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13 de agosto de 2015
Museo Nacional de Escultura: Apertura especial el 15 de agosto 2015
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12 de agosto de 2015
Bordado de musas con hilos de oro: AMANTE DE LA MUERTE, ENAMORADO FELIZ, de Luis Antonio de Villena
AMANTE DE LA
MUERTE, ENAMORADO FELIZ
Mucho más
triste que la muerte odiosa
Amante de la
Muerte, enamorado feliz
del único
reposo que habita en este mundo:
¡Sal, sal
fuera, huye, escapa para siempre!
¿Cómo
perseverar un año más? Es muy duro
el camino, y
no me gusta nada este universo.
Porque amo,
y la mano parpadea en el aire.
Deseo, y el
ansia no se transforma en cuerpos rubios.
Y caen mis
párpados, porque no soy feliz
apenas
nunca, y pesa extrañamente la melancolía.
Yo huiría de
aquí, no me veríais nunca,
gritaría
¡fuego!, ¡fuego! Y cerrando el telón
me pondría
un vestido verde, como de escamas
de otro
mundo. Porque he querido ser un rey
que cena
antes de la guillotina; un frívolo
galán bajo
un baile de arañas, y un hermoso
muchacho
cuya vida es de amor y de lujo.
Pero ninguno
he sido. Es muy arduo vivir.
Y ningún
futuro (ninguno) es elegante o digno.
LUIS ANTONIO DE VILLENA
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10 de agosto de 2015
Exposición: CASTILLA Y LEÓN, TIERRA DE COMUNIDADES, del 7 de agosto al 18 de octubre 2015
MUSEO DE LEÓN
Plaza de Santo Domingo 8, León
La exposición ofrece un recorrido sintético por
algunos de los colectivos que han conformado históricamente la actual comunidad
autónoma de Castilla y León, a través de bienes culturales representativos,
procedentes del patrimonio público de los museos provinciales y regionales,
desde Atapuerca a nuestros días.
Entrada gratuita.
Para acceder al catálogo pulsar aquí
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7 de agosto de 2015
Un museo interesante: CARMUS, MUSEO CARMELITANO, Alba de Tormes (Salamanca)
El 25 de enero de 1571 Teresa de Jesús, atendiendo
la petición del contador del duque de Alba y de su esposa, realizaba la octava
de sus fundaciones de carmelitas descalzas, que bajo la advocación de Nuestra
Señora de la Anunciación quedó asentada en Alba de Tormes. Casi once años
después, la santa andariega regresaba a este convento con muy poca salud y en
una de sus celdas murió el 4 de octubre de 1582, convirtiéndose la iglesia en
su lugar de enterramiento. Desde entonces el monasterio se transformaría en un centro
de referencia devocional teresiana, conociendo una serie de transformaciones y
ampliaciones a través del tiempo que han llegado a nuestros días, pues para
exponer con la mayor dignidad el impresionante patrimonio histórico-artístico conventual
acumulado durante siglos, se ha llevado a cabo una ampliación del Museo
Carmelitano, obra del arquitecto Jesús Gascón Bernal, que fue inaugurada en
junio de 2014 como paso previo a la conmemoración en todo el ámbito nacional
del V Centenario del Nacimiento de Santa Teresa.
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| Camarín bajo |
Bajo la titulación de Carmus, el Museo recoge más de 800 piezas, en su gran mayoría de
extraordinaria calidad, que en otros tiempos estuvieron diseminadas por las
dependencias de la clausura, entre las que se encuentran pinturas, esculturas, muebles,
cerámicas, objetos domésticos de uso conventual, ornamentos litúrgicos,
estandartes, obras de orfebrería, marfiles, relicarios, libros y documentos,
etc., a lo que se suman algunas de las dependencias originales del convento con
su propia decoración, incluyendo el sepulcro y las reliquias de la santa, así
como la iglesia que siempre fue destino de peregrinación. El nuevo espacio
cuenta con una moderna recepción en la que también se asienta la tienda del
museo. El resultado es un importante complejo museístico lleno de alicientes
para lo que podemos denominar "turismo religioso" que acrecienta el
interés del impresionante conjunto monumental de Alba de Tormes.
A continuación citaremos algunos de los espacios
más destacados del recorrido de Carmus,
en los que se pueden contemplar las obras más sobresalientes y pintorescas.
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| Detalle del Camarín bajo |
LOS CAMARINES DE LA IGLESIA
Tras la muerte de Santa Teresa, la iglesia, que en
principio estaba destinada a ser panteón de los fundadores, se convirtió en el
espacio de veneración de su sepulcro. Para darlo mayor realce, entre 1670 y
1678 se amplió el templo con un crucero con cúpula, un coro para las monjas,
una espaciosa sacristía y un nuevo presbiterio que incluía al fondo dos
capillas superpuestas en forma de camarín. Las obras fueron patrocinadas por
los reyes Felipe IV y María de Austria y proyectadas por el arquitecto
carmelita fray Juan de San José.
