Mesa redonda: ANACRONISMOS EN EL MUSEO. EL ARTE CONTEMPORÁNEO EN TIERRA HOSTIL, 15 de enero 2015

MUSEO NACIONAL DE ESCULTURA. PALACIO VILLENA

Calle Cadenas de San Gregorio, Valladolid

Mesa redonda: Público y expertos analizarán el fenómeno de la conquista del arte contemporáneo sobre espacios que antes le estaban vetados, como son los museos de arte clásico.

Jueves 15 de enero

Salón de Actos del Palacio Villena, 19 h.

ANACRONISMOS EN EL MUSEO. EL ARTE CONTEMPORÁNEO EN TIERRA HOSTIL

Fernando Castro, crítico de arte y profesor de la Universidad Autónoma de Madrid.

Fernando Checa, catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid.

Javier Arnaldo, profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid.

Entrada libre hasta completar aforo.

* * * * *

VIAJE: UZBEKISTÁN / RUTA DE LA SEDA, del 28 de marzo al 6 de abril 2015

PROGRAMA

Sábado, 28 de marzo  VALLADOLID - MADRID - ESTAMBUL

A las 18,15 desde Vallsur y a las 18,30 h. desde la plaza de Colón con dirección a Madrid-Barajas. A las 21,30 h. presentación en el aeropuerto Adolfo Suárez, mostradores de Turkish Airlines.A las 23.55 h. salida en el vuelo TK 1358 con destino a Estambul.

Domingo, 29 de marzo  ESTAMBUL - TASHKENT

Llegada a Estambul a las 05,55 hora local. Traslado al hotel y descanso. Visita panorámica de la ciudad y almuerzo. A la hora prevista traslado al aeropuerto para salir en vuelo TK 370 a las 19,10 h. con destino a Tashkent.

Lunes, 30 de marzo   TASHKENT

 Llegada a Tashkent a la 1.40 hora local. Traslado al hotel. Visita de la ciudad antigua: (Hasti Imam, Madraza Barak Kan, Madraza Kafal Shohi, Madraza Kukeldash). Almuerzo. Visita panorámica de Tashkent (Plaza de Amir Temur, Plaza de la Independencia y Museo de Artes Aplicadas. Cena y alojamiento.

Martes, 31 de marzo   TASHKENT - URGERNCH - KHIVA - BUJARA

Desayuno. Traslado al aeropuerto para tomar el vuelo HY 1055 a las 8,30 h. con destino a Urgench, desde donde nos dirigiremos a la ciudad de Khiva. Llegada a Urgench. Traslado a Khiva.Visita de la antigua ciudad de Itchan Kalá, Minarete de Kalta Minor, Mezquita de Juma, Madraza Islamhodzhi, Mausoleo de Saida Allautdina. Almuerzo. Visita del complejo arquitectónico Tash Hovli, Mausoleo de Pahlavan Mahmud, Mezquita Juma. Cena. Traslado al aeropuerto de Urgench (30 km) para tomar el vuelo HY 1058 a las 21,10 h. hacia Bujara. A las 22.10 h. llegada a Bujara y alojamiento.

Miércoles, 1 de abril  BUJARA

Desayuno. Visita panorámica de Bujara. Almuerzo. Visita del Minarete Kalyan, Mezquita Kalyan, Mezquitas “Boloi Havz” y “Chashmai Aiub”, conjunto arquitectónico “Poi-Kalyan”: Minarete Kalyan, Mezquita Kalyan, Madraza Mir-i-Arab. Mezquita “Maggoki-Attori”, Madrazas “Ulugbeka” y “Abdulazizhana”, conjunto arquitectónico Liabi Hauz. Cena y alojamiento.

Jueves, 2 de abril  BUJARA - SHAJRIZABS - SAMARCANDA

Desayuno. Salida hacia Shajrizabs, visita Palacio Ak-Saray; complejo Dor-ut Saodat: (Mezquita Jasrati Imom, Mausoleo de Jahongir y cripta); complejo Dor-ut Tillovat (Gumbazi-saidon; Mezquita Kok gumbaz).Almuerzo.Salida con destino a Samarcanda
(130 km). Cena y alojamiento.

Viernes, 3 de abril  SAMARCANDA

Desayuno. Visita panorámica de Samarcanda, Ciudad antigua. Registán: madraza Sher-Dor, madraza Tillya–Kori, madraza Ulugbek, Mausoleo Gur Emira. Almuerzo. Mezquita Bibi-Khonum y Bazar Siab. Cena y alojamiento.

