa o de lo contrario moriría a los tres días, como también recibiría un castigo aquel que osara destruir el mueble. Como consecuencia de estas afirmaciones, fueron requisados todos los enseres de la casa, incluido el sillón maldito.

Condenado por el Santo Oficio a morir públicamente en la horca, sus bienes fueron ofrecidos en subasta pública, pero no se pudieron vender por el temor generalizado a la negra historia que todos conocían, de modo que los muebles acabaron siendo pasto de las llamas. Todos menos el sillón, al que un temor supersticioso, un “por si acaso”, hizo que fuese custodiado en dependencias de la Universidad.

EL SILLÓN COMO FETICHE Y PIEZA DEL PATRIMONIO

La notoriedad del caso hizo que se disparase la imaginación, surgiendo distintas leyendas en torno al sillón, como la de un bedel que lo utilizó al encontrarlo abandonado y le hallaron muerto al tercer día, o las dos mujeres estudiantes que años después desafiaron la maldición sentándose en él, tras lo cual una falleció en accidente y la otra arrastró su mala suerte durante toda su vida.


Estas historias no hicieron más que aumentar el temor que producía el sencillo mueble, al que para prevenir sus influjos maléficos, colgaron patas arriba con unas argollas en la pared de la desaparecida capilla de la Universidad para que nadie lo pudiese utilizar, permaneciendo preservado de esta manera en lugar sagrado durante muchos años. Cuando se derribó el edificio, el célebre sillón fue trasladado al Museo Arqueológico de Valladolid, llegando a ser exhibido dentro de una urna de cristal para evitar el contacto.

El Sillón del Diablo es un mueble en perfecto estado de conservación, elaborado en la segunda mitad del siglo XVI con madera de cedro y acabado en color natural, con el reposo y el respaldo de cuero fijados con grandes clavos. Actualmente puede contemplarse en el Museo de Valladolid, con sede en el renacentista palacio de Fabio Nelli, pero…no se te ocurra utilizarlo aunque sientas un profundo agotamiento, ¡vade retro!

Ilustraciones: 1 Satanás, s. XVIII,  Museo Nacional Colegio de San Gregorio de Valladolid. 2 El célebre "Sillón del Diablo" en el Museo de Valladolid (foto Wikipedia). 3 Grabado alemán con galeno nigromante, s. XVI. 4 Patio de Palacio de Fabio Nelli, sede del Museo de Valladolid, donde actualmente se exhibe el sillón.

Informe y fotografía 1: J. M. Travieso.
Registro Propiedad Intelectual - Código: 1104108944804


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2 de noviembre de 2009

Bordado de musas con hilos de oro: A UN OLMO SECO, de Antonio Machado



A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo
y en su mitad podrido,
con las lluvias de abril y el sol de mayo
algunas hojas verdes le han salido.

¡El olmo centenario en la colina
que lame el Duero! Un musgo amarillento
le mancha la corteza blanquecina
al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores
que guardan el camino y la ribera,
habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera
va trepando por él, y en sus entrañas
urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,
con su hacha el leñador, y el carpintero
te convierta en melena de campana,
lanza de carro o yugo de carreta;
antes que rojo en el hogar, mañana,
ardas en alguna mísera caseta,
al borde de un camino;
antes que te descuaje un torbellino
y tronche el soplo de las sierras blancas;
antes que el río hasta la mar te empuje
por valles y barrancas,
olmo, quiero anotar en mi cartera
la gracia de tu rama verdecida.
Mi corazón espera
también, hacia la luz y hacia la vida,
otro milagro de la primavera.

ANTONIO MACHADO
4 de mayo de 1912

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30 de octubre de 2009

Un museo interesante: El MUSEO DE LA MÚSICA de Urueña (Colección Luis Delgado)



En pleno corazón de Castilla, enclavada en la Tierra de Campos y situada en las estribaciones de los Montes Torozos, ha resistido el paso del tiempo en la provincia de Valladolid la villa medieval de Urueña, todo un reducto de nuestra historia que últimamente ha sabido reinventarse gracias a la iniciativa, el talento, la generosidad y el trabajo de Joaquín Díaz y Luis Delgado, dos personajes muy difíciles de definir porque en ellos concurren los méritos de ser grandes músicos y compositores, investigadores y musicólogos de reconocimiento internacional y sobre todo intelectuales infatigables, cuya labor realizada ha sido ya suficiente para que sus nombres figuren con letras de oro en los anales de la cultura de nuestro tiempo.