Al término de las obras se instaló un nuevo retablo
concebido como un gran relicario, pues en la parte baja dos puertas laterales
permitían acceder a los relicarios del brazo y el corazón de la santa, mientras
que en la parte central del único cuerpo del retablo, en una gran hornacina
calada a modo de transparente, fue colocado el venerado sepulcro.
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| Niño Jesús montañesino del siglo XVII, en el Camarín bajo |
En la visita al Museo, desde 2012 se pueden visitar
los dos camarines superpuestos y sus correspondientes antecamarines, que están comunicados
por la llamada Escalera del Duque,
accediendo a estos interesantes espacios antaño reservados para la clausura. En
ellos se ha conservado la decoración original, que se acompaña de notables
obras de pintura y escultura que mantienen el espíritu conventual teresiano, un
peculiar ambiente hasta hace pocos años inaccesible a los visitantes.
ANTECAMARÍN BAJO
En este espacio aparece expuesto un relicario con
los restos de San Fidel, una pintura de la Virgen
de Belén y un magnífico Crucifijo
de marfil, posiblemente realizado por el boloñés Alessandro Algardi hacia 1630.
CAMARÍN BAJO
Esta sala, que antaño estuvo comunicada con el
presbiterio por dos puertas en las que se exponían las reliquias de Santa
Teresa, es uno de los espacios más atractivos del Museo por mantener intacto el
ambiente devocional carmelitano, con las bóvedas barrocas pintadas y numerosas
obras de pintura y escultura que se fueron acumulando a lo largo de los siglos
XVII y XVIII.
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| Canonización de Santa Teresa, escalera del Duque |
En los lunetos de la bóveda se superpone una
colección de lienzos que copian originales de Murillo. Representan los temas de
la Anunciación, la Visitación, la Sagrada Familia, la Adoración
de los Pastores, la Huida a Egipto,
la Presentación del Niño en el templo,
la Circuncisión y la Adoración de los Reyes.
A lo largo de los muros y dentro de un pequeño
retablo se encuentran hornacinas acristaladas, rematadas por el emblema
carmelitano, que contienen una importante Colección
de imágenes del Niño Jesús, una iconografía muy potenciada en los conventos
teresianos, en los siglos XVII y XVIII, que adquiría especial protagonismo en
las celebraciones conventuales de la Navidad. Los populares Niños, todos de
estética barroca, eran vestidos con distintas caracterizaciones por las propias
monjas, que también les adjudicaban nombres y apodos. Entre ellos destacan
algunos que siguen modelos montañesinos.
Interesante es la serie de pinturas barrocas al
óleo del siglo XVIII que representan a San
Juanito, el Buen Pastor, la Virgen de las Angustias, el Ecce Homo y el Ángel de la Guarda, así como las pequeñas pinturas sobre ágata del
siglo XVII con el Martirio de San Esteban
y el Martirio de San Lorenzo, la
tabla de San Jerónimo y la Virgen con el Niño pintada sobre
cobre.
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| Camarín alto, sepulcro de Santa Teresa, 1760 |
ESCALERA DEL DUQUE
Es esta escalera, en la que está colocado un
portacirios del siglo XVII, destaca la pintura de la Canonización de Santa Teresa en 1622, lienzo pintado en el siglo
XVII que refleja la ceremonia presidida por el papa Gregorio XV y su sobrino
Ludovico Ludovisi, cardenal y arzobispo de Bolonia, en la que fueron
canonizados junto a la santa abulense los españoles san Isidro Labrador, san
Ignacio de Loyola y san Francisco Javier, así como el italiano san Felipe Neri.
En la escena también aparecen representantes de la nobleza española y frailes
carmelitas, que portan el estandarte de la nueva santa, lo que convierte la
pintura en un interesante documento gráfico.
ANTECAMARÍN ALTO
Junto a esculturas que representan a Santa Teresa y
san Alberto de Trápani, primer santo de la Orden, es interesante el Título de Doctor Honoris Causa que fue
concedido a la Santa por la Universidad de Salamanca en 1922, un artístico
pergamino iluminado por Gabriel Ochoa que aparece firmado por el rey Alfonso
XIII, el Presidente del Gobierno Sánchez Guerra y el rector Luis Maldonado.
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| Escritorio napolitano, Camarín alto |
CAMARÍN ALTO
Repite el esquema del camarín bajo, con un espacio
principal reservado al Sepulcro de Santa
Teresa, junto al que se han dispuesto los relicarios del brazo y del
corazón, visibles en alto desde la nave de la iglesia. Desde el camarín, el
sepulcro queda encerrado tras unas puertas coronadas por el escudo ducal de los
Alba. La sala aparece decorada con pinturas barrocas al fresco que muestran un
variado repertorio vegetal entre el que se distribuye toda la simbología
teresiana y distintos anagramas carmelitanos.
Sobre las paredes están colocadas grandes pinturas
al óleo realizadas por pintores que en el último tercio del siglo XVII estaban
activos en Valladolid y Salamanca, como Diego
Diez Ferreras, Lorenzo Aguilar o Simón Petti. Todas ellas representan escenas
protagonizadas por la santa, como la Aparición
de Cristo resucitado a Santa Teresa, la Imposición
del collar a la santa por la Virgen y San José, Cristo entregando un clavo a la santa, Santa Teresa con San Agustín y la Transverberación, en la que aparecen retratados los fundadores del
monasterio.