Sábado, 4 de abril   SAMARCANDA

Desayuno. Continuación de la visita de Samarcanda, Observatorio de Ulughbek, (se alza sobre el monte de Chupan–Ata, a las afueras de Samarcanda). Museo de la ciudad antigua Afrosiyab. Necrópolis de Shah-i-Zinda. Almuerzo. Traslado a la estación de ferrocarril para coger el tren de alta velocidad Afrosiab hacia Tashkent (17:00-19:10). Cena y alojamiento

Domingo, de 5 abril  TASHKENT

Desayuno. Visita bazar Chorsu, Museo de historia de los pueblos de Uzbekistan. Almuerzo, Museo de la biblioteca, Plaza Mustaqillik, (Dom Forum). Cena y alojamiento

Lunes, 6 de abril   TASHKENT - ESTAMBUL - MADRID - VALLADOLID

3,05 h. Salida en vuelo TK 371 con destino a Estambul. 6.25 h. Llegada a Estambul y conexión con el vuelo TK 1857 a las 07,50 h. destino Madrid. 11.30 h. llegada a Madrid y continuación del viaje a Valladolid. Llegada a las 14,30 h.

  

PRECIO SOCIO: 1945 € (habitación doble).

PRECIO NO SOCIO: 1995 € (habitación doble).

Suplemento habitación individual: 275 €.

INCLUYE:     

* Billetes aéreos en clase turista, tarifa especial, Turkish Airlines.

* Vuelo Tashkent-Urgench (clase económica).

* Vuelo Urgench-Bujara (clase económica).

* Alojamiento en los hoteles indicados. En Estambul un hotel cercano al aeropuerto para Day Use de las habitaciones.

* Traslados según programa.

* Todas las visitas y entradas según programa.

* 7 desayunos en hoteles.

* 6 almuerzos en restaurantes de ciudades.

* 6 cenas en restaurantes de ciudades.

* Guías locales de habla hispana para todas las visitas y traslados según programa.

* Transporte en autocar climatizado durante visitas y traslados.

* Tren de alta velocidad Samarcanda-Tashkent (clase económica).

* Guía Domus Pucelae.

* Dossier Domus Pucelae.

* Trámite y costo de la emisión de los visados de Uzbekistan.

* Tasas de Aeropuerto 301 €, a día de hoy, sujetas a variación hasta emisión de los billetes de avión.

* Seguro de viaje.

 Itinerario y visitas puede sufrir alguna modificación sin perder el contenido del conjunto.

NO INCLUYE:          

* Visado Turquía pago directo aeropuerto 15 LT aproximadamente 10 €.

* Tasa para tomar fotos o videos (en los sitios históricos).

* Propinas y gastos personales o cualquier otro servicio no incluido en el itinerario.

* Los posibles incrementos, modificación precio carburante, variación en el cambio de moneda, incrementos del coste de tasas aeropuerto, aumento valor impuestos, …

* Extras en hoteles, bebidas en comidas, propinas.

* Ningún servicio no especificado en el apartado anterior.

REQUISITOS:

El viaje está calculado para 30 personas.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 a partir de las 0 horas del 14 de enero.

Plazo máximo de reserva, incluido pago de reserva: 28 de enero 2015.

Datos imperativo para la reserva: nombre, dos apellidos (mismos que en pasaporte), DNI, número de socio, nº teléfono fijo y móvil, dirección de correo electrónico, domicilio postal completo, incluido código postal.

Forma de pago:

- Fecha límite pago de reserva 24 de enero: 300 €

- Fecha límite de 1º plazo 16 de febrero: 700 €

- Fecha límite de la totalidad 6 de marzo: 945 €

(No socios + 50 €).

* Penalización por baja y/o anulación de la reserva: gastos de gestión 300 €.

Ingresos en Viajes Halcón, c/ San Lorenzo 4, - 47001 Valladolid - Telf.: 983 990472.

* * * * * 

VIAJE: SIERRA DE GATA / Primer viaje, del 20 al 22 de febrero 2015

PROGRAMA

Viernes 20 de febrero

Salida a las 15,45 h. desde Vallsur y a las 16 h. desde la plaza de Colón con dirección a San Martín de Trevejo. Llegada a la Hospedería situada en las afueras de la localidad.  Cena y  alojamiento  en la Hospedería Conventual Sierra de Gata (4 *).

Sábado 21 de febrero

Salida hacia Iddanha a Velha. Comida en Monfortiño. Visita a Coria. A últimas horas de la tarde regreso a la Hospedería en San Martín de Trevejo, con parada en Hoyos. Cena y alojamiento en la Hospedería.

Domingo 22 de febrero

Salida hacia Robledillo de Gata, con visita a la localidad y al molino de aceite. Traslado para visitar Gata y Acebo. Comida en la Hospedería de San Martin de Trevejo y visita a esta localidad serrana. Regreso a Valladolid, con llegada prevista a últimas horas de la tarde.

  

PRECIO SOCIO: 170 € (habitación doble).

PRECIO NO SOCIO: 175 € (habitación doble).

PRECIO SOCIO: 200 € (habitación individual).

PRECIO NO SOCIO: 210 € (habitación individual).

INCLUYE:     

Viaje en bus por todo el recorrido señalado.

Dossier.

Seguro de viaje.

Entrada a las visitas especificadas.         

Pensión completa y comida en Monfortiño-buffet.

NO INCLUYE:          

Visitas guiadas a las localidades y entradas a los monumentos.