Gracias a ellos, la que antaño fuera cabeza del Infantado de Valladolid, hoy pervive convertida en Villa del Libro, un sugestivo título logrado tras el asentamiento dentro de sus murallas de dos instituciones que infundieron nueva vitalidad a tan pintoresco recinto y que son todo un lujo del que gozan los vallisoletanos: La Fundación Joaquín Díaz (Centro Etnográfico) y el Museo de la Música.

La FUNDACIÓN JOAQUÍN DÍAZ, con sede en la Casona de Urueña, un edificio del siglo XVIII que pertenece a la Diputación de Valladolid, es gestionada personalmente por Joaquín Díaz, que con esfuerzo y rigor ha logrado convertir el centro en un prestigioso referente internacional respecto al estudio, la conservación y la transmisión de un legado cultural centrado en la etnografía y el folklore. Poco podemos decir a estas alturas que no se haya dicho, tan sólo recordar que las diversas colecciones que pueden contemplarse o ser objeto de investigación fueron cedidas por su “alma mater”, contando en la actualidad con apartados que no dejan de crecer, tales como la colección de instrumentos musicales tradicionales de Castilla y León, la colección discográfica, la colección de gramófonos, la fonoteca, las colecciones de pliegos de cordel, aleluyas, grabados y fotografías o la colección de campanas, así como la publicación de la “Revista de Folklore” y la revista “Parpalacio”, la edición de discos y la Biblioteca abierta a la consulta, a la que se suman ocasionales exposiciones temporales, siempre de un interés extraordinario.


Menos conocido es el MUSEO DE LA MÚSICA, único en España por sus características, en cuyas dependencias se exhiben permanentemente 500 instrumentos de todo el mundo, tradicionales y modernos, de una colección de más de 1.000, reunidos con paciencia, sacrificio y, sobre todo, vocación, por el madrileño Luis Delgado, un músico que además es capaz de tocar la gran mayoría de ellos y cuya generosidad nos permite compartir un legado que supone un interesantísimo complemento a la Fundación Joaquín Díaz, lo que convierte a la villa de Urueña en referente obligado para todos los amantes de la música tradicional.

Los instrumentos de viento, cuerda y percusión, con una enorme diversidad de formas, diseños y materiales, aparecen clasificados según su procedencia geográfica, aunque entre ellos se pueden establecer cuatro apartados. El primero está constituido por piezas únicas, a modo de reconstrucciones arqueológicas tras un riguroso proceso de investigación, que han sido elaboradas por músicos y luthiers a partir de la iconografía medieval que aparece en tallas, pinturas, códices y miniaturas.

El segundo apartado lo constituyen instrumentos adquiridos por Luis Delgado en distintos países del mundo, siendo símbolos de diferentes culturas, todos ellos con una técnica y una historia particular. El tercer apartado está formado por aquellos instrumentos donados al Museo por personalidades de la música, prevaleciendo el significado sentimental de cada uno de ellos. En el último apartado están aquellos instrumentos de los siglos XVIII al XX que presentan en su acabado decoraciones vistosas y delicadas que les convierten en objetos preciosos.

La colección pone de manifiesto el ingenio y la creatividad humana para crear el arte intangible de la música a partir de materiales tan variados como la piedra, el barro, el hueso, la piel, la madera y los metales. Al atractivo de sus sonidos se suma la variedad de formas y los trabajos que convierten a algunos instrumentos en auténticas obras de arte.

Para su exhibición se construyó un nuevo edificio diseñado con este fin, con una gran sala de dos alturas en las que se abren vitrinas que permiten una adecuada contemplación. Pero además se trata de un museo vivo, ya que estos instrumentos, todos en perfecto estado de conservación, son utilizados, tanto por Luis Delgado como por diferentes grupos, en los trabajos de conciertos, grabaciones y conferencias.