El programa pictórico se continúa en los lunetos de
la bóveda, con pinturas de gran formato donde se representan escenas de la
infancia de Santa Teresa en la pintura La niña Teresa jugando a hacer ermitas en el
huerto de su casa; su entrada en el monasterio de la Encarnación recibida por
tres monjas y la huida a tierra de moros para sufrir martirio y La muerte de Santa Teresa, obra
realizada en 1687 por Juan Simón Gutiérrez, pintor seguidor de Murillo.
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| Abraham Willemsem, Transverberación, Sala de cobres |
Muy interesantes son dos escritorios napolitanos —stipi— decorados con cristales pintados
por Vittore Billa con alegorías de las artes y las ciencias, aunque la obra
principal es el Sepulcro de Santa Teresa,
colocado entre dos rejas, una orientada a la iglesia y otra al camarín. Allí
fue colocado en 1677, aunque en 1760 la primitiva urna se sustituyó por otra de
mármol negro con adornos dorados de bronce y coronada por dos angelitos de
mármol blanco que recuerdan la transverberación, obra donada al monasterio por
el rey Fernando VI y Bárbara de Braganza. A los lados se exponen el Relicario del brazo de Santa Teresa,
separado del cuerpo en 1585 para perpetuar su presencia en Alba cuando el
cuerpo fue enviado a Ávila, y el Relicario
del corazón de la Santa, extraído en 1591 para ser examinado por doctores
de la Universidad de Salamanca.
SALAS DE COBRES
En dos salas se expone una valiosa selección de
pinturas sobre cobre y sobre piedra (mármol y ágata), una modalidad aparecida
en Italia en la segunda mitad del XVI, generalizada en el XVII en los Países
Bajos y muy difundidas en España e Hispanoamérica. En la primera sala destaca
una Anunciación del círculo de Luca
Giordano y una serie de piezas devocionales del siglo XVIII que representan a San Miguel, el Ecce Homo, Cristo mostrado a
los judíos, el Buen Pastor, la Inmaculada, San Antonio de Padua, San
Juan Evangelista y el Ángel de la
guarda. Notable es la llamada Virgen
de Cracovia, pintada sobre ágata en el siglo XVI.
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| Nuevas salas, pinturas de Charles J, Flipart, 1753 |
Otra importante colección de pinturas sobre cobre,
del siglo XVII, se exponen en la segunda sala. De idéntico formato, están
firmadas por el pintor Abraham Willemsem (Amberes 1610-1672) y representan la Circuncisión, la Huida a Egipto, Paisaje con
la Sagrada Familia, Las dos
Trinidades, Paisaje con la Virgen y
el Niño, San Juanito, Santa Isabel, Cristo y la Samaritana, la Cena
en casa del fariseo, la Magdalena
penitente, San Sebastián curado por
los ángeles y la Transverberación de Santa Teresa.
NUEVAS SALAS
Con un concepto museístico muy actual, en estas
amplias salas se agrupan grandes vitrinas centrales que contienen estandartes, esculturas
y objetos de culto, junto a otras más discretas acopladas a los muros con
marfiles, así como pinturas de gran formato cubriendo las paredes.
Entre los estandartes más sobresalientes están el Estandarte de la Hermandad de Santa Teresa
de Alba, con el Triunfo de Santa Teresa pintado al óleo en un medallón
elíptico; el Estandarte de la provincia
carmelitana de Aquitania y el Estandarte
de la provincia de Avignon, ambos realizados en 1882 para el centenario de
la muerte de la santa; el Estandarte de
Kensington, obra inglesa con forma de escudo en cuyo medallón se representa
la Imposición del escapulario a san Simón Stock.
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| Pedro de Mena. Escaparate de la Dolorosa, h. 1675 |
En este ámbito, dentro y fuera de las vitrinas, se
exponen esculturas entre las que destacan varias imágenes del Niño Jesús, una
de ellas de marfil, venciendo un dragón, y dos en cera: el Doctorcito, sentado en un trono, y el Niño Jesús de Praga. Junto a ellas se hallan una Virgen del Carmen y un San José del escultor Juan de Ávila, un San José con el Niño de escuela
granadina, dos Nacimientos y dos Bustos relicarios de santas del siglo
XVI. Pintorescos son el Atril con
Santa Teresa pintada sobre nácar y una arqueta con incrustaciones, ambas piezas
pertenecientes al arte namban japonés.
Sin duda la mejor obra escultórica es la imagen de
la Dolorosa realizada por Pedro de
Mena hacia 1675, uno de los mejores ejemplares del escultor que incluye junto
al busto el sudario con la corona de espinas y los clavos. Se conserva dentro
de la vitrina escaparate que en otro tiempo estuvo colocada en el Camarín alto.
Dentro de otra gran vitrina se encuentra la imagen
de Jesús Nazareno, imagen de vestir
tallada por Paulino Ceballos y policromada por Juan de Ganuza, que fue donada
por el papa León XIII en 1889. También es destacable la Virgen de Trapani, labrada en alabastro siguiendo el modelo de Nino
Pisano para la iglesia carmelita de l'Annunziata.