REQUISITOS:

Grupo mínimo 35 personas.

INFORMACIÓN Y RESERVA DE PLAZAS: Por correo en la dirección domuspucelae@gmail.com o llamando al teléfono 608 419228 a partir de las 0 horas del 14 de enero.

* * * * * 

Música en enero: JESU JOY OF MAN'S DESIRING (BACH), por Celtic Woman

Celtic Woman es una agrupación musical compuesta actualmente por 5 mujeres irlandesas: las vocalistas Mairéad Carlin, Lisa Lambe, Susan McFadden, Lynn Hilary y la violinista Máiréad Nesbitt. El rango del repertorio del grupo va desde la tradicional música celta a canciones populares y versiones de música clásica, como es el caso de Jesu joy of man's desiring (Jesús, alegría de los hombres), décimo movimiento de una cantata de Johann Sebastian Bach.  

* * * * *

Visita virtual: ADÁN, la tragedia superada por la nueva tecnología

ADÁN

Tullio Lombardo (Padua, h. 1455 - Venecia 1532)

Entre 1490 y 1495

Mármol

The Metropolitan Museum, Nueva York

Escultura renacentista italiana del Quattrocento.
Escuela veneciana

Tullio Lombardo es un arquitecto y escultor italiano no demasiado conocido por el gran público, a pesar de haber dejado un impresionante legado artístico en la Venecia renacentista. Nacido en Padua a mediados del Quattrocento, era hijo del afamado arquitecto Pietro Lombardo, que embelleció Venecia con edificios tan pintorescos como la Scuola di San Marco y la iglesia de Santa Maria dei Miracoli, en los que supo imponer una tendencia decorativista, arraigada en la tradición medieval veneciana, mediante el juego de elementos polícromos en mármol de diseño clasicista. Sus dos hijos, Tullio y Antonio, seguirían sus pasos en el campo de la escultura y la arquitectura.

Tullio, que comenzó su aprendizaje en el taller veneciano de su padre, inició su actividad colaborando en el presbiterio de la iglesia de San Giobbe, aunque su primera obra escultórica importante la realizaría en 1481 para el patio de Santa Maria dei Miracoli. Más tarde, entre 1485 y 1490, trabaja en la capilla que el obispo Zanetti disponía en la catedral de Treviso, donde se ocupó de la arquitectura y de la escultura funeraria. Tras el incendio en 1485 de la Scuola Grande di San Marco, su padre tuvo que ocuparse de la planta baja y la fachada, aportando Tullio Lombardo los relieves con escenas de San Marcos y los leones incrustados dentro de falsos arcos, obra en la que el artista ya demuestra una gran madurez caracterizada por la inspiración directa en los modelos clásicos, demostrando haber estudiado a fondo los relieves del Arco de Constantino de Roma. Tampoco es ajeno a las realizaciones de los grandes maestros de su tiempo en Lombardía, como lo demuestra en la Última Cena de la iglesia de Santa María dei Miracoli, claramente inspirada en el célebre fresco de Leonardo en Milán.

Tullio Lombardo. Busto de Cristo. Museo del Bargello, Florencia

Con un estilo muy definido, decantado definitivamente hacia el clasicismo, remata a principios de los noventa del siglo XV el sepulcro del dux Andrea Vendramin en Santa Maria dei Servi, donde incorpora una figura de Adán, una obra maestra en la que recrea las representaciones romanas de Antinoo y de la que debió de sentirse orgulloso, pues dejó plasmada su firma en la base. De esta escultura, uno de los primeros ejemplos de desnudo clasicista en la Venecia renacentista, trataremos después.

A partir de aquellos años, coincidiendo con el paso del siglo XV al XVI, Tullio Lombardo depuraría sus obras con gran virtuosismo atraído por la antigüedad clásica, siempre con una ejecución técnica impecable y demostrando un total dominio del trabajo en mármol en obras que en ocasiones podrían pasar por auténticas esculturas romanas. Por sus obras distribuidas por Venecia y sus inmediaciones, puede ser considerado como uno de los mejores representantes de la escultura veneciana del Quattrocento. Son muchas y exquisitas las esculturas que lo demuestran, como el friso de la capilla Cornaro de Santa Maria dei Frari, el altorrelieve de Baco y Ariadna, realizado hacia 1505, que se conserva en el Kunsthistorisches Museum de Viena, los conocidos relieves con milagros de San Antonio que adornan el sepulcro del santo en la basílica de Padua y la importante serie de obras conservadas en importantes museos, como el sepulcro de Guidarello Guidarelli del Museo de Arte de Ravena, el busto de Cristo del Museo del Bargello de Florencia, el Joven desnudo del Museo del Prado, el altorrelieve con bustos de hombre y mujer del Museo Nacional Brukenthal de Sibiu (Rumanía), etc.