Más información: http://www.luisdelgado.net/museo.htm

LUIS DELGADO

Luis Delgado nace en el barrio de Chamberí, en Madrid el 16 de Julio de 1956 y realiza sus estudios de música con D. Manuel Grandío. Su primer concierto lo da a los 14 años como miembro de la Orquesta de Laudes "Gaspar Sanz", y desde ese momento ha pertenecido a formaciones musicales de diversos tipos y estilos: "Imán" (rock andaluz); "Atrium Musicae" (música antigua); "Babia" (fusión Oriente-Occidente); "Finis Africae" (fusión étnica), "Cálamus" (musica medieval española ), "La Musgaña" (música tradicional), "Musica Antigua" de Eduardo Paniagua, grupo hispano-marroquí "Ibn Baya", etc. Entre sus trabajos como productor podemos encontrar nombres como Amancio Prada, Joaquín Díaz, María del Mar Bonet, Nuestro Pequeño Mundo, Emilio Cao, Luis Paniagua, Javier Bergia, habiendo colaborado también en grabaciones del Grupo de Musica Antigua Alfonso X El Sabio, Pablo Guerrero, Oskorri, Vainica Doble y Kepa Junkera. En la actualidad, además de sus constantes conciertos como intérprete y compositor, forma parte del "Quarteto Medieval de Urueña", colabora habitualmente con el grupo francés de música medieval "Le Tre Fontane" y acompaña a Amancio Prada en directo.

A ello se suma su labor como compositor para distintos planetarios, entre ellos los de Nueva York y Madrid, la composición de bandas sonoras para series de televisión y músicas para ballet y teatro, teniendo publicados 20 discos como artista solista, 22 como miembro de distintos grupos, y haber producido más de 50 trabajos y colaborado en más de 100 grabaciones. Por todo ello ha recibido prestigiosos galardones de carácter nacional e internacional.


Su último trabajo, recogido en el disco “As-sirr”, está dedicado a las muwaxahas, composiciones poéticas originarias de Al-Andalus en el siglo IX, que se extendieron por toda Europa hasta el siglo XIV. Al conservarse los textos, pero no la música, Luis Delgado ha musicado los poemas y para conseguir la máxima pureza de la música andalusí de carácter palatino ha recurrido a miembros de la orquesta del Conservatorio de Tánger, entre ellos Jamal Eddine Ben Allal, director del conservatorio, y Mohamed El Arabi Serghini, extraordinario músico y cantante solista de esta orquesta.

Una muestra de este trabajo, así como de los sonidos de algunos instrumentos del Museo de la Música de Urueña se puede apreciar en el vídeo que se adjunta.

Informe: J. M. Travieso (Información extraida de la web de Luis Delgado).
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29 de octubre de 2009

Exposición: BRILLOS EN BRONCE. COLECCIONES DE REYES, del 9 de noviembre 2009 al 24 de enero 2010



El día 9 de noviembre se inaugura en el Palacio Real de Madrid la exposición “Brillos en bronce. Colecciones de Reyes”, que permanecerá abierta hasta el 24 de enero de 2010. En ella se pueden contemplar treinta y cinco esculturas pertenecientes a las colecciones reunidas por los reyes de España, desde la época de los Austrias hasta los Borbones, acompañándose de pinturas, grabados y libros que ayudan a comprender las circunstancias de cada momento histórico.

La colección de esculturas en bronce tuvo como principales promotores a los reyes Felipe II y Felipe IV, tanto por los encargos realizados como por los regalos diplomáticos recibidos y los legados de algunos nobles. El gusto por el coleccionismo de piezas escultóricas fue continuado en el siglo XVIII por el rey borbón Felipe V, mostrando un cambio de gustos artísticos que afectó a todos los ámbitos del palacio, siendo Carlos IV el último rey que adquirió importantes colecciones palaciegas. La exposición permite contemplar reunido, de forma totalmente excepcional, este importante conjunto de obras que es bastante desconocido por el público, por ser conservadas habitualmente en espacios restringidos.

Entre las obras expuestas, básicamente bustos, retratos ecuestres, personajes mitológicos y figuras de animales, algunas siguen perteneciendo a Patrimonio Nacional, mientras que otras, que también pertenecieron en su día a la corona española, proceden de distintos museos nacionales y extranjeros, entre ellos el Museo del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo de la Casa de la Moneda de Madrid, el Castello Sforzesco de Milán, la National Gallery de Londres, el Detroit Institute of Arts, la Biblioteca Nacional de Francia y la Biblioteca Real de Bélgica.

Palacio Real de Madrid

HORARIO DE VISITAS
De lunes a sábado: de 9,30 a 17 h.
Domingos y festivos: de 9 a 14 h.