Especial interés tienen dos vitrinas que contienen
exquisitos trabajos filipinos e indo-lusitanos en marfil. En una de ellas se
expone una colección de representaciones del Buen Pastor, con la característica iconografía del Niño Jesús
dormido sobre un montículo en el que pastan las ovejas, con cuevas, fuentes y
vegetales y la figura de Dios Padre en la parte superior. En otra aparecen dos
pequeños altares dedicados a san
Francisco y san Ignacio, dos Calvarios
en miniatura, cartuchos devocionales e imágenes de San Juan Bautista y cuatro santos
franciscanos.
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| Detalle del Buen Pastor, marfil indo-lusitano |
Entre las grandes pinturas figuran las representaciones
de San Francisco de Paula y San Fernando, pintadas en 1753 por Charles
Joseph Flipart, un pintor parisino de formación veneciana que se instaló en
Madrid como pintor de la corte. Junto a ellas está la pintura de Cristo asistido por ángeles, buena copia
del original de Guido Reni que se guarda en el
castillo de Schleissheim, cerca de Múnich.
SALA DEL TRABAJO CONVENTUAL
Ocupa la antigua capilla de San José, lo que
explica la presencia del pequeño retablo que preside la sala, en la que se
aglutinan objetos y enseres antaño utilizados en la vida cotidiana de la
clausura. Allí aparecen devanaderas, ruecas de hilar, una abundante colección
de tijeras despabiladeras, campanillas flamencas, una colección planchas de
hierro fundido, braseros de mano, chocolateras, almireces, etc. No falta una
colección de piezas cerámicas para todo tipo de usos, muchas elaboradas en los
seculares alfares de Alba de Tormes, que recuerdan la expresión de Santa Teresa
"entre los pucheros anda el Señor",
así como una variada muestra de loza utilitaria.
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| Sala del trabajo conventual |
Dentro de una vitrina colocada sobre el altar
aparece una curiosa imagen del Niño Jesús
dormido sobre dos cojines que fue
realizada hacia 1600.
SALA DE ORFEBRERÍA
En esta sala se reúne una impresionante colección
de virtuosas piezas suntuarias atesoradas a lo largo de los siglos, en su gran
mayoría realizadas en metales preciosos y donadas por papas, reyes, nobles,
clérigos y fieles de toda condición.
Algunas son piezas llegadas desde finales del XVI
hasta el XIX a través de la ruta del Galeón de Manila, que con origen en la
ciudad filipina recorría Acapulco y Veracruz hasta llegar a Sevilla. Ello
explica la presencia de obras chinas, indo-lusitanas e hispanoamericanas, sin que falten bellas
muestras de los talleres coraleros de Trapani y otras realizadas en París,
Madrid y Salamanca.
Una obra excepcional es la escultura de San Miguel que preside la sala, en
bronce dorado y atribuida al gran escultor Alessandro Algardi. Espectacular es el Frontal de altar de plata, obra cincelada por Francisco Villarroel
en 1734. Por las vitrinas que rodean la sala se distribuye un ingente número de
cruces, candelabros, sacras, bandejas, relicarios, custodias, cálices, copones,
incensarios, hostiarios, campanillas, etc. Asimismo, en una vitrina colocada en
el centro se expone una selección de joyas.
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| Sala de orfebrería |
La pieza más exótica es un pintoresco escaparate de
principios del siglo XVIII, denominado "La alhaja", que debió ser realizado en algún taller de
Trapani. Con un relieve central en marfil, que representa la Anunciación, se
ornamenta con delicados trabajos vegetales labrados en coral, carey y nácar,
con aplicaciones de plata y bronce, que crean un abigarrado universo decorativo
de gusto tardobarroco.
SALA DE ORNAMENTOS LITÚRGICOS
Junto a la sala de orfebrería se ha habilitado otra
repleta de vitrinas en las que se expone una rica colección de ornamentos
textiles utilizados con fines litúrgicos, entre ellos casullas, capas pluviales
y dalmáticas, que se complementan con estolas, manípulos, paños de cáliz,
guadamecíes, etc. Las piezas más importantes fueron bordadas en México y otras
por las propias monjas teresianas.
Sobre la vitrinas aparece una colección de
relicarios conventuales que adoptan la forma de escaparates unificados en su estética.
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| Detalle de "La alhaja", escaparate de Trapani, principios del XVIII |
PINACOTECA
Situada en el cuarto piso, presenta pintorescas
obras de mobiliario, una selección de esculturas y una importante colección de
pinturas. Destaca un Escritorio con
tapa abatible decorado con exquisitos trabajos de taraceas que representan
escenas de caza y perspectivas arquitectónicas. Fue realizado hacia 1565
seguramente en el círculo de Bartolomé Weisshaupt cuando trabajaba para El
Escorial.