Tullio Lombardo. Baco y Ariadna, 1505, Kunsthistorisches Museum, Viena 

Tullio Lombardo fue un escultor que contribuyó a crear los nuevos ideales de belleza renacentista desde un planteamiento poético y nostálgico de la antigüedad clásica, consiguiendo fusionar, con sus imaginativas evocaciones, la antigüedad con el Renacimiento y lo sagrado con lo profano, creando, en definitiva, una nueva forma de arte.

INCIDENTE Y RECONSTRUCCIÓN EN EL METROPOLITAN MUSEUM

Ya hemos citado que la escultura de Adán fue realizada por Tullio Lombardo, junto a otras que representan virtudes y glorias militares, para el sepulcro de Andrea Vendramin, por entonces dux de Venecia, en la iglesia de Santa Maria dei Servi, en el que también aparece retratado el gobernante. En 1812 esta monumental tumba sería desmantelada y reconstruida en la iglesia de San Zanipolo, el templo funerario más importante de los dogos venecianos, prescindiendo en esta operación de la escultura de Adán, que fue trasladada a la basílica de Santi Giovanni e Paolo. Desde allí pasó al patio del palacio Vendramin Calergi, que en 1844 fue comprado por la duquesa de Berry, cuyos descendientes vendieron la escultura a un banquero parisino. Cuando este falleció, su viuda la entregó a un marchante de arte en 1935, siendo adquirida al año siguiente por el Metropolitan Museum de Nueva York, donde también la esperaba un azaroso destino como ahora veremos.

Tullio Lombardo. Sepulcro de Guidarello Guidarelli, Museo de Arte, Rávena

El año 2002 la escultura de Adán iba a adquirir un fuerte protagonismo como consecuencia de una tragedia. El 6 de octubre de aquel año, al llegar los trabajadores del Metropolitan Museum, se encontraron que se había desmoronado el pedestal que sustentaba la escultura y que esta había impactado contra el suelo, desintegrándose en 28 trozos y centenares de pequeños fragmentos marmóreos. El hecho causó conmoción en el mundo del arte y la noticia fue difundida por todos los medios.

Desde un primer momento se planteó su restauración, pero nadie sabía que el minucioso proceso llevaría a los restauradores casi doce años de intenso trabajo hasta recuperar su aspecto original. En el proceso de laboratorio, con todas las fases del proceso perfectamente documentadas, se aplicaron las tecnologías más vanguardistas en el campo de la restauración, entre ellas el mapeado con rayos láser, que permitió recrear en tres dimensiones las proporciones exactas y las características de la escultura original. Con ello se pudieron conocer las partes más sometidas a presión por el peso del mármol una vez reconstruida la obra. Para paliar este problema se diseñaron unas agujas de fibra de vidrio que se insertaron en los tobillos y en una de las rodillas para reforzar la estructura, complementándose con la elaboración de un adhesivo, más flexible que los conocidos hasta entonces, para unir con paciencia, y utilizando sofisticados útiles, la multitud de fragmentos que previamente habían sido escaneados informáticamente y estudiados con detalle.

El proceso, en el que junto a restauradores de arte intervinieron científicos, ingenieros e informáticos, terminaba el 1 de abril de 2013 con la colocación de la cabeza después de haber rellenado las diminutas carencias de material ajustándolas al aspecto del mármol, de modo que las cicatrices del accidente, aunque son perceptibles si se observa con detalle, prácticamente pasan desapercibidas.

La obra recuperada fue presentada en el Metropolitan Museum con una exposición monográfica en la que se mostró el largo proceso de recuperación, inaugurando al tiempo una nueva galería dedicada a la escultura veneciana. Para encuadrar la escultura se ha diseñado una sala con la forma de un cubo perfecto, basada en los ideales de la proporción áurea del Renacimiento, reservando para Adán un nicho que recuerda su disposición en el sepulcro original de Andrea Vendramin. En este espacio de remanso también se han colocado otras obras venecianas, como la recientemente adquirida Santa Catalina de Alejandría de Cristoforo Solari.   

Informe: J. M. Travieso.

 

* * * * *

Domus Pucelae prepara una nueva publicación en 2015: DIBUJOS DE VALLADOLID, de Valentín Carderera

Para el año 2015 Domus Pucelae se ha propuesto un importante reto editorial: publicar la colección de dibujos de monumentos de Castilla y León realizados por Valentín Carderera a partir de 1836, entre ellos aquellos dedicados a Valladolid.

Pintor, arqueólogo, historiador de arte, coleccionista y bibliófilo fueron algunas de las ocupaciones de Valentín Carderera tras haber realizado su formación en Huesca, Zaragoza, Madrid y Roma. En 1836, a causa del proceso desamortizador, fue comisionado por el gobierno del momento para inventariar los monasterios afectados en las provincias de Valladolid, Palencia, Burgos y Salamanca, provincias por las que se desplazó realizando una importante colección de bocetos y dibujos a los que el tiempo ha convertido en impagables testimonios gráficos de nuestro patrimonio, en unos casos plasmando monumentos que todavía se conservan y en otros, ¡oh, fatalidad!, tristemente desaparecidos.