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27 de octubre de 2009

Visita virtual: MI ALDEA Y YO, los recuerdos de infancia de Marc Chagall




MI ALDEA Y YO
Marc Chagall (Vitebsk, Bielorrusia 1887 - Saint Paul de Vence, Francia 1985)
1911
Óleo sobre lienzo
Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York
Vanguardias siglo XX. Corriente fauvista, cubista y surrealista


     Cuando uno se encuentra ante una pintura como esta, tan desconcertante a primera vista, experimenta una enigmática atracción muy parecida a la que motivó a Pablo Picasso a hacer un comentario referido a su autor: "Cuando Chagall pinta, no se sabe si está durmiendo o soñando. Debe tener un ángel en algún lugar de su cabeza". Muy ajustado a la sensación que produce, porque en esta pintura vemos cosas reales codificadas con un lenguaje irreal, onírico, siendo posiblemente esa la clave de su atractivo.

     A primera vista observamos como elementos bien reconocibles el rostro de un hombre de gran tamaño y la cabeza de un animal similar a una oveja, así como una mujer ordeñando a una escala inferior, un trabajador y una mujer en posiciones contrapuestas, una mano que sujeta un ramo en primer plano y una serie de casas junto a una iglesia al fondo. Una mirada más detenida nos permite apreciar una línea que une los ojos de las figuras principales, las cuentas de un collar y una medalla al cuello de la que pende una cruz. A partir de ahí pueden comenzar todo tipo de especulaciones para descifrar su significado, algo que se hace imposible si no conocemos la experiencia vital del pintor.

     Cuando Marc Chagall pinta esta obra tiene 24 años y vive en París. El pintor había nacido el 7 de julio de 1887 en el gueto judío de la localidad de Vitebsk, en Bielorrusia, en el seno de una modesta familia compuesta por sus padres y nueve hermanos de los cuales era el mayor. Mientras el padre trabajaba en una fábrica de salazón de arenques, su madre se dedicaba a las tareas domésticas, sacando adelante con mucho esfuerzo a la numerosa prole. Está claro que aquellos esfuerzos paternos, especialmente los de la madre que les cuidaba, alimentaba y abrigaba en los duros inviernos, quedaron grabados en la fina sensibilidad del artista.


     En el ambiente un tanto sórdido de su pueblo natal, Marc demostró desde muy joven una especial habilidad para la pintura, pero no fue hasta 1907, cuando tenía 19 años, que pudo trasladarse a San Petersburgo para estudiar en la Escuela de Bellas Artes (Sociedad de Patrocinadores del Arte), donde pronto apreciaron sus dotes creativas. Pasado poco tiempo, un diputado de la duma, Vivaner, le pondría en contacto con Lev Baskt, un famoso escenógrafo de los Ballets Rusos. También sería Vivaner quien en 1910 le concedió una beca para poder estudiar en París. Allí permaneció hasta 1915, año en que regresa a Vitebsk y se casa con la judía Bella Rosendfeld, con la que en 1916 tuvo una hija llamada Ida.

     Durante esta primera estancia en París, cuna de las vanguardias pictóricas del siglo XX, su pintura experimentaría una transformación radical tras ponerse en contacto con las nuevas tendencias. Sobre una base formativa influida por el expresionismo ruso, comenzó a utilizar los brillantes colores aportados por los fauvistas, ajustó las composiciones a los esquemas mentales del cubismo y asumió la búsqueda formal del surrealismo, siempre permaneciendo en el límite de estas corrientes, sin penetrar plenamente en ellas. Todos estos planteamientos estéticos fueron aplicados por Chagall a unos temas basados en su experiencia personal. El alejamiento de su cultura y su tierra natal, pero sobre todo de su familia, produjeron en el artista una fuerte nostalgia que quedaría plasmada en las obras de esa época, siempre con temas referidos a los paisajes de su tierra, a los recuerdos de su infancia, al trabajo de los campesinos y a las celebraciones de la comunidad judía, que son el repertorio habitual de las obras que presentó en exposiciones de París y Berlín celebradas esos años, en las que dejó definido su personal estilo, siempre sugerente, emotivo y poético.