Entre las pinturas merecen una mención especial el Tríptico de la Virgen de la Paz, con
tablas flamencas del XVI que representan a la Virgen con el Niño, la Adoración
de los pastores y la Huída a Egipto; Jesús
con la cruz a cuestas, pintura leonardesca firmada en 1537 por Palmezzano;
la Virgen con el Niño de mediados del
siglo XVI, obra de Luis de Morales; la Asunción
firmada por fray Lorenzo de San Ignacio y fechada en 1674; el Paroxismo de Santa Teresa, pintada en
1735 por Juan García Miranda; Cristo
vencedor de la muerte, de Sebastián Herrera Barnuevo y el Niño Jesús como buen pastor, de autor anónimo
del siglo XVIII.
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| Pinacoteca, Tríptico flamenco de la Virgen de la Paz, s. XVI |
Entre la pequeña selección escultórica destacaremos
un bello Niño Jesús de Malinas, así
como la presencia del célebre Estandarte
de la Canonización de Santa Teresa en 1622, que fue pintado en Italia y
meticulosamente restaurado por el Centro de Conservación y Restauración de
Bienes Culturales de Castilla y León. Está realizado en seda carmesí sobre la
que aparece pintada al óleo la efigie de la santa en el anverso, siguiendo el
famoso retrato de fray Juan de la Miseria, y el escudo de la Casa de Alba en el
reverso, con más interés histórico que artístico.
La visita se completa con la entrada a la iglesia
del monasterio, desde la que se accede a la sala-capilla en que se produjo la
muerte de Santa Teresa, en cuyo recinto se exponen numerosos objetos personales
relacionados a la santa.
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| Pinacoteca, Luis de Morales, Virgen con el Niño, mediados XVI |
HORARIOS DE VISITA
De lunes a jueves: de 11 a 13 y de 16 a 18 h.
De viernes a domingo: de 11 a 13 y de 16 a 18:30 h.
Información de horarios con motivo de la exposición de Las Edades del
Hombre: pulsar aquí
PRECIOS
Entrada individual con audioguía: 3 €.
Entrada grupos (más de 10 personas) con audioguía: 2 € por persona.
Precio entrada grupos con audioguía individual (más de 10 personas) 2
€ por persona.
Precio visitas guiadas:
a) Grupos con su propio guía. Deben disponer de un propio sistema de
guiado o alquilar el sistema en el Museo al precio de 1 € por visitante en
visitas de 45 minutos. El importe del alquiler se abona en la recepción. El
alquiler está sujeto a la disponibilidad de equipos.
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| Estandarte de la Canonización de Santa Teresa, 1622 |
b) Grupos que soliciten la visita guiada por personal del Museo.
Tendrá un coste adicional de 1 € por persona, que se abona en la recepción. La
realización de la visita guiada por el personal del museo está sujeta a
disponibilidad y no podrá confirmarse hasta la llegada del grupo.
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| Aspecto de la Pinacoteca |
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| Fachada de la iglesia de la Anunciación, Alba de Tormes |
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5 de agosto de 2015
Curso: HOMO MELANCHOLICUS, ENTRE LA ENFERMEDAD Y EL GENIO, del 15 al 30 de septiembre 2015
MUSEO
NACIONAL DE ESCULTURA. PALACIO VILLENA
Calle
Cadenas de San Gregorio, Valladolid
CICLO
PENÍNSULA MELANCÓLICA
Con motivo de la exposición "Tiempos de melancolía. Creación y desengaño en la España del Siglo de Oro"
Martes 15
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
¿QUÉ ES MELANCOLÍA?
Fernando
Colina, psiquiatra y escritor.
Jueves 17
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
EL NIHILISMO DEL SABER EN LA ESPAÑA BARROCA
Fernando
Rodríguez de la Flor, Universidad de Salamanca.
Lunes 21
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
EL DILEMA MELANCÓLICO: DE LAS IDEAS A LAS
IMÁGENES
María
Bolaños, Museo Nacional de Escultura.
Miércoles 23
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
LA PINTURA Y SUS IMÁGENES EN EL SIGLO DE ORO
Javier
Portús, Museo Nacional del Prado.
Lunes 28
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
EL PUÑO CERRADO Y EL ROSTRO NEGRO. ALBERTO
DURERO Y LOS HIJOS DE MELANCOLÍA
Juan Luis
González García, Universidad Autónoma de Madrid.
Miércoles 30
Salón de
Actos del Palacio Villena, 20 h.
LA PENA DE ADÁN
Palma
Martínez-Burgos, Facultad de Humanidades de Toledo.
NOTA: Este
programa puede estar sujeto a modificaciones.
INSCRIPCIÓN:
En la
Asociación de Amigos del Museo (Tienda del Museo, en horario de apertura), desde el 1 de agosto al 12 de septiembre.
TARIFAS:
General: 18
€.
Reducida
(Asociación de Amigos del Museo): 15 €.