A través de sus dibujos y como un ejercicio de nostalgia, hoy podemos hacer un viaje en el tiempo para recordar las grandezas de nuestra ciudad y de otras ciudades hermanas. Gracias al artista oscense, podemos recomponer mentalmente el aspecto de algunas capillas del desaparecido convento de San Francisco, el curso del Esgueva discurriendo junto a la iglesia de la Antigua, las salas del Colegio de San Gregorio antes de convertirse en museo, el aspecto original de la Casa de Berruguete, la magnificencia del Palacio Real y sus derivaciones hacia el Pisuerga en el palacio de los Condes de Benavente, la fachada del Palacio del Almirante sobre el que se levantó el Teatro Calderón, la romántica imagen de algunas iglesias...

Domus Pucelae ha decidido asumir la publicación de este importante legado, parte del cual se conserva en la Fundación Lázaro Galdiano de Madrid, para lo cual ya ha realizado los trámites oportunos y obtenido las licencias oportunas con la intención de llenar una laguna documental que nuestra historiografía estaba pidiendo a gritos, a pesar del esfuerzo económico que ello supone.

Pero entendemos que este es otro modo de amar a Valladolid y de reivindicar su historia, por lo que afrontamos el empeño con ilusión. Seguiremos informando en su oportuno momento.

* * * * *

Socios de Domus Pucelae: ASAMBLEA GENERAL, 10 de enero 2015

Se comunica a todos los socios la convocatoria de Asamblea General:

DÍA: Sábado 10 de enero de 2015

HORA: 11,30 primera convocatoria/ 12 segunda convocatoria

LUGAR: Salón de Actos del Centro Cívico Bailarín Vicente Escudero, c/ Travesía de la Verbena, Valladolid

Orden del día:

1 Lectura y aprobación, si procede, del Acta de la asamblea anterior.

2 Lectura y aprobación, si procede, del Balance económico 2014.

3 Presentación de actividades para 2015.

4 Presupuesto 2015.

5 Elección de cargos: Presidente, Vicepresidente, Tesorero, Secretario, Vicesecretario y tres vocales.

6 Ruegos y preguntas.

Convocan: Secretario y Presidente de Domus Pucelae.

A. C. Domus Pucelae

* * * * * 

Fastiginia: Iconografía vallisoletana de Gabriel Osmundo Gómez en el Ayuntamiento de Valladolid

Estampas y recuerdos de Valladolid

En el siglo XIX, el edificio del primitivo Ayuntamiento de Valladolid, aquel que proyectara en 1561 Juan Sanz de Escalante y modificaran después Francisco de Salamanca y Juan de Herrera, comenzó a presentar síntomas de ruina e incapacidad, por lo que en 1879, por iniciativa del alcalde Miguel Íscar, se realizó un informe sobre su seguridad, cuyas consecuencias inmediatas fueron el acuerdo de su derribo y la construcción de un nuevo edificio más acorde con los nuevos tiempos y, sobre todo, más amplio y mejor dotado.

Para ello, en 1880 se convocó un concurso público de proyectos que fue ganado por Antonio Iturralde Montel. El diseño, que ya había sido cuestionado por la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción, conocería nuevas complicaciones cuando en 1893, un año después de iniciarse las obras, comenzaron las discrepancias entre el arquitecto y el Ayuntamiento, lo que originó la paralización de los trabajos y la rescisión del contrato cuando Antonio Iturralde murió en 1897.

Buscando un arquitecto alternativo, el Ayuntamiento eligió entre las seis candidaturas presentadas la del abulense Enrique María Repullés y Vargas, que modificó por completo el proyecto inicial y derribó todo lo realizado hasta ese momento, planteando un edificio de estilo ecléctico, una corriente muy en boga en la época, en el que prevalece la inspiración renacentista relacionada con el Palacio Monterrey de Salamanca, como también ocurriría tiempo después en la nueva Academia de Caballería, levantada entre 1921 y 1924 por el comandante de ingenieros Adolfo Pierrad Pérez.

El edificio de Repullés mantuvo en parte el arquetipo del estilo de los Austrias, con torres en los extremos y un patio interior, aunque incorporó numerosas novedades, entre ellas una torre con reloj, un pórtico y un gran balcón en el cuerpo central de la fachada, tal y como hoy se presenta. La relativa austeridad del exterior contrasta con la suntuosidad del interior, destacando la escalera de tipo imperial en mármol y bronce, diseñada por los hermanos Gargalló, el Salón de Plenos decorado por Algueró, la serie de despachos y el espacioso Salón de Recepciones desde el que se accede al balcón, compartiendo las dependencias una decoración con recreaciones historicistas de gran belleza en pinturas murales, vidrieras, estucados, etc. El nuevo edificio fue inaugurado solemnemente el 19 de septiembre de 1908.