     En esta época, concretamente en 1911, Chagall pinta “Mi aldea y yo”, donde con su peculiar lenguaje plástico plasma el recuerdo de su madre y su deseo de reencontrarse con ella, pues ese es el contenido simbólico del cuadro.
El pintor se autorretrata como el joven que era, con el típico gorro usado por los judíos en Vitebsk y con una medalla al cuello que proclama sus creencias religiosas. En su mano sujeta un ramo de flores y frutos que deseoso ofrece a su madre. Sí, su madre está representada en forma de cabeza de cordero, pues el cordero era el centro principal de las fiestas judías, por eso identifica a su madre con lo más importante, colocándole un festivo collar y asociando el recuerdo maternal con la leche que su madre le proporcionaba en su infancia. La presencia de la vaca también expresa una añoranza por el mundo bucólico de los animales y la naturaleza de su tierra, elementos pocos habituales en el cosmopolita ambiente parisino donde recreaba sus recuerdos.


     Tampoco falta una alusión a su padre, representado a su vuelta del trabajo, en el momento en que es recibido con alegría por su esposa, alegría simbolizada por la colocación del cuerpo al revés, un recurso muy repetido por el pintor. Al fondo aparece la aldea natal que da título a la obra, destacando entre el caserío la torre de la iglesia y un pórtico en el que asoma un sacerdote o rabino, poniendo de manifiesto la importancia de los ritos religiosos en la comunidad.

     Toda la alegría al recordar a su madre está representada de acuerdo a la subjetividad psicológica planteada por Freud, lo que le proporciona un contenido surrealista, con imágenes que sugieren los recuerdos de un sueño. Formalmente, y a partir de los postulados del expresionismo ruso, en la escena recurre a una descomposición en planos propia del Cubismo, lo que le permite ordenar las ideas, con predomino en las líneas maestras de rectas y círculos, en la línea de la pintura abstracta promovida en Francia por Robert Delaunay. Las líneas rectas que delimitan los distintos planos convergen de forma radial en el punto donde se encuentra la boca del cordero, es decir, de su madre, que de forma simbólica se convierte en el principio ordenador de toda la composición. En cuanto al uso del color adopta las experiencias de los fauves, que el pintor repetirá continuamente, en este caso apreciable sobre todo en el rostro verde y en el contraste colorista entre la aldea y el cielo negro.

      Este cuadro representa una buena muestra del estilo, tan difícil de definir, que consolidó el pintor en su juventud y que mantuvo durante toda su vida. En su obra siempre se apreciaría una añoranza por su tierra y su cultura, una melancolía canalizada a través de un creativo mundo fantástico que son una respuesta vital al convulsivo mundo que le tocó vivir, sobre todo después de la Revolución Rusa de 1917 y la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), con las persecuciones del Holocausto, hechos que le llevaron a residir sucesivamente en Moscú, Berlín y Nueva York, aunque sería en Francia donde llegaría a encontrar su residencia definitiva, viviendo en Saint Paul de Vence, cerca de Niza, desde 1950 hasta su muerte en 1985.

Informe y tratamiento de imágenes: J. M. Travieso.

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25 de octubre de 2009

Exposición: MAÍNO, UN MAESTRO POR DESCUBRIR, del 20 de octubre 2009 al 17 de enero 2010



En el Museo del Prado se presenta la primera exposición antológica dedicada a la obra de Juan Bautista Maíno, pintor barroco nacido en 1581 en la villa ducal de Pastrana (Guadalajara) que siguió de cerca las enseñanzas de Caravaggio y Velázquez hasta convertirse en uno de los mejores artistas de la primera mitad del siglo XVII en España, llegando a trabajar en la corte como profesor de dibujo del rey Felipe IV.

Este pintor, un tanto desconocido por el brillo de los grandes maestros del Siglo de Oro español, realizó una corta producción reducida a unas 40 pinturas, de las cuales se exponen en la muestra 35, algunas nunca exhibidas y otras procedentes de Suiza y Rusia, ofreciendo especial interés la posibilidad de contemplar las diez pinturas que integraron el Retablo de San Pedro Mártir, realizadas en 1613 cuando el pintor ingresó como dominico en Toledo, alguna de las cuales, como “La Adoración de los Pastores” y “La Adoración de los Magos” son su obra más conocida, que junto a la célebre pintura de contenido histórico “La recuperación de Bahía” (1635) se conservan en el Prado.
Complementando la obra personal de Maíno se exponen otras 31 obras pertenecientes a los artistas que más influyeron en su formación.