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3 de agosto de 2015
Fastiginia: Vista panorámica de Valladolid en una fototipia de Hauser y Menet de 1892
Estampas y recuerdos de Valladolid
En 1890 fue fundada en Madrid la Imprenta Hauser y
Menet, que se convertiría en una de las más importantes de España por sus
impresiones en "fototipia". Este fue un procedimiento de impresión
fotomecánica, aplicado en los talleres de artes gráficas, que había sido ideado
en 1856 por el fotógrafo francés Louis Alphonse Poitevin, consistente en
extender, sobre una matriz constituida por una placa de vidrio, una capa de
emulsión fotosensible a base de una gelatina bicromatada que se sometía a
cocción y después era impresionada mediante contacto con el negativo
fotográfico. En el proceso la gelatina se hacía más insoluble en las zonas
transparentes, siendo absorbida la tinta con mayor facilidad en ellas, lo que
permitía imprimir ilustraciones de libros, láminas y postales con una gran
nitidez hasta alcanzar las 500 copias, revelándose como el mejor sistema de
impresión de fotografías de la época.
Después de la invención de las tarjetas postales en
1869 por el profesor austriaco Hermann, en 1871 comenzaron a difundirse por
España a través de las editadas por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre. Su
uso con vistas de ciudades y paisajes se generalizó tras la Convención Postal
Universal, siendo la imprenta madrileña Hauser y Menet la que entre 1897 y 1905
introdujo en España la tarjeta postal ilustrada mediante la fototipia, iniciándose con ello un nuevo
tipo de coleccionismo.
La prestigiosa empresa Hauser y Menet, Fotógrafos
Editores, con el taller establecido en la calle de la Ballesta de Madrid, permaneció
en activo durante 90 años. Durante este tiempo se hicieron famosas sus tarjetas
postales con vistas de monumentos, calles y panorámicas de toda España, junto a
otras con escenas costumbristas realizadas por dibujantes y pintores, como las
destinadas a la revista Blanco y Negro que fundara Torcuato Luca de Tena. El
taller cerraba sus instalaciones en 1979 por quiebra del negocio, cuando se
dedicaba a imprimir revistas como Hola
e Interviú.
Una fototipia con una vista panorámica de
Valladolid, que se conserva en la Biblioteca Nacional de Madrid, fue impresa en
el taller Hauser y Menet en 1892. En ella se aprecia el entorno agrícola de la
ciudad desde una posición localizable en la zona de Canterac, con distintos
campos de cultivo en primer plano y el caserío al fondo, en el que destacan,
entre edificaciones de pequeña altura, la mole catedralicia, las torres de
algunas iglesias y las chimeneas de algunas fábricas, como la perteneciente a
la Tejera Mecánica, conocida popularmente como La Cerámica, fundada en 1884 por el industrial cántabro Eloy Silió
y dedicada a la producción de ladrillos. Esta fotografía sirve para comprender
la expansión urbana de Valladolid a lo largo del siglo XX y la pervivencia en
el tiempo en que fue hecha de una ciudad levítica, de carácter conventual.
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31 de julio de 2015
Theatrum: DEMÓCRITO Y HERÁCLITO, el optimismo y el pesimismo como rasgos del temperamento humano
DEMÓCRITO Y
HERÁCLITO
Pedro Pablo
Rubens (Siegen, 1577 - Amberes, 1640)
1603
Óleo sobre
lienzo
Museo
Nacional de Escultura, Valladolid
Pintura
barroca. Escuela flamenca
El 22 de abril de 1603 llegaba al puerto de
Alicante, procedente de Italia, un joven de 25 años, con cabello pelirrojo y
ensortijado, que había nacido en el Sacro Imperio Romano Germánico. Se trataba
del pintor Pedro Pablo Rubens, que en su calidad de diplomático, como
representante de Vicenzo Gonzaga, Duque de Mantua, tenía como destino la Corte
española para cumplir una misión que éste le había encomendado con el deseo de estrechar lazos: custodiar y
hacer llegar al rey de España un lote de valiosos regalos, junto a un lote de pinturas de Pietro Faccheti, que copiaban conocidas obras
renacentistas italianas de Rafael, Tiziano y Sofonisba Anguissola, para ser entregadas al Duque de Lerma, conociendo su pasión por la pintura.
Pero tras su llegada al puerto levantino las
circunstancias no pudieron ser más complicadas al encontrarse con dos
inconvenientes inesperados. Por un lado, que la Corte española se había
establecido en Valladolid, lo que suponía un alejamiento del destino al que
conducir tan delicada carga. Por otro, una climatología adversa de intensas
lluvias primaverales que complicaron sobremanera el ya dificultoso traslado de
las delicadas obras en carretas, hasta el punto de resultar dañadas gran parte
de las pinturas y arruinadas completamente dos de temática religiosa durante
los veintiún días que duró el trayecto desde la costa alicantina a la meseta
castellana.
Por este motivo, a su llegada a Valladolid, debido a
la imprevista ausencia del monarca y atendiendo la petición de Annibale Iberti,
embajador de Mantua en España, la primera actividad que emprendió el pintor fue
la restauración de las obras que custodiaba, trabajo que acometió en solitario
tras rechazar la colaboración de los pintores cortesanos españoles, cuyos modos
pictóricos aborrecía. Asimismo, decidió
incorporar al lote una pintura propia para compensar las pérdidas producidas en
el trayecto, según se desprende de las cartas enviadas por el propio Rubens
desde Valladolid en el verano de 1603, donde entre otros de sus cometidos también
figuraba el de realizar una serie de retratos de damas de la corte española
para ser destinados a la Galería de Bellezas del Duque de Mantua1, lo que
justificaba que el pintor portara sus útiles de trabajo en el viaje.