Uno de los espacios más representativos es el citado Salón de Recepciones, una espaciosa sala rectangular con el suelo recubierto de maderas nobles y los muros y bóveda con decoración neorrenacentista de gran riqueza, ideada por los hermanos Gargalló, con frisos, pilastras y columnas adosadas de aire plateresco, no faltando grandes vidrieras con motivos alegóricos y plafones en los techos para albergar pinturas de gran formato que proclaman las excelencias de Valladolid. Por estar destinado a los actos protocolarios, institucionales y representativos, se buscó a un pintor de prestigio que, como en otras importantes obras decimonónicas de la ciudad —Salón de Baile del Casino de Recreo, Escalera del Palacio Real, Pasaje Gutiérrez, etc.— realizara pinturas murales de gran formato que en este caso tendrían una repercusión estética fundamental.

El pintor elegido fue Gabriel Osmundo Gómez (1867-1915), cuyo estudio era uno de los más valorados en la ciudad en las postrimerías del siglo XIX. Gabriel Osmundo,  al que se le conocía por el apodo de "El Mulato", había nacido en Cuba, aunque de padres vallisoletanos, era en ese momento un modesto pintor que luchaba por conseguir importantes contratos. Con el tiempo se revelaría como un excelente paisajista al que no fueron ajenas las vanguardias, dominando el género del retrato (entre ellos el del rey Alfonso XIII), la pintura religiosa, los bodegones y especialmente la pintura costumbrista, en la que refleja tanto celebraciones y rincones vallisoletanos como aspectos del trabajo campesino y marinero a través de tipos populares. Se conservan de su mano atractivos bocetos y delicadas acuarelas, así como algunas incursiones en temas literarios, como la Leyenda del Campo Grande recogida por Zorrilla, que plasmó en su pintura "Tradición", actualmente en la Casa de Zorrilla.

En su pintura pone de manifiesto el uso del color acomodado a la temática representada, prevaleciendo en su obra los tonos luminosos que fueron calificados por algún crítico como "tintas Gabriel", a mitad de camino entre el romanticismo y el modernismo.

GLORIFICACIÓN DE LA HISTORIA DE VALLADOLID

Una buena muestra de la creatividad de Gabriel Osmundo es la pintura de gran formato que realizó para el plafón central de la bóveda del Salón de Recepciones del Ayuntamiento, una obra de carácter alegórico en la que se adapta con fidelidad al aparente clasicismo neorrenacentista que marca la estética del grandilocuente espacio. La pintura, concebida como un canto al pasado histórico de Valladolid, aparece como una luminosa gloria abierta donde entre nubes descansan ilustres personajes históricos relacionados con la ciudad por diversos motivos.

El centro de la composición es ocupado por la figura del Conde Ansúrez, que acompañado de su esposa doña Eylo porta el plano de la iglesia de Santa María de la Antigua, indicando con su gesto donde debe ser construida. A su lado un arquitecto le muestra otro plano extendido  con la traza del Puente Mayor. La glorificación del Conde Ansúrez, tema central de la pintura, se completa con un plano de Valladolid colocado a su derecha, junto al que aparecen diseminados algunos componentes de su armadura condal, como la coraza, los brazales y el casco, así como la espada. Por detrás un soldado con brillante armadura sujeta el escudo en el que aparecen las armas de su linaje, que se repiten en la parte superior en el emblema que porta un amorcillo que gravita mientras el difuminado pendón de Castilla se enreda entre sus piernas.

A ambos lados, formando agrupaciones, se distribuyen destacados personajes históricos. En la parte derecha, junto a las figuras centrales, aparece un grupo de seis personajes, de resonancia histórica, entre los que se reconocen las figuras de la reina María de Molina, que eligió Valladolid como lugar de residencia y tanto benefició a la ciudad, sentada en compañía de su esposo el rey Sancho IV; a su lado la reina Isabel la Católica, con corona y colocada de pie, ofrece sus joyas para sufragar la gesta del Descubrimiento después de que celebrara su matrimonio en Valladolid; debajo de ella se asienta el Cardenal Mendoza, fundador del Colegio de Santa Cruz; al frente del grupo se sitúa Cristóbal Colón, ensimismado en el estudio de la cartografía mientras acaricia un globo terráqueo, recordando con ello que tanto el inicio de su proyecto como su muerte se produjeron en Valladolid. Completa el grupo la figura sedente del rey Felipe II, nacido en Valladolid, que sujeta entre sus manos el plano de la ciudad que ayudó a reconstruir después del incendio de 1561.

Más a la derecha el grupo de personajes está relacionado con la literatura. En el centro aparece Miguel de Cervantes, ilustre vecino de la ciudad en la que consiguió hacer posible la publicación del Quijote; detrás, según se puede deducir por sus rasgos fisionómicos, aparece el teólogo y jesuita vallisoletano Luis de la Puente, cuyos escritos, publicados en los albores del siglo XVII, tanta repercusión tuvieron; más a la derecha se coloca el gran poeta y dramaturgo vallisoletano José Zorrilla, orgullo de la ciudad, con el que se relaciona una bella alegoría de la musa de la Poesía, que, bajo el aspecto de la Primavera, gravita algo más abajo rodeada de flores.