En torno a la exposición, se ha completado en profundidad el estudio de la obra del pintor y su biografía, difusa hasta hace poco tiempo. Hijo de un comerciante procedente de Milán, vivió en Madrid su juventud, desde donde viajó a Italia hacia 1600, en un momento en que triunfaba el naturalismo de Caravaggio, basado en el claroscuro, y el nuevo clasicismo de Annibale Carracci. De uno y de otro aplicó el dibujo vigoroso, la monumentalidad escultórica basada en la luz y el rico colorido, revelándose además como un extraordinario retratista y paisajista.

Museo del Prado, Madrid

HORARIO DE VISITAS
De martes a domingos de 9 a 20 h.
El acceso a esta exposición está incluido en el precio de la entrada para la colección permanente y será gratuito en las mismas franjas horarias establecidas para el acceso libre a la misma: de martes a sábados, de 18 a 20h; domingos y festivos, de 17 a 20h; y, durante toda la jornada de apertura, los día 19 de noviembre (Aniversario del Museo) y 6 de diciembre (Día de la Constitución).

TARIFAS
General: 8 € en taquillas y expendedores automáticos. 7€ en venta anticipada online o por teléfono.
Reducida: 4 € en taquillas y expendedores automáticos. 3.5€ en venta anticipada online o por teléfono.
Entrada gratuita: menores de 18 años, mayores de 65, desempleados y estudiantes de la UE menores de 25 años.

Más información en la página del Museo del Prado que figura en los “Enlaces interesantes” de la parte izquierda.

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Exposición: MIRAR Y SER VISTO, del 7 de octubre al 20 de diciembre 2009



Desde el 7 de octubre hasta el 20 de diciembre en la Fundación Mapfre de Madrid se presenta la exposición dedicada al género del retrato “Mirar y ser visto”, en la que se exhiben 33 pinturas procedentes del Museo de Arte de Sao Paulo, Brasil, todas ellas pertenecientes a grandes maestros de la pintura.

La muestra está dividida en dos apartados, uno denominado “Retratos de solemnidad”, que recoge retratos clásicos de autores como Tiziano, Velázquez, Frans Hals, Van Dick, Jean Baptiste Simeon Chardin, Thomas Gainsborough, Fragonard, Goya y Henry Reaburn, y otro titulado “Retratos modernos”, con obras de Ingres, Corot, Courbet, Manet, Cézanne, Renoir, Toulouse-Lautrec, Picasso y Modigliani.

FUNDACIÓN MAPFRE – SALA RECOLETOS
Paseo de Recoletos, 23 Madrid


HORARIO DE VISITAS
Lunes: de 14 a 20 h.
De martes a sábado: de 10 a 20 h.
Domingos y festivos: de 12 a 20 h.

Entrada gratuita

Para más información: http://www.exposicionesmapfrearte.com/mirar/

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23 de octubre de 2009

VIAJE: NACIMIENTO DEL RÍO CUERVO, LAGUNAS DE CAÑADA DEL HOYO Y CUENCA, 14 y 15 de noviembre 2009



PROGRAMA

14.11.09
Salida a las 7,10 desde parada de taxis Vallsur (Camino Viejo de Simancas) y a las 7,30 desde Plaza de Colón con dirección a la provincia de Cuenca para visitar el nacimiento del río Cuervo. Después del almuerzo salida hacia Tragacete, visita de la Ciudad Encantada y hoces. Llegada a Cuenca. Cena y alojamiento.

15.11.09
Salida a las 9 h. hacia el centro urbano de Cuenca. Visita de la catedral, museos y ciudad. Alrededor de las 12,00 h. salida para visitar las lagunas de Cañada del Hoyo. Regreso a Cuenca para el almuerzo. Al finalizar, salida de regreso hacia Valladolid, donde está previsto llegar a última hora de la tarde-noche.

REQUISITOS: Grupo máximo de 40 y mínimo de 30 personas.

PRECIO: Socio 102 € / No socio 110 € / Precio habitación individual socio 154 €
Incluye:
- Viaje en autocar
- Dossier del viaje.
- Cena, alojamiento y desayuno en el hotel NH de Cuenca.
- Habitación doble.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS:
Socios: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608419228 de 18 a 20,30 h. desde la publicación del anuncio hasta el 30.10.2009.
No socios: Del mismo modo a partir del 30.10.2009.

S.G.V.
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