Rubens hizo gala de su maestría en Valladolid
realizando una obra maestra completamente distinta al tipo de pintura realizada
en aquel momento en España. Con el deseo de mostrar su erudición en el ambiente
cortesano, propiciado por los gustos e intereses del todopoderoso Duque de
Lerma, eligió un tema profano representando a dos filósofos griegos presocráticos,
Demócrito y Heráclito, dos figuras de
la antigüedad clásica que habían sido recuperadas por los escritores y pintores
italianos del Renacimiento para encarnar el optimismo y el pesimismo ante la
vida, dos rasgos antagónicos del temperamento humano.
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| Duque de Lerma. Rubens, 1603. Museo del Prado |
La pintura cautivó a don Francisco de Sandoval y
Rojas, Duque de Lerma, que de inmediato la incorporó a su colección personal,
según se desprende de los inventarios2 realizados en 1603 y 1607.
Pero no sólo eso, sino que en septiembre de ese mismo año solicitó a Rubens su traslado al palacio de la Ventosilla, próximo a Lerma, para que le realizara un retrato ecuestre
emulando al grandilocuente retrato de Carlos V vencedor en Mühlberg que hiciera
Tiziano, un retrato que también fue pintado en Valladolid y que puede
considerarse como una de las mejores pinturas de este género que conserva el
Museo del Prado desde que fuera adquirido en 1969. En él aparece tan ambicioso
personaje como jefe de los ejércitos españoles, a lomos de un caballo blanco,
con armadura de gala, el collar de la Orden de Santiago al cuello y portando un
bastón de mando, figurando en el fondo, bajo un celaje con grandes nubarrones,
una batalla de caballería. Ocho años después, emulando al duque, don Rodrigo
Calderón, su hombre de confianza y secretario del rey, se hacía retratar por
Rubens de la misma manera (Royal Collection, pintura expuesta en el Castillo de
Windsor).
DEMÓCRITO Y HERÁCLITO
En un alarde de expresividad y con una composición
perfectamente estudiada, fruto de un excepcional talento, Rubens representa a
los dos filósofos, de caracteres tan opuestos, de medio cuerpo, mirando
fijamente al espectador y colocados a ambos lados de un globo terráqueo en el
que se aprecian territorios norte y centroeuropeos rodeados de mares, a modo de
un portulano en el que es visible la rosa de los vientos. Sus identidades
quedan aclaradas en inscripciones con caracteres griegos que recorren los
bordes de sus mantos.
A la derecha del espectador aparece Heráclito de
Éfeso, al que para reforzar su carácter melancólico y retraído —pesimista en
suma— el pintor viste con una indumentaria negra que incluye un manto que le
cubre la cabeza, un recurso cromático-psicológico que está reforzado por la
colocación de las manos cruzadas ante el pecho, en gesto de desconsuelo,
mostrando una anatomía muy castigada, con un rostro ceñudo y ojeroso, propio de
un desventurado que padece en silencio su convencimiento de la fragilidad
humana y su vulnerabilidad ante el destino. Es la imagen de la desventura, con
una anatomía en parte degradada y próxima a la fealdad, propia del hombre
alicaído e incapaz de superar el drama humano.
Estableciendo un juego evidente de contrapuntos, a
modo de declaración de principios, Demócrito de Abdera, que está colocado en el
lado opuesto, se presenta como adalid del buen ánimo (euthymia), del optimismo
y de la vitalidad. Su figura, hábilmente iluminada, destaca sobre el tronco de
un roble frondoso colocado al fondo, especie de árbol que refuerza el
significado de la fortaleza humana. Demócrito
se cubre con un simbólico manto rojo que deja asomar una saya blanca, al tiempo
que su rostro esboza una sonrisa mientras gesticula con las vigorosas manos
como si iniciara una conversación con el espectador exponiendo sus ideas. Junto
a los llamativos colores de su figura, curiosamente en un personaje que afirmó
que el color como tal no existe en las cosas, anticipándose a teorías actuales,
destaca el virtuoso sombreado de la cabeza, con larga melena de mechones
ensortijados, poblada barba con abundantes rizos de tonos caoba y un rostro
jovial de tez tersa y curtida de calculada belleza nórdica.
El personaje, junto a su simbólica actitud positiva
ante la vida, ofrece connotaciones de contenido social encriptado, pues
conviene recordar que fue el filósofo Demócrito quien declaró preferir un
régimen democrático, con todos sus defectos, a cualquier tipo de dictadura —Es preferible la pobreza en una democracia a
la llamada felicidad que otorga un gobernante autoritario, como lo es la
libertad a la esclavitud—, aunque estos significados posiblemente no fueran
interpretados en aquel tiempo. Demócrito también rechazó todo tipo de
nacionalismo o etnicismo —Toda tierra es
accesible para el hombre sabio, pues la patria del alma buena es todo el
universo—, resumiendo algunas de sus ideas en su "Tritogenia" —Tres son las consecuencias de ser sabio:
deliberar bien, hablar sin error y obrar como se debe— y en sus
disquisiciones éticas, en las que recomienda “No hagas ni digas nada feo aunque estés solo; aprende a avergonzarte
más ante ti mismo que frente a los demás” y “Mejor es advertir los propios errores que censurar los ajenos”,
ideas básicas para la concepción optimista de la vida.