Otras dos agrupaciones se colocan en la parte izquierda de la composición. Una de ellas, formada por cuatro figuras femeninas de gran tamaño, adquiere un valor alegórico relacionado con la historia de la ciudad, recordando al tiempo las virtudes del gobierno. Una de las alegorías representa la Fortaleza, que está sugerida por una elegante dama que sujeta un casco con penachos y una lanza; a su lado aparece recostada la Justicia, que con una espada en su regazo fija su mirada en el libro de la Ley; por detrás una bella figura femenina puede representar la Historia, pues porta un puñal y hace un gesto de contención, al tiempo que se acompaña de un brioso caballo blanco; al fondo, casi de espaldas, aparece una alegoría de la Música que enaltece el espíritu, en este caso portando un arpa.

Otra serie de personajes conforman un último grupo. Entre ellos se distingue al rey Fernando III el Santo, reconocible por aparecer con el libro de Las Partidas, recordando que este rey y su madre doña Berenguela fueron coronados como reyes de Castilla en la Plaza Mayor el 1 de julio de 1217, como lo recuerda una lápida colocada en la fachada del Ayuntamiento. A su lado, aparece el rey Enrique IV, nacido en Valladolid en 1425, que sujetando una corona y una espada recuerda el haber disputado el trono a su hermana Isabel. También vallisoletano es el franciscano San Pedro Regalado, patrón de la ciudad, bajo el que aparece otro personaje, cubierto por un manto blanco, que se tapa la cara, lo que dificulta su identificación.

En definitiva, todo un compendio de historia relacionada con Valladolid como exaltación de su importante papel a lo largo del tiempo. Pero también una muestra de la capacidad compositiva e historicista de tipos creados por Gabriel Osmundo Gómez, cuya luminosidad y grandilocuencia sigue presidiendo el incomparable marco del salón mas suntuoso de la Casa Consistorial.

* * * * *       

Obras comentadas del Prado: AGNUS DEI, de Francisco de Zurbarán (1635-1640)

Con motivo de la exposición La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny, Javier Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española (hasta 1700) del Museo Nacional del Prado, comentaba la obra Agnus Dei, de Francisco de Zurbarán, (1635-1640).

* * * * *

Theatrum: LA VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN JUANITO, la amable sutileza del barro humanizado

LA VIRGEN CON EL NIÑO Y SAN JUANITO

José Risueño  (Granada, 1665-1732)

Hacia 1715

Barro policromado

Museo Nacional de Escultura, Valladolid

Procedente del convento de San Antón, Granada

Escultura barroca española. Escuela granadina

La Navidad es tiempo de intenciones amables, de celebración jubilosa, de la presencia de figuras de barro integrando artísticos belenes para exaltar al Niño y su Madre, con recreaciones de pastores que remiten a un pasado casi legendario. Amabilidad, júbilo, exaltación materna, manufactura en barro y presencia pastoril se condensan en un fascinante grupo escultórico del que podemos gozar vallisoletanos y foráneos: La Virgen con el Niño y San Juanito, de José Risueño, obra integrante de la colección permanente del Museo Nacional de Escultura.

Desde que Juan de Juni elaborara magistrales obras en barro en el siglo XVI, durante su estancia en León, fueron escasos los grandes maestros que se decantaron por este tipo de material en España, con ejemplos notables en época barroca apenas reducidos al talento del granadino Alonso Cano y la sevillana Luisa Roldán, la Roldana.

Sin embargo, la producción escultórica realizada con el más sencillo de los materiales, el barro, inherente a la esencia humana, fue un medio de expresión desde el origen de los tiempos. Sobre el barro se gestó la epopeya de la escritura cuneiforme y en barro mostraron sus preocupaciones y creencias artistas y artesanos de antiguas civilizaciones en todos los continentes.

La fragilidad de esta materia prima encontró un cauce de perdurabilidad mediante su sometimiento al fuego, que proporciona a las piezas endurecimiento, impermeabilidad y consistencia, solución aplicada de oriente a occidente, en ocasiones a través de procesos muy complejos. Las piezas resultantes hoy las definimos con el término latino de "terracota", o lo que es lo mismo, "tierra cocida".

En barro cocido se han escrito grandes páginas del arte universal, desde las creaciones etruscas y chinas anteriores a nuestra era, a las experiencias renacentistas florentinas o las manufacturas belenistas napolitanas del XVIII, sin olvidar las culturas africanas y precolombinas. Queda patente, pues, que la creatividad de ciertos autores ha elevado a la categoría de arte mayor las obras producidas con un material tan humilde como el barro, obras en las que su fragilidad, junto a la morbidez que permite el modelado, constituye un acicate más a su belleza.

De ello es buen exponente el grupo escultórico del granadino José Risueño, que fue adquirido por el Estado en el mercado del arte en 2012 con destino al Museo Nacional de Escultura, del que sabemos que originariamente fue realizado para el convento de religiosas franciscanas de San Antón de Granada.

El polifacético José Risueño y Alconchel, nacido a la vera de la Alhambra en 1665, se formó como escultor en el taller granadino de Bernardo de Mora y sus hijos José y Diego, continuadores de la obra de Pedro de Mena y Alonso Cano, que mantuvieron una fecunda actividad que marcó los derroteros de la escultura granadina cuando el primero marchó a Málaga en 1658 y el segundo murió en 1667. Junto a los Mora, José Risueño recogió la herencia de realizar imágenes de devoción de concepción esbelta y elegante, alejadas del hondo dramatismo y con una expresividad cercana a la mística, profundizando en los aspectos humanos. Por su gran talento, José Risueño, que trabajó tanto en madera y piedra como en barro y telas encoladas, alcanzaría un gran prestigio en la actividad artística de las postrimerías del Barroco con obras devocionales, procesionales y otras destinadas a retablos.

Este escultor y pintor, que tenía una gran habilidad para realizar dibujos del natural y modelar bocetos con rapidez, muchas veces tomaba como inspiración grabados de obras de Rubens y otros artistas flamencos. Una producción especialmente atractiva es la que realizó en barro policromado, en unas ocasiones como representaciones infantiles aisladas del Niño Jesús o San Juanito, y en otras como grupos escultóricos de la Virgen o San José con el Niño. Entre otras, se conservan muestras de esta actividad en la iglesia de San Francisco de Priego (Córdoba), en el convento de Santa Paula de Sevilla, en el Museo de Bellas Artes de Granada y en el Victoria & Albert Museum de Londres, que, como en el caso de la obra de Valladolid, siempre se muestran plenas de gracilidad y con una ejecución técnica muy depurada.

Muy satisfechas debieron quedar las franciscanas granadinas, orden proclive a las representaciones belenistas y pasionarias, al recibir esta imagen en que la Virgen, con la espalda apoyada sobre un  tronco, la  mano al pecho y gesto placentero y ensimismado, retiene en su regazo a un Niño rollizo y vivaracho que dirige su mirada, en un juego de complicidad, hacia la figura del profeta niño, su pariente, que postrado junto a la Virgen junta sus manos en el pecho en señal de sumisión y ofrecimiento. Con una gran sensibilidad, el escultor vincula las figuras a través de un expresivo cruce de miradas y del sugestivo lenguaje de las manos, creando una escena de gran intimidad en la que prevalece la ternura y el regocijo místico.

Aunque aparentemente todo parece referirse a los momentos gozosos de la infancia, donde nada sugiere el drama futuro por la ausencia de los elementos que simbólicamente suelen acompañar a este tipo de iconografía, como la presencia del simbólico cordero sacrificial, no pasan desapercibidos algunos matices que así lo insinúan, como la indumentaria pastoril de San Juan niño, una piel de camello de gruesos mechones que aluden a su futura condición de predicador en el desierto y su función de Precursor, así como el rojo intenso de la túnica de la Virgen, que preludia su papel de copasionaria, y la colocación de Jesús infante sobre un paño blanco que se transmutará en sudario en las escenas pasionales de la Piedad.

José Risueño. Virgen con el Niño
Museo de Bellas Artes, Granada

Es destacable el magnífico modelado de las figuras, en las que contrasta la tersura de las anatomías, que incluyen detalles de gran morbidez que el barro permite, con el acentuado juego curvilíneo de los drapeados y los cabellos, con pliegues muy redondeados y naturalistas. Realzan su aspecto realista los efectos de la policromía, con aplicaciones de colores lisos en los paños y sin detalles ornamentales, según la moda del momento, y suaves matices de color en las carnaciones, con el mismo tratamiento que una pintura de caballete y el mismo resultado que la madera policromada. El magnífico grupo escultórico, muestra de la madurez alcanzada por el artista, adopta, en contra de lo que suele ser habitual en el Barroco, una composición replegada y con esquema piramidal, efecto reforzado por la sencilla peana sobre la que reposa la base pedregosa.

José Risueño se revela como genial creador de figuras infantiles, expresivas y llenas de vivacidad, así como excelente representante de la escuela granadina de su tiempo, con figuras de gran serenidad y elegancia de ademanes que adquieren un especial atractivo cuando, como ocurre en este caso, las escenas se refieren a los felices momentos de la infancia. Iconográficamente, este grupo de alguna manera se anticipa al célebre medallón en altorrelieve de la Virgen de la Leche que elaboraría Francisco Salzillo treinta y cinco años después para la catedral de Murcia.

Sirva para disfrutar en Navidad esta imagen reducida a lo esencial, desprovista de la parafernalia del belén, pero capaz de transmitir los mejores sentimientos de júbilo a través de la obsesiva búsqueda de la belleza por parte de su autor. Y si ello despierta tu curiosidad y decides contemplarla en vivo en el Museo Nacional de Escultura como un acto lúdico navideño, pues mucho mejor.

Informe y fotografías: J. M. Travieso.

Este artículo ha sido publicado en diciembre 2014 en la revista Aleluya que edita la Asociación "Belenistas de Valladolid".

* * * * *