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| Heráclito y Demócrito. Bramante, 1491. Pinacoteca Brera, Milán |
Se han querido encontrar los antecedentes de esta
pintura en un cuadro propiedad del humanista toscano Marsilio Ficino que, con
algunas variantes, reprodujo Donato Bramante en 1491 para la Casa Prinetti de
Milán (Pinacoteca Brera, Milán). En ella aparecen los filósofos llorando y
riendo ante el estado del mundo. No obstante, el tema era conocido en los círculos
literarios españoles gracias a la traducción realizada en 1549 por Bernardino
Daza Pinciano de la obra Emblematum liber
(Libro de los Emblemas) del milanés Andrea Alciato, así como por ser recogido
en un poema titulado Rissa y planto de
Demócrito y Heráclito que publicara Filiremo Fregoso en 1554, al que
acompañaba un grabado ilustrativo.
El cuadro fue pintado con premura por Rubens en
Valladolid debido a las circunstancias antes expuestas y muestra las
reminiscencias manieristas recogidas en la obra temprana del pintor, en su
denominada "etapa italiana", a pesar de que ya afloran en él los
rasgos que caracterizarán toda su obra, como el brillante colorido de
inspiración veneciana, la grandilocuencia y monumentalidad compositiva, las
formas ampulosas, la teatralidad de las figuras y el contenido simbólico como
fruto de una elevada erudición, factores que le convertirían en el gran maestro
de la pintura barroca europea. Pero además la excelente pintura supone la
primera representación alegórica de este tema en España, lo que explica el éxito
que obtuvo, volviendo a pintar hacia 1636 a los filósofos por separado, a
petición de Felipe IV, para la decoración de la llamada Torre de la Parada,
pabellón de caza situado en el monte de El Pardo, próximo a Madrid.
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| Demócrito y Heráclito. Rubens, 1636. Museo del Prado |
Tras estar desaparecida durante mucho tiempo,
posiblemente en poder de los herederos del duque de Lerma hasta principios del
XIX, la pintura pasó a ser propiedad de Arthur Wellesley, duque de Wellington,
cuyos herederos lo vendieron posteriormente a distintos coleccionistas ingleses
y americanos. En 1999 fue presentado y subastado en el mercado del arte por la
casa inglesa Christie's, donde fue adquirido por el Estado español, que
finalmente lo destinó al Museo Nacional de Escultura, en una brillante
operación que supuso el retorno de la pintura a la ciudad donde fue realizada.
De aquella estancia del gran pintor junto al
Pisuerga tenemos pocas noticias, prácticamente limitadas a la citada
correspondencia personal de Rubens en que refiere la reparación de las obras dañadas, pero sin
duda debió ser fructífera. A pesar de que desconocemos dónde tenía instalado el taller, aunque es posible que en alguna dependencia del Palacio Real, desde 2009 también se considera que pintara en el ambiente cortesano vallisoletano, en aquellos días, según la opinión de algunos expertos, una pintura que representa el retrato de una desconocida y elegante mujer, un
cuadro que quedó sin terminar y que seguramente fue tomado del natural, pudiendo tratarse de una de las pinturas relacionadas con el encargo de recoger bellezas españolas para destinarlas al palacio del Duque de
Mantua.
Marieke de Winker identifica la dama retratada como
española por el estilo del vestido, especialmente por la manga y el tipo de
gorguera, comparables a los que lucen otras damas pintadas por El Greco, aunque
este tipo de indumentaria femenina también se utilizara en cortes foráneas de
influencia española, como Génova y Nápoles. La obra fue subastada en diciembre
de ese mismo año por la casa Sotheby's como original de Rubens, después de
pertenecer a la Real Academia de Bellas Artes de Venecia, ser vendido en el
siglo XIX al coleccionista británico Sir John Hanmer y ser comprado por un
coleccionista anónimo hacia 1975.
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| Detalle de Heráclito. Rubens, 1636. Museo del Prado |
De todo ello se deduce que Rubens no perdió el
tiempo en la Corte de Valladolid tras haber permanecido casi un año activo en la ciudad, de donde retornó a Mantua en abril de 1604.
Informe: J. M. Travieso.
NOTAS
1 VALDIVIESO GONZÁLEZ, Enrique. La pintura en Valladolid en el siglo XVII. Valladolid, 1971, p. 82.
2 POLO HERRADOR, María de los Ángeles. Demócrito y Heráclito. Museo Nacional Colegio de San Gregorio: colección / collection. Madrid, 2009. pp. 176-177.
2 POLO HERRADOR, María de los Ángeles. Demócrito y Heráclito. Museo Nacional Colegio de San Gregorio: colección / collection. Madrid, 2009. pp. 176-177.
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| Detalle de Demócrito. Rubens, 1636. Museo del Prado |
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| Retrato de dama española. Rubens, h. 1603. Col. particular |